Yeah Yeah Yeahs

Yeah Yeah Yeahs _ Y Control

Length: 3:58
Genre: Alternative, Subgenre_alternative
Year: 2003
Director: Spike Jonze, Lance Acord
Composer: Nicholas Zinner, Brian Chase, Karen Orzolek
Label: Universal Music Group - North America

Yeah Yeah Yeahs are an American indie rock band formed in New York City in 2000. The group is composed of vocalist and pianist Karen O, guitarist and keyboardist Nick Zinner, and drummer Brian Chase.[2] They are complemented in live performances by second guitarist David Pajo, who joined as a touring member in 2009 and replaced Imaad Wasif who had previously held this role. According to an interview that aired during the ABC network's Live from Central Park SummerStage series, the band's name was taken from modern New York City vernacular.
The band has recorded four studio albums; the first, Fever to Tell, was released in 2003. The second, Show Your Bones, was released in 2006 and was named the second best album of the year by NME. Their third studio album, It's Blitz!, was released on March 31, 2009 in the US and on April 6, 2009 elsewhere. Their fourth album, Mosquito, was released on April 15, 2013.

Formation (2000–2002)
Karen O and Brian Chase first met as students at Oberlin College in Ohio in the late 1990s, where Chase was a jazz student at the conservatory. Karen then transferred to New York University, and while in New York met Zinner in a local bar, where they formed an "instant connection". During this time they also shared a loft with future members of the band Metric. The two formed an acoustic duo called "Unitard", but soon decided to "shake things up a bit" by forming a "trashy, punky, grimy" band modeled after the art student, avant-punk bands Karen O was exposed to at Oberlin. After the drummer they recruited initially bowed out, Chase joined the line-up.
The band wrote a slew of songs at their first rehearsal and soon wound up supporting The Strokes and The White Stripes, earning a significant buzz for their arty and garage punk scene. In late 2001, the Yeah Yeah Yeahs released their self-titled debut EP, which they recorded with Boss Hog's Jerry Teel, on their own Shifty label. Early the next year the band stepped into the international spotlight, appearing at South by Southwest, touring the U.S. with Girls Against Boys and Europe with Jon Spencer Blues Explosion, and headlining their own U.K. tour. Wichita Recordings distributed the group's EP in the U.K. and Touch and Go reissued it in the States.

Music style
Their style has been described as "an art-rock trio who made an edgy post-punk, dancefloor-friendly racket that mixed up Blondie with Siouxsie and the Banshees."

Esta Banda e o diretor deste clip são sem comentários.
Karen O... Falar o que dela?!?!?!?!
... tudo isso graças aos bons e velhos tempos de skateboard.

Gracias por relembrar Basta!

Genius Party & Genius Party Beyond _ Dimension Bomb

Dimension Bomb (2008)

Director: Koji Morimoto
Storyboard: Koji Morimoto
Music: Juno Reactor
Character Design: Koji Morimoto
Art Director: Marefumi Niibayashi
Animation Director: Koji Morimoto
Assistant Animation Director: Atsuko Fukushima
CGI監督: Takayuki Kusagi
Color design: Miyuki Itou
Animation and Production: Studio 4ºC

Key Animation:
Daisuke Tsumagari
Hideki Nagamachi
Hideoki Kusama
Jamie Vickers
Katsumi Matsuda
Kazuhiro Miwa
Manabu Akita
Masaru Kato
Masatsugu Arakawa
Miyako Yatsu
Motonobu Hori
Shou Sugai
Shoujirou Nishimi
Susumu Mitsunaka
Takaaki Hirayama
Takamasa Shibuya
Takayuki Hamada
Toshihiko Masuda
Toshiyuki Kanno
Usaku Myouchin
Ushio Tazawa
Yasuhiro Aoki
Yasuyuki Shimizu
Yumi Chiba
Yuuhei Ueda

The premise behind the Studio 4°C project Genius Party was simple: gather together the world’s most established and talented animation directors, provide them with a single connecting theme – the Spirit of Creativity – and give them carte blanche to interpret the brief in any manner they saw fit, without any restrictions on subject matter, running time or method of execution.
The directors involved in the anthology have been responsible for some of the most ground-breaking animated works of the past decades, including Perfect Blue, Akira, Steamboy, The Animatrix, Ghost in the Shell and Cowboy Bebop. The end result is an artful, eclectic and often haunting collection of musings on the very nature of creativity. Highly visceral, frequently challenging, occasionally perplexing and always imaginative, Genius Party functions as an unparalleled ode to the splendours of human creativity, and as a compendium of animation styles and directorial visions the present 4-disc box set may well be without rival.

Disc One of Genius Party comprises the following short films, or ‘impacts’:

1. Genius Party - Directed by Atsuko Fukushima (5:07)
2. Shanghai Dragon - Directed by Shoji Kawamori (18:40)
3. Deathtic 4 - Directed by Shinji Kimura (10:13)
4. Doorbell - Directed by Yoji Fukuyama (13:00)
5. Limit Cycle - Directed by Hideki Futamura (18:03)
6. Happy Machine - Directed by Masaaki Yuasa (14:25)
7. Baby Blue - Directed by Shinichiro Watanabe (14:04)

A second disc of Director Interviews rounds out the collection. The interviews follow the same sequence as the shorts themselves, and typically run between 10 and 20 minutes. The format varies for each, from straight-to-camera interviews to audio played over key pieces of animation, and Watanabe’s ‘interview for Baby Blue is actually more akin to a commentary track. Accompanying the principal director of each piece are CGI directors and other key creatives, and the interviews themselves are further augmented by the addition of rough cut and storyboard footage. Both the questions and the supplementary footage have been extremely well-chosen, and altogether provide a fascinating insight into the motivations and creative processes behind each piece.
The second instalment in the series, Genius Party Beyond, is also included, and brings the concept to a neat conclusion... for now. Beyond comprises an additional five short animated films from directors responsible for such diverse fare as MEMORIES (Koji Morimoto) and the animated sequences in Tarantino’s Kill Bill (Kazuto Nakazawa).

The full collection comprises:

1. Gala - Directed by Mahiro Maeda (13:59)
2. Moondrive - Directed by Kazuto Nakazawa (14:05)
3. Wanwa (The Doggy) - Directed by Shinya Ohira (12:58)
4. Toujin Kit - Directed by Tatsuyuki Tanaka (13:00)
5. Dimension Bomb - Directed by Koji Morimoto (19:02)

As was the case with the first instalment, a disc of director interviews has also been included. These follow the same loose format as those of Genius Party. The directors are asked for their thoughts on the finished works, describe the various techniques employed throughout, use rough cuts and alternate footage to further outline their visual style and describe what it was that initially drew them to the Genius Party project.

Also included in this double-digipack set is a 16-page booklet containing some arresting stills and a dual-language synopsis of each short. If the director profiles and production materials touted on the box cover are included then they are to found in the Japanese text; the English consists only of a brief and often intentionally ambiguous plot outline. This is perhaps as it should be, since the majority of the films defy easy description and the visceral viewing experience engendered throughout is not easily put into words.
Though both collections are eminently impressive, for my money Genius Party Beyond is the superior of the two. Each of the five films are similar in length, and though a multitude of animation styles are employed throughout they are markedly more cohesive thematically than the seven shorts of Genius Party, each of which was possessed of a more fragmentary, frequently surrealist stand-alone quality. The box set comprising the first two volumes isn’t entirely complete – upon initial release the Genius Party collection included as a bonus feature an additional seven short films chosen as part of Studio 4°C’s Next Genius contest, which are nowhere to be found here – but it is an excellent and truly moving anthology and a kaleidoscopic homage to everything that’s great about the animation genre. Definitely an essential purchase for anime fans, and those who like their creative output thought-provoking, refined and eminently imaginative. That means you!

Font: Impulse Gamer

Batman: Gotham Knight Ep 1 - Have I Got a Story For You

Já vi muita coisa estranha e maluca nesse incrível universo da animação mas nada se compara a esse insano, belo e totalmente estranho filme/curta metragem chamado "Dimension Bomb". Este anime de 2007/2008 é parte de uma série/coletânea intitulada Genius Party & Genius Party Beyond onde cada curta metragem é dirigido por um diretor diferente.
Desde tekkonkinkreet sou fã incondicional do Studio 4ºC que sempre me surpreende a cada nova/velha produção.
Deste mesmo studio vieram Animatrix, Batman: Gotham Knight e Noiseman Sound Insect.

Os animadores Japoneses são belissimamente loucos!!
Valeu Ethos!


// Street:Art // Onesto (a.k.a Alex Hornest) _ Diario do Centro do Mundo _ DCM


[Street:Art] apresenta:
Onesto (a.k.a Alex Hornest)
Por Emir Ruivo

Onesto é amplamente reconhecido como um dos mais importantes artistas de graffiti do Brasil. Seu traço marcante e seus personagens com mãos grandes já eram conhecidos pelo DCM, mas a dimensão de sua importância só ficou clara ao irmos juntos à loja especializada KingCap#SP, na Vila Madalena. Ambos, atendente e dono da loja, receberam Onesto como se fosse um Rock Star.
Paulistano da zona leste, já fez pinturas públicas e exposições em Nova Iorque, São Francisco, Atlanta, Los Angeles, Miami, Quebec, Bogotá, Quito, Cidade do México, Queretaro (México), Firenze, Viena, Lisboa e Roterdã – isso sem contar as cidades brasileiras, que são maioria.
Onesto é marido da desenhista Thais Ueda, com quem tem duas filhas. Apesar do reconhecimento, ele vê o graffiti mais como grito de liberdade do que como arte – e eventualmente até como vandalismo. E tem fixação por trens. “Quem nunca pintou um trem não sabe o que é graffiti”.
Durante 2 horas, conversou conosco numa tarde quente e chuvosa na Vila Madalena, em São Paulo.

Diário Do Centro Do Mundo: Onde você nasceu?
Onesto: Em São Paulo. Na Zona Leste, mais precisamente no bairro do Tatuapé. Depois meus pais me levaram pra Penha. Morei lá até os 11 anos. Depois nós fomos ainda mais pro fundo da Zona Leste, em São Miguel (risos). Fiquei lá até meus trinta e poucos anos.

DCM: Quantos anos você tem agora?
Onesto: Tenho 40. Há pouco tempo mudei para Perdizes, porque me casei, tenho filhas…

DCM: Quantas?
Onesto: Duas. Uma de 3 anos e outra que vai fazer 1 agora em Fevereiro. Foi bom mudar de ares. O centro da cidade é mais próximo de tudo que eu faço e tudo que eu preciso.

DCM: Como você acabou indo trabalhar com graffiti?
Onesto: Sempre falo que não trabalho com graffiti. Eu sou pintor, escultor, já transitei por várias mídias. Já trabalhei com propaganda, tive trabalhos burocráticos como administração de empresas, já fui carteiro. Gosto de fuçar, sempre gostei. Saber como as coisas funcionam sempre me atraiu.

DCM: Estudou arte?
Onesto: Depois de me formar em Administração de Empresas, descobri uma escola que chamava Carlos de Campos. Fica no Brás. Estudei nela. Lá tinha um universo de arte formado – havia artistas de várias categorias, gente que já trabalhava em diferentes áreas. E gente que fazia graffiti também. Eu sempre tive curiosidade com o graffiti, porque quando era mais novo, assisti um filme que chama “Beat Street” [n.E.: "A Loucura do Ritmo", em português]. Esse filme me transportou para o universo do Hip Hop. Quando, no filme, vi os caras pintando um trem, pensei “é isso que eu quero fazer um dia”.

DCM: Você já pintou um trem?
Onesto: Já (risos).

DCM: Vários, pelo jeito?
Onesto: Vários. Hoje não mais. Mas quem nunca pintou trem não sabe o que é fazer graffiti. Pintar parede é legal, mas ver o seu trabalho circulando pela cidade, parando em vários lugares, é incrível. Não tem sensação igual.

DCM: Voltando à escola…
Onesto: Então, conhecendo pessoas que já faziam graffiti eu comecei a ter informação. Eu tinha feito coisas quando era novo, mas bobeira. Tipo, eu curtia Rock na época, então escrevi “The Smiths” na parece, sabe?

DCM: O que acabou se tornando o graffiti pra você?
Onesto: Uma paixão. Mesmo se não tivesse o reconhecimento que tem hoje, eu estaria fazendo da mesma forma, porque não vejo como profissão. Vejo como um esporte, hobby,... Conheço vários lugares do mundo porque pinto graffiti, conheço o Brasil quase de ponta a ponta porque pinto graffiti, então é uma coisa que eu acho que estava escrito. Se eu visse como profissão, acho que eu não estaria tão realizado.

DCM: Suas filhas já estão começando a desenhar na parede?
Onesto: Outro dia eu fui participar de um evento e minha esposa levou as minhas filhas. A mais velha já assimila as coisas. Ela pegou um giz e começou a rabiscar. Foi bem interessante. Ela reconhece o que eu faço, quando passa por lugares que tem trabalhos meus ela diz “é do papai, é do papai!” Minha esposa é artista, então eu acho que isso já vem embutido no sangue.

DCM: Mas quando ela começar a pintar a parede da sala, você provavelmente vai ficar orgulhoso…
Onesto: Ah, ela já fez. Já pintou várias paredes. Depois uma tinta cobre a outra. Hoje ela pinta mais em caderno. A gente dá uns cadernos em branco e ela fica ali desenhando.

DCM: Você ganha dinheiro com graffiti?
Onesto: Não, eu ganho dinheiro com arte. O graffiti é mais um hobby que eu tenho.

DCM: Uma mídia também?
Onesto: É, uma mídia. Por eu fazer graffiti, surgiram outros convites, outras coisas. É porque quando eu estou fazendo um trabalho eu não me sinto fazendo graffiti – eu estou fazendo um painel, uma tela. Graffiti, na minha concepção, é só na rua. Quando eu saio com as minhas tintas e pinto onde eu bem entender, aquilo é graffiti.

DCM: Qual você acha que é o limite entre a arte e a pichação como vandalismo?
Onesto: Eu acho que a pichação faz parte do grafite. É só um outro elemento. O grafite tem várias ramificações. Porque a pichação é uma caligrafia incrível. Tem gente que trabalha com tipografia que vem pra cá, fotografa e vende. Eu vejo um potencial inimaginável na pichação. Para mim é arte.

DCM: Como você desenvolveu seus estilos?
Onesto: Vendo quadrinhos. Eu comprava uma revista chamada Heavy Metal. Era difícil achar, mas um sebo da Avenida São João tinha. Aí eu ficava lá vendo os mestres Moebius [n.E.: pseudônimo do cartunista Jean Girard], Vaughn Bode, e pensava “preciso fazer uma coisa minha”. Eu nunca pirei nessa coisa de nome. Acho que o trabalho tem que falar por si só. Aí eu fui buscando esse traço. Só que eu sou muito inquieto, então desenvolvo muitas outras coisas.

DCM: É por isso que você tem 72 pseudônimos?
Onesto: É. Eu acabei criando a crew de um homem só. Chama 72 Delinquentes Infantis Especialistas Sobre Estilo Livre. É uma sigla, 72 Diesel. Com isso eu fico livre pra fazer o que eu bem entender. Eu não preciso mostrar que sou eu quem faz. Eu gosto de fazer coisas que acho relevantes, que se encaixam na cidade.

DCM: Eles são seus alter-egos?
Onesto: Total.

DCM: E cada um tem uma característica? Você pensa no personagem, o que cada um é, como se parece?
Onesto: Com certeza. Quando eu saio pra pintar, eu visto uma identidade. Pra fazer grafite, você tem que ter habilidades, não é só desenhar bem. Tem que estudar o local. Muitas coisas podem acontecer quando você está na rua, desde o dono não gostar até chuva. E é legal desenvolver essas habilidades, porque ajuda em outras coisas.

DCM: Hum…
Onesto: É que eu não vejo o grafite como uma coisa legal. É bom explicar isso. Pra mim, o grafite de verdade é o ilegal, como forma de vandalismo, segundo muitas pessoas chamam. Claro que tem uma estética interessante, e isso leva para outras possibilidades. Mas grafite é vandalismo. Eu não gosto de grafite. Quando eu vejo na rua, penso “puts”. Não é uma coisa que pertence à cidade. Está sendo imposta à cidade.

DCM: Mas quando você faz, se coloca em que lugar? No de vândalo?
Onesto: (pensa) Muitas vezes, acredito que sim. Porque eu estou deteriorando um espaço. Às vezes o dono do lugar olha e gosta, mas também acontece de o cara não gostar.

DCM: Já aconteceu de alguém falar “tira isso daí”?
Onesto: Em 20 anos pintando na rua acontece muita coisa.

DCM: Conta uma história.
Onesto: Boa ou ruim?

DCM: Uma de cada. Conta antes a ruim, pra acabar com a boa.
Onesto: Uma vez eu estava pintando com uns amigos em Osasco, na linha do trem. Quando o trem veio, parou onde nós estávamos e uns policiais desceram. Eles disseram “já que vocês não correram, a gente vai ter que levá-los à delegacia”. Nós não nos importamos, pensamos “o que pode acontecer?” Mas chegando lá, eles passaram a nossa ocorrência para outros policiais, que acho que eram da Rota. Eles não viram o que a gente estava fazendo, só entenderam que a gente estava pichando. Eles acabaram até batendo num amigo meu, não queriam liberar, a gente passou a noite na delegacia.

DCM: E a boa?
Onesto: Eu estava pintando e um policial perguntou o que eu estava fazendo. Eu respondi. Ele perguntou se eu tinha autorização. Eu disse que sim (eu sempre digo que sim). Aí o cara falou “posso fazer o meu aí também?” (risos) O policial era pichador. Ele foi lá e fez. O cara fazendo com a farda foi bacana. E fazia direitinho.

DCM: Nunca mais encontrou o cara?
Onesto: Esse, não, mas encontrei outros tão loucos quanto.

DCM: Então você não vê essa arte como uma coisa que necessariamente embeleza a cidade.
Onesto: Nem um pouco.

DCM: Qual você acha que é a função dela?
Onesto: O grafite funciona mais como um grito, uma forma do cara fazer algo para não ficar tão acuado. Através do grafite ele consegue ter um momento de liberdade. “Eu gosto de fazer isto, faço bem e estou me expressando”. É que nem jogar bola com os amigos, ir a uma balada. Eu não vejo com esse caráter artístico. Tenho conhecidos que dizem “prefiro estar pichando do que roubando, matando”. Se você vir onde o cara mora, é um barraco, um quadradinho, muitas vezes não tem nem o que comer. Mas ele arruma uma tinta, muitas vezes rouba, e sai pela cidade e aquilo dá voz, dá uma acalmada nele. Esse é um ponto positivo que eu vejo.

DCM: Te acalma?
Onesto: Muito. Quando estou pintando, esqueço da vida. Pode cair o mundo atrás de mim quando estou de frente para a parede.

DCM: Quando você descobriu que tinha esse efeito?
Onesto: Não é só o grafite, desenhar me transporta para um outro mundo. Muitos artistas têm um universo paralelo. O grafite é um ato muito egoísta – você não faz pros outros, faz pra você.

DCM: Você se considera um cara egoísta?
Onesto: Quando faço grafite, sim. Não quero saber se vai agradar. Aquele é o meu momento e eu preciso fazer. Se alguém me falasse “você nunca mais vai fazer grafite”, cortasse meus braços, eu pegava um pincel com a boca.

DCM: Como você vê o grafite e a pichação do ponto de vista social e político?
Onesto: Acho que todas as manifestações artísticas, principalmente as urbanas, contribuem para que se retrate o momento, uma parte da vida. Então funciona muito bem nesse sentido.

DCM: Você usa a sua obra para fazer crítica política?
Onesto: Eu não penso nisso quando faço, mas hoje eu sei que consigo criar um diálogo muito forte com as pessoas, com o estado.

DCM: O que te inspira?
Onesto: As relações humanas. O que sinto, o que presencio, o que a cidade me passa.

DCM: Já que tocou no ponto da cidade, como você vê São Paulo?
O: São Paulo é um local que eu não troco por nenhum outro do mundo. Posso ficar fora um tempo, alguns meses, até alguns anos, mas São Paulo é minha fonte de inspiração. As coisas que acontecem aqui não vejo em lugar nenhum. Acho muito mais intensa a coisa aqui.

DCM: E outros lugares?
Onesto: Mês passado eu estive na favela do Acari no Rio de Janeiro. É um lugar muito particular. Todas as favelas são muito particulares. Lá é toda hora informação, coisa acontecendo, música alta, cachorro, criança, baile funk, pagode.

DCM: Você viajou pra pintar?
Onesto: Muitas vezes

DCM: Para onde?
Onesto: Quando eu comecei a pintar, surgiram muitos convites. Muita gente fala “você foi o primeiro a pintar aqui”. Lá no Rio mesmo me disseram “você foi o primeiro artista de São Paulo a pintar numa favela do rio”. Eu disse “que privilégio”. O grafite sempre me levou para situações incríveis.

DCM: E pra fora?
Onesto: Os primeiros lugares que eu fui foram Nova Iorque e São Francisco. Tive exposições lá. Foi um choque ver que os caras já conheciam o que eu fazia. Quando eu voltei, fiquei quase um ano sem desenhar, de tanta informação, tanta coisa que aconteceu. Me senti muito mal.

DCM: Mas você ficou positivamente ou negativamente impressionado?
Onesto: Os dois, eu acho. Nem entendi na época. Foi tanta informação…

DCM: Você tem posição política?
Onesto: Acho que é neutra. Sou a favor das pessoas.

DCM: Fala um hobby que você tem além do grafite.
Onesto: Eu gosto de andar de skate. Hoje ainda tenho um, mas é só pra pegar um ventinho na cara, porque as pernas não respondem mais. A vida é uma diversão. Acho que tudo é hobby na vida.

Emir Ruivo é músico e produtor. Com sua banda Aurélio & Seus Cometas, em que canta e toca guitarra, ele possui dois álbuns lançados pela gravadora Atração Fonográfica.

Tour de desenhos pelos Bares de POA _ Cerveja Coruja + Museu do Trabalho

Tour de desenhos pelos Bares de POA _ Cerveja Coruja + Museu do Trabalho

Artistas convidados:
Alex Hornest
Paulo Chimendes
Caé Braga
Pedro Palhares
Rafael Sica
Eduardo Haesbaert
Fabio Zimbres
Gelson Radaelli

Fotos: Divulgação
Ilustrações: Alex Hornest
Propaganda: Allan Sieber
Produção: Museu do Trabalho

A Coruja é uma cerveja diferenciada do frasco ao sabor.
Ganhou vida em 2004 e, desde então, alçou voos bem altos de sua Toca, no Rio Grande do Sul, para Santa Catarina, Paraná, São Paulo e Rio de Janeiro.
O nome foi escolhido por indicar um animal de hábitos noturnos e associado à sabedoria. Por isso, “beba com sabedoria”.

Desde 2010, a produção ocorre na cidade de Forquilhinha (SC), com 18 a 20 mil litros mensais.
Atualmente, nos cinco estados em que atua, a Coruja chega a aproximadamente 350 pontos de venda.

A linhagem começou com as Vivas, as Corujas não-pasteurizadas. A Viva (Lager, 4,5% vol) e a Extra-Viva (Lager, 6,5% vol) ainda são engarrafadas em antigos frascos de remédio, que dão à cerveja um aspecto único.

Somam-se a elas:
_ Otus (Lager, 4,5% vol)
_ Strix (Lager extra, 6,5% vol)
_ Alba (Weizenbier, 5,5% vol)
_ Alba (Weizenbock, 6,8% vol), todas batizadas com nomes de espécies de corujas.

As últimas criações da Coruja são coletivas, em parceria com o movimento artístico:
_ A Baca (Lager com pitanga, elaborada com Francisco Marshall, do StudioClio)
_ Labareda (Lager com pimenta, em conjunto com o músico Wander Wildner)
_ Coice (Tribock com canela e 11% de álcool, em parceria com o artista plástico Caé Braga)


Micael Eckert – 51 81242072
Rafael Rodrigues – 51 81242062

Prestatenção _ Gravuras em Serigrafia

Anderson Hope _ Serigrafia _ 50x35cm _ 01/100 _ 2013

Com o intuito de chamar a atenção à produção artística nacional e incentivar a formação de novos colecionadores, o J.B. Goldenberg - Escritório de Arte lançou o álbum de gravuras "Prestatenção", no dia 18 de abril, na Fibra Galeria, em São Paulo.
A data também marcou a abertura de uma exposição, no mesmo espaço, das obras que originaram as gravuras.
Foram editados cem exemplares do album Prestatenção onde as gravuras foram reunidas em uma caixa de acrílico que serve também de moldura e são acompanhadas por um texto do crítico Oscar D’Ambrósio.
Os trabalhos são da autoria de dez artistas cujas práticas vão desde o surrealismo pop até o graffiti.
São eles: _ Adriano Lemos, Alex Hornest, Anderson Hope, Bruno Dias, Edu Cardoso, Murilo Gusmão, Nestor Jr., Rodrigo Level, Rodrigo Rocha e Thais Velozzo.

Alex Hornest _ Serigrafia _ 50x35cm _ 01/100 _ 2013

The Little Prince and the Eight-Headed Dragon _ Animation

Title: Little Prince and the Eight Headed Dragon (O Pequeno Príncipe e o Dragão de Oito Cabeças)
Original Title: Wanpaku ôji no orochi taiji

Duration: 86 min  
Genre: Animation, Family, Adventure
Year: 1963
Director: Yugo Serikawa
Writers: Ichirô Ikeda, Takashi Iijima
Original screenplay: Ichiro Ikeda, Takashi Ijima
Animation director: Yasuji Mori
Music: Akira Ifukube
Art director: Reiji Koyama
Animators: Kideo Furusawa, Masao Kumagawa, Yasuo Otsuka, Daikichiro Kusube, Makoto Nasagawa, Reiko Okuyama, Masamu Kita, Chikao Katsui, Sadao Tsukioka, Yoichi Kotabe, Tomekichi Takeuchi, Norio Kikone
Color designer: Saburo Yokoi
Background: Tomo Fukumoto
Stars: Morio Kazama, Yukiko Okada and Chiharu Kuri
Associate producers: Shin Yoshida, Isamu Takahashi, Takashi Ijima
Supervisors: Sanae Yamamoto, Koji Fukiya
Director: Yugo Serikawa
Executive producer: Hiroshi Okawa
_ Morio Kazama (aka Tomohito Sumita) as Susano'o
_ Yukiko Okada as Kushinada-Hime
_ Chiharu Kuri as Akahana
_ Masato Yamanōchi as Wadatsumi and father Kushinada-Hime

Produced: Toei Animation Studio - Tokyo

Prince Susano's mother dies; when his father tells him she has gone to another place, he sets off in search of her. He builds a boat and goes to see, first, his brother, in his crystal palace in the land of night (where he causes much damage to the palace, but his brother still gives him a magic ice crystal). Next, he fights the fire god, who gives him a magic bird after Susano defeats him, with help from the magic crystal and his little rabbit sidekick. Susano also picks up another traveling companion, a large but dim villager. Next, he goes to his sister, in the land of light. As with his brother, though, he causes much unintentional damage; his sister, who also happens to be the sun, goes off to hide in a cave. The frantic villagers stage a party (in the original legend, an orgy) outside the cave and trick her into coming outside again. Finally, Susano finds a little princess whose land is being threatened by an 8-headed dragon. With the help of a flying horse (who we later learn was sent by his sister) and his sidekicks, they get the dragon a bit drunk and take out one head at a time (mostly, though two of the last three take each other out).

Written by Jon Reeves


Wanpaku Oji não Taiji Orochi (わん ぱく 王子 の 大蛇 退治?, Literalmente "matar o príncipe impertinente Orochi") é um desenho tradicional japones de fantasia e de aventura, sendo a sexta produção da Toei Animation (então Toei Doga).
Lançado no Japão em Março 24, de 1963, várias versões foram liberadas sob vários títulos, incluindo O Pequeno Príncipe e o dragão de oito cabeças, Prince no País das Maravilhas e da Ponte Arco-Íris.

Literalmente, O impertinente Príncipe massacra Orochi. Este filme anime conta a história do deus Susano'o (como um menino bonito), cuja mãe Izanami morreu. Ele está profundamente magoado com a perda de sua mãe, mas seu pai Izanagi diz a ele que sua mãe agora está no céu. Apesar das advertências de Izanagi, Susano'o eventualmente sai para encontrá-la. Junto com seus companheiros, Akahana (um coelho muito falante) e Titan BO (um gigante forte, mas amigável da Terra do Fogo), que com eles Susano'o supera todos os obstáculos em sua longa viagem.

Baseado no mito de Xintoísmo de batalha o deus da tempestade Susano'o com o Yamata no Orochi, a cor ", TōeiScope" filme formato anamórfico é roteirizado por Ichiro Ikeda e Iijima e dirigido por Takashi Yugo Serikawa. É considerado um dos melhores. Muito das características da produtora Toei Doga foi aplicado nesse filme que se tornou um marco do anime e entre os filmes de animação em geral, considerado o 10º na lista dos melhores 150 filmes animados e séries de todos os tempos compilada por Animação de Tóquio Laputa Festival em uma pesquisa internacional da equipe de animação e críticos em 2003. Possuindo distintamente um visual modernista, formalizou o papel do diretor de animação Yasuji Mori, no sistema japonês e chamou a atenção para os talentos de animadores Yasuo Ōtsuka e Yoichi Kotabe (como chaves na realização do filme) e diretores assistentes Isao Takahata, Kimio Yabuki e Akira Ifukube também aclamados.

Este filme se desviava o olhar suave e arredondado de recursos anteriores Toei animado para um mais estilizado. É também um dos poucos filmes de animação a ter a música pelo famoso compositor Akira Ifukube, sendo o outro a título póstumo lançado Tetsujin característica Nijūhachi-go Hakuchū não Zangetsu. Ifukube foi dado mais tempo para escrever a sua pontuação para este filme do que a maioria dos outros filmes que ele tinha composto para. [carece de fontes?] A suíte sinfônica de cinco movimentos baseados em sugestões do escore foi pela criado por Ifukube em 2003, a primeira gravação de que foi realizado pela Orquestra Filarmónica do Japão Orchestra conduzido por Tetsuji Honna e lançado em Compact Disc pela King Records no mesmo ano. Algumas das músicas do filme também foi reimplantado no 1 º e 32 episódios, primeira transmissão em 1972 e 1973, respectivamente, da Toei Animation televisão série Mazinger Z.
Canção do filme tema, "Haha não Nai Ko não Komoriuta" (母 の ない 子 の 子守 歌?, "Lullaby for uma criança sem mãe"), também é composta por Ifukube, com letra de Takashi Morishima, e é cantada por Setsuko Watabe . O original, gravação de trilha sonora mono tem pelo menos duas vezes foi lançado em Compact Disc, agora fora de catálogo: primeiro em um dois-disco conjunto divulgado pelo Futureland em 1992, que emparelhado com um disco de leva alternativo e música Ifukube para Expo Mitsubishi '70 exposição, e, mais recentemente em melhor qualidade, mas sem o suplente toma como um de uma coleção de 10 discos de trilhas sonoras Toei Animation lançado pela Nippon Columbia em 1996.

O filme foi distribuído nos Estados Unidos, como O Pequeno Príncipe eo dragão de oito cabeças, como uma característica matinée pela Columbia Pictures, abrindo 01 de janeiro de 1964. A sua origem japonesa foi subestimada, como era prática comum na época, com William Ross, o diretor da dublagem Inglês, creditado como diretor e Fujifilm e cor Toei e processos widescreen rebatizada como "MagiColor" e "WonderScope", respectivamente.

Apesar de ainda altamente considerado nos círculos de animação, o filme agora é pouco conhecido fora deles e em abril de 2011, a edição de vídeo mais recente é uma casa, agora fora de catálogo japonês de vídeo em DVD lançado em 2002 e reeditado em quantidade limitada em 2008 .

Elogios recebidos por Wanpaku na época de seu lançamento, sendo inclusive homenageado com um Osella de Bronze no Festival de Veneza e a Ōfuji Award Noburo no Mainichi Film Awards 1963 e fazê-la em recomendações oficiais do Ministério japonês da Educação e do Ministério da Saúde Central de Infância do Conselho. Mais recentemente, Genndy Tartakovsky está entre aqueles que experimentaram o filme e identifica-lo como uma influência primária na direção e design do seu Samurai Jack.


Desde pequeno nunca fui muito fã de Walt Disney.
Respeito e admiro muito do que ele fez pela Animação mas o meu interesse nessa arte sempre foram por outras técnicas e outros meios de se trabalhar com isso.
Ter assistido na TV aberta "O Pequeno Príncipe e o Dragão de Oito Cabeças" em meados dos anos 80, em uma época em que a informação era algo restrito a poucos me fez desejar um dia poder trabalhar nessa área.
Hoje é quase impossível para mim descrever o quanto é boa a sensação de poder estar realizando mais esse sonho!


Violeta Parra _ Composer, Songwriter, Folklorist, Ethnomusicologist and Visual artist

Violeta del Carmen Parra Sandoval (4 October 1917 – 5 February 1967) was a Chilean composer, songwriter, folklorist, ethnomusicologist and visual artist. She set the basis for "Chilean' New Song", the Nueva canción chilena, a renewal and a reinvention of Chilean folk music which would absorb and extend its influence far beyond Chile.

Parra was born in San Carlos, Ñuble Province, a small town in southern Chile on 4 October 1917. She was involved in the progressive movement and the Communist Party of Chile. She revived the Peña (now known as La Peña de Los Parra), a community center for the arts and for political activism. Some think she established the first 'peña' but according to the records of the Royal Academy of Spanish Language, places such as these had been called that since 1936 (RAE).
Violeta Parra was a member of the prolific Parra family. Among her brothers were the notable modern poet, better known as the "anti-poet", Nicanor Parra and fellow folklorist Roberto Parra. Her son, Ángel Parra, and her daughter, Isabel Parra, are also important figures in the development of the Nueva Canción Chilena. Their children have also mostly maintained the family's artistic traditions.
In 1967 Violeta Parra committed suicide by a gunshot to her head. She had previously been romantically involved with Swiss flautist Gilbert Favre.

Her most renowned song, Gracias a la Vida (Thanks to Life), was popularized throughout Latin America by Mercedes Sosa and later in the US by Joan Baez. It remains one of the most covered Latin American songs in history. Other notable covers of this tragic, but widely beloved, folk anthem include the Italian guitar-vocal solo of Adriana Mezzadr and La Oreja de Van Gogh at the 2005 Viña del Mar International Song Festival.
It has been treated by classically trained musicians such as in the fully orchestrated rendition by conservatory-trained Alberto Cortez.
The song has been re-recorded by several Latin artists and Canadian Michael Bublé to gather funds for the Chilean people affected by the earthquake in Chile, February 2010.
It opens with a very common shift between A minor and E major chords, then it goes to G7-C/C7 before returning to the Am/E motif.
"Gracias a la vida" was written and recorded following Parra's separation with her long-time partner and shortly before she took her own life. Parra's lyricism is ambiguous; at face value, Parra's lyricism may be read as a romantic celebration of life and individual experience, however the circumstances surrounding the song suggest that Parra also intended the song as a sort of suicide note, thanking life for all it has given her. It may even be read as ironic, pointing out that a life full of good health, opportunity and worldly experience may not offer any consolation to grief and the contradictory nature of the human condition.
The song opens with a simple strumming at a leisurely tempo and exploits the poetic beauty of the Spanish language with consummate skill.

Gracias a la vida que me ha dado tanto
Me dio dos luceros que cuando los abro
Perfecto distingo lo negro del blanco
Y en el alto cielo su fondo estrellado
Y en las multitudes el hombre que yo amo
Translated into English the lyrical sentiment and ambiguity is best conveyed by personifying life;
Thank you life, you have given me so much
You gave me two eyes which when I open them
I can distinguish perfectly between black and white
And the starry depths of the sky above
And amongst the masses the man that I love
And the closing refrain "Gracias a la vida",
Thank you life
Thank you life
Thank you life

Another highly regarded original, "Volver a los Diecisiete" ("To Be Seventeen Again") similarly celebrates the themes of youthful life, in tragic contrast to her biography. Unlike much popular music, it moves through minor key progression creating an introspective if not melancholy mood and thus has lent itself to classical treatment as well as popular music. Despite its originality, Parra's music was deeply rooted in folk song traditions, as is the case with Nueva Canción in general.

Agora sim começou 2013!!

E tem "neguinho" que se vangloria de fazer throw-ups apenas com uma linha... Afi!! Preciso estudar muito mais!!

Bem vindo 2013!!
Agora sim começou o meu ano.
Um pouco atrasado mas felizmente começou.
Obrigado Hong Kong!

Esse definitivamente é o ano da "serpente"!

Obras de artistas de graffiti brasileiros são leiloadas em Paris

Que eles não ouçam minhas preces _ ACRYLIC and DUCO on CANVAS _ 130x175cm _ 2009

Obras de grafiteiros brasileiros são leiloadas em Paris.

Alguns dos traços mais característicos dos graffitis presentes nas ruas e galerias de São Paulo estiveram expostos até dia 18/02/2013 em Paris.
Oito artistas brasileiros são convidados especiais da mostra "Graffiti: Tableaux de Maîtres", ou "Graffiti: Pinturas de Mestres", que foi inaugurada dia 15/02/2013 na capital francesa.
As obras de Alex Hornest, Fefe Talavera, Flip, Herbert Baglione, Nunca, Ramon Martins, Tinho e Speto estão expostas no Palais de Tokyo sob o título de "A nova onda brasileira".
As telas estão ao lado de trabalhos de outros 60 artistas dos Estados Unidos e da França. Segundo a organização do evento, a mostra gratuita espera receber cerca 3.000 pessoas por dia.
No dia 18/02/2013, as pinturas serão leiloadas e terão parte da renda revertida para a ONG SOS Racisme, que atua há 28 anos contra a discriminação racial na Europa.
Os trabalhos têm lances mínimos a partir de 1.500 euros. Uma parte do Muro de Berlim, pintada pelo grafiteiro Nunca em 2011 e que pesa 12 toneladas, será oferecida com lance mínimo de 250 mil euros.

Fonte: A Folha de São Paulo

Selita Ebanks _ Model

Selita Ebanks (born 15 February 1983) is a Cayman-born fashion model. Ebanks has worked for high fashion brands Neiman Marcus and Ralph Lauren, and appeared in magazines such as the Sports Illustrated Swimsuit Issue, Vogue, and Glamour, but she is best known for her work with Victoria's Secret, as one of the brand's "Angels" from 2005 to early 2009.

Ebanks made her debut in February 2001 at the fall show for Tuleh. After working for the likes of Catherine Malandrino, James Coviello, Abercrombie & Fitch, and DKNY, she signed a contract with Victoria's Secret in 2005.
Ebanks first modeled for Victoria's Secret for their Ipex Bra line, before being signed as an Angel. She and Izabel Goulart made their major débuts in the 2005 Victoria's Secret Fashion Show, working as an Angel until 2008. In 2005, Tyra Banks said she was proud of Ebanks to be representing black women at Victoria's Secret.
In 2007, Ebanks was selected to wear the "Very Sexy" Holiday Fantasy Bra Set with a price tag of $4,500,000 dollars that contains diamonds, emeralds, rubies and yellow sapphires—which she wore in the Victoria's Secret "Christmas Dreams and Fantasies 2007" catalogue. She also wore the fantasy bra set during the Victoria's Secret fashion show on December 4, 2007.
Ebanks made a special guest appearance on How I Met Your Mother (episode: "The Yips") on 26 November 2007 with her fellow Victoria's Secret supermodels (Miranda Kerr, Heidi Klum, Adriana Lima, Marisa Miller, and Alessandra Ambrosio).
According to Forbes, Ebanks ranked the twelfth highest paid supermodel for 2008, earning $2.7 million.
She appeared in Sports Illustrated's 2007 Swimsuit Issue.

Beyond modeling

Fellow Victoria's Secret Angels Adriana Lima (left), Marisa Miller and Ebanks ride in the Guantanamo Bay Christmas Parade, December 2007.
Ebanks appeared on the third season of Celebrity Apprentice, but was fired in week 5 on April 11, 2010, placing 9th. Previously, she recorded music and appeared on the UPN-series South Beach.
She is featured in The-Dream's music video for the single "Make Up Bag", as well as Kanye West's 2010 short film Runaway, playing a fallen phoenix with whom West's character falls in love.
Ebanks also appeared in a commercial for State Farm Insurance alongside actor/model Mehcad Brooks.
Ebanks also has her own line of swimwear,accessories and shoes called Sass which stands for Selita's Accessories Shoes and Swimwear. The line was seen on the BET Rip The Runway 2012 which she hosted alongside Pooch Hall.

Font: Selita Ebanks


Lucrecia Dalt

With her sophomore album, Commotus, Barcelona pop luminary Lucrecia Dalt crafts a surrealist landscape borne by the inexorable scope and sand-swept surfaces of geologic time.
She leaps into a surrealist landscape with stunning abandon, eschewing the comparatively safe tropes and song structures of her previous work. And she charts a surprisingly inventive and rewarding territory in the process. Much as it is with her newfound contemporaries at HEM Berlin, for Dalt, solitude and assemblage (of sound, genre, musicology, technique) is an exploratory zone steered toward the inner universe. To follow the music, one must be prepared to make this trip as real as sound itself.
Themes of agitation and disturbance, cumulative, impending and scalable, propel Commotus, and create a framework for understanding its emotional spectra. The music lives in the contradiction between having time to reflect on the inevitable, and the irrevocability of its outcome.
Dalt, who is a civil engineer with a specialty in geotechnics, knows that motion on a geologic time scale can be the most poignant analogy to the interminable struggle between self-awareness and sea change.


Copa Popular Contra as Remoções _ 2013

Copa Popular Contra as Remoções _ 2013

15 de Junho _ Sábado 9h
Quilombo da Gamboa _ Rua da Gamboa, 345

Torneio de futebol (Masculino e feminino) de 9h as 16h.

Graffiti _
Nas paredes do Quilombo da Gamboa com Alex Hornest (Onesto)_SP, Thais Ueda (Hanabi)_SP, Bastardila (Colômbia).

_ Exibição de videos e fotos
_ Roda de funk com a Apafunk
_ Lançamento do Saci como mascote da Copa Popular
_ Ação de campanha contra as remoções forçadas
_ Presença de moradores diretamente atingidos pelas grandes obras
_ Festa junina a partir das 17h

A Copa popular Contra as Remoções é um evento esportivo e cultural em defesa do direito a morada adequada. O Quilombo da Gamboa é um espaço de resistência das ocupações urbanas na zona portuária.

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