1.4.13

zines ANIMALES (APC) _ Bogotá _ Colombia


Onesto no stand da ITEM72_ForCollectors _ Feira Plana/2013.


Animalez APC


aniMalk zine
Fanzine/Serigrafia/Graffiti/Ilustracion
vinagreta.net


A*P*C* #1
Los animales en cautiverio desarrollan un transtorno mental llamado ZOOCOSIS, que se caracteriza por comportamientos repetitivos y sin sentido; morder los barrotes de la jaula, balancearse de un lado a otro, moverse en círculos, automutilarse, elabrorar publicaciones independientes (como este fanzine), entre otros.


animal zine #0
apc - ANIMAL PODER CUMBIAS

www.animalez.org

21.3.13

R.U.A + CI.TI.ADOS # 2012




Encontro de graffiti na Pompéia _ São Paulo _ SP _ Brasil _ 2012
Produção: R.U.A + CI.TI.ADOS

Artistas:
Rafael Highraff, Derlon Almeida, Ramon Martins, Rimon Guimarães, Ninthe Kiemeneij, Cláudio Ethos,
Fefe Talavera, Ciro Schunemann, Onesto, Zezão, AndHOPE, Herbert Baglione e outros que colaram.

Participação especial: Fuzi Ueda Hornest

Video:
Gustavo Amaral





Valeu!! Foi loko!!




Claudio Ethos _ "Nostalgia" at 19 KAREN Contemporary Artspace


Nostalgia - 2013 _ spray paint and acrylic on cotton canvas _ 163x163cm

Claudio Ethos (Brazil)
Solo exhibition: Nostalgia
30 March – 27 April 2013
Opening night: Saturday 30 March 2013 | 6 – 8pm
Please join us and the artist, Claudio Ethos, to celebrate the opening of his solo
show on Saturday 30 March 2013 | 6 – 8pm. Drinks + Nibbles provided. RSVP by email
or phone by 23 March. Guest Speaker: Sandra Guy, Head Teacher Creative Industries,
North Coast TAFE. Live music by Joe Jeremiah. Claudio will be painting a Wall Mural at
the Sofitel Hotel Broadbeach as of the 11th of March.
Please check our Facebook page for more information.

Bio
Claudio Ethos lives and works in his birthplace of São Paulo, Brazil. He began putting in
work around the age of 15 with spray paint as well as ballpoint pen, which to this day
serve as his primary tools. Highly influenced by many of the usual suspects from the Brazilian
scene, Os Gemeos, Vitche, Onesto, and Herbert Baglione, Ethos’ style has taken its own
highly unique state and individual genesis. Many in São Paolo today still prefer the stencil
technique, or are part of large pixação crews with their own signatures, but Ethos has
absolutely carved out his own niche amongst the muralists. His large-scale outdoor murals
are less impulsive in origin than many of his contemporaries’ work, but no less stunning. His
flawless conversions of his ballpoint pen drawings, usually from 8.5” x 11” or smaller make
absolutely remarkable transitions from paper to concrete, almost as if an image has been
transferred by transparency and projector. While using a thread technique, amongst others,
the amount of detail with his outdoor portraiture has captured the attention of countless
art enthusiasts, his peers, and gallerists around the world. His penchant for replicating to
scale the fine details of his ink and pencil drawings onto large walls has become his lasting
signature. Ethos’ characters have undeniably become some of the most recognized all
throughout Brazil with his ephemeral work at times straddling the line of the figurative and
abstract. His elongated, flexible, and strained figures have an almost liquid quality to them;
one foot firmly in the school of the surrealists.

Artist’s Statement
Nostalgia is an exhibition about an abundant and melancholic atmosphere associated
with women in the early 20th century. In this new series of portraits Claudio Ethos submerges
himself in this by-gone era, exploring the notion of nostalgia. With a contemporary vision of
urban art, Ethos transports us to a universe of female sensibility; a place full of dreams, desires,
sensuality and some moments of madness. Throughout Claudio’s career he has followed
a trajectory of monochromatic paintings with touches of surrealism and melancholia.
The results are a study on the feminine world, whilst staying true to his urban and edgy
style. This show comes from years of experience of painting wall murals and research into
vintage photographs, resulting in a series of canvases created with delicate and meticulous
techniques, using spray paint and mixed media.
Nostalgia. A Solo Exhibition by Claudio Ethos. 30 March – 27 April 2013

19 KAREN Contemporary Artspace
19 Karen Avenue
Mermaid Beach, Q 4218 _ Australia
OPEN Tues - Sat 10am-5pm
w > www.19KAREN.com.au
e > info@19KAREN.com.au
p > 07 55545 019

More about the artist: Ethos

Mausolée _ sowat dmv, DEM189, LEK



Photos: sowat and Thias

On August 12, 2010, Lek and Sowat found an abandoned supermarket in the north of Paris. For a year, in the greatest of secrets, both artists continuously wandered in this 430,000 sq ft monument to paint murals and organize an illegal artistic residency, inviting forty French graffiti artists to collaborate, from the first to the last generation of the graffiti movement. Together they built a Mausoleum, a temple dedicated to their disappearing underground culture, slowly being replaced by street art and its global pop aesthetics.

..............................


LEK, SOWAT, DEM189
DANS LES ENTRAILLES DU PALAIS SECRET

Lek et Sowat se sont emparés des entrailles du Palais de Tokyo : les espaces secondaires qui n’ont pas vocation à accueillir des expositions et sont habituellement fermés au public. Ces lieux n’existent que pour assurer le bon fonctionnement du centre d’art et répondre aux normes de sécurité. Leur architecture minimaliste marquée par le temps rappelle les lieux précaires et périphériques empruntés par les graffeurs: les friches industrielles, les dépôts de trains.

Reproduisant le processus déployé lors du projet «Mausolée» (une résidence artistique clandestine d’un an dans 40.000 m2 de ruines d’un supermarché), Lek, Sowat et Dem189 ont invité des artistes issus du graffiti à intervenir dans un vaste escalier en plongée. Une sortie de secours, comme une ligne de fuite: la ligne de fuite architecturale, la fuite d’un graffeur.

Ce projet réunit des artistes de générations et de démarches différentes: ceux qui développent leur pratique dans les terrains vierges, jusqu’aux plus radicaux qui n’interviennent que sur les trains et les métros. Chaque artiste apporte ainsi son tracé, sa gestuelle, son histoire, sa posture, dans un travail collectif où les ego et les styles se recouvrent, s’entrechoquent et cohabitent dans une sombre composition vaporeuse et furtive, à la bombe, au pinceau, au crayon, à la craie, et autres matériaux récupérés dans les stocks de l’institution.

Lek fait partie de la première génération de graffeurs parisiens qui a fait ses armes sur le terrain mythique entre La Chapelle et Stalingrad, où la street culture française a émergé. Sowat est un graffeur franco-américain qui a évolué dans les milieux de Marseille et de Los Angeles, inspiré par l’une des figures majeures du graffiti californien, Chaz Bojorquez, qui a développé le « Cholo writing », une calligraphie née dans les années 1940 et destinée à marquer les territoires des gangs latinos.

Lek et Sowat mènent en commun une pratique de l’Urbex, l’investissement de lieux en friche, chargés d’histoire - non sans rappeler le Palais de Tokyo. Dans leurs fresques à grande échelle, les motifs typographiques traditionnellement utilisés dans les graffitis, sont menés vers une forme d’abstraction architecturée.

Avec : ALËXONE, AZYLE, BABS, BOM.K, COKNEY, DEM189, DRAN, HONDA, HORFÉ, KATRE, LEK, OUTSIDER, RIZOTE, SAMBRE, SETH, SOWAT, SWIZ, VELVET, WXYZ, ZOER

Et aussi : ALZO, BADHYPNOZ, BRUSK, BORE, BORIS, CYRIAK, DEMON, DRAS, EMOY, GOMER, GRIS1, HOBZ, INÉ, JAW, KAN, KÉBOY, KENO, KENCE, LEGZ, MEKO, MR. QUI, NEXT, NIBOR, OGRE, ONDE, PEAMS, RUSTY, SAEYO, SINDÉ, SIRIUS, SMOE, SODA, TCHEKO, TEURK,WO, XABY

Conseil artistique: Hugo Vitrani

Book:
Mausolée, Résidence artistique sauvage
Sowat & Lek
Editions Alternatives
256 pages,  24 x 34 cm, 39 €
ISBN : 978-286227- 717-2
Sortie 13 Avril 2012 / Release 13 April 2012

More in:
www.mausolee.net
www.palaisdetokyo.com


Odeio "timelapse" mas admiro quem sabe fazer coisas boas com esse tipo de mídia.
Sowat arregaça com sua caligrafia (ou abstracionismo) e agora manda esse incrível projeto.


12.3.13

GIL70 em Brasília


Caricaturas de Gilberto Gil realizadas em 2003 pelo pintor/escultor Alex Hornest. Estes trabalhos não fazem parte da mostra.

Sobre a exposição:
GIL70 _ 2012 é o ano em que Gilberto Gil completou 70 anos de vida e 50 de carreira. E, para homenageá-lo, o Itaú Cultural organizou a exposição GIL70.
A exposição, concebida e organizada pelo poeta e designer gráfico André Vallias e com a colaboração do pesquisador e ensaísta Frederico Coelho na curadoria, apresentando obras dos artistas Alex Hornest, Carlos Adriano, José Roberto Aguilar, Ricardo Aleixo, Arnaldo Antunes, Lenora de Barros, Vivian Caccuri, Adriana Calcanhotto, Augusto de Campos, Ivan Cardoso,Antonio Dias, Eduardo Denne, Bené Fonteles, Lula Buarque de Hollanda, Jarbas Jácome, Gabriel Kerhart, Raul Mourão, Carlos Nader, Antonio Peticov, Gualter Pupo, Omar Salomão, Daniel Scandurra, Ariane Stolfi, André Vallias, Caetano Veloso, Andrucha Waddington e Luiz Zerbini.

São ao todo 23 trabalhos apresentados em diferentes linguagens e suportes, como pintura, vídeo, fotografia, escultura e instalação, todos inspirados nas canções de Gil ou dedicados a ele. Vallias e Coelho comentam que GIL70 “convocou um conjunto eclético de artistas que entrelaçam gerações, linguagens, suportes e áreas de atuação da mesma forma que a obra de Gil entrelaça temas, ideias e sensibilidades”.

Além das obras, a exposição conta com uma grande linha do tempo, ilustrada com imagens, áudios e vídeos, que revelam um pouco da vida pessoal de Gil, e faz um contraponto com sua trajetória profissional acompanhada pelos acontecimentos importantes de cada momento histórico que refletem fortemente na obra do cantor baiano.

A exposição teve sua primeira montagem no Centro Cultural Correios, no Rio de Janeiro, e agora poderá ser visitada pelo público de Brasília. A mostra também conta com um site (www.gil70.com.br) que reúne materiais extras sobre Gilberto Gil, manifestos, artigos e depoimentos que revelam um pouco mais sobre a vida e obra do ex-ministro da Cultura.

Abertura: 12 de Março de 2013, as 19h
Local: Museu nacional do Conjunto Cultural da República _ Setor Cultural Sul, Lote 02 - Esplanada dos Ministérios - Brasília - DF
Informações: www.gil70.com
Visitação: De 13 de Março de 2013 a 28 de Abril de 2013 _ Terça a domingo, das 9h às 18h30m
Entrada franca _ Livre para todos os públicos

Barry McGee's Brooklyn Mural




Directed By Jason Schmidt
DP Drew Reilly
Edited By Drew Reilly and Jason Schmidt
Executive Production by Vanity Fair Magazine

Incontestável como pessoa e artista.
Sempre pura inspiração.


Flip the Script _ Christian P. Acker




Distinctive hand style lettering is an essential skill for artists and designers. Deftly executed hand crafted letter forms are a nearly forgotten art in an age of endless free fonts. Graffiti is one of the last reservoirs of highly refined, well practiced penmanship.

The most reviled and persecuted form of Graffiti, the Tag, is seldom appreciated for the raw beauty of its skeletal letter forms. Most tags are removed immediately, and thus the casual viewer seldom has a chance to discern the difference between entry level and advanced hand styles.
Within the pages of Flip the Script, author Christian Acker has systematically analyzed the best graffiti hand styles, contextualizing the work of graffiti writers from around the United States. Acker presents the various lettering samples in a clean organized format, giving the material a proper, formal treatment evoking classic typography books.


Flip The Script _ The Evolution of Graffiti hand Styles
224 pages, Hardcover, 7'' x 9'' (178 x 229 mm)
100s of 2 - color illustrations, English
ISBN: 978-1-58423-460-9 $ 29.95

About the Author:
Christian Acker received a BFA with honors in Communication Design from Parsons School of Design in New York City in May of 2002.
He founded Adnauseum, Inc in 2002, and Handselecta Type Foundry in 2003. Adnauseum is an NYC-based experimental design studio, whose work runs the gamut of Photographic to Typographic. He occasionally guest lectures typography and design classes at his Alma Mater, Parsons School of Design.

He is a member of both the AIGA and the Type Directors Club.


Website: www.handselecta.com


GRIFTERS CODE: Episode 1 - Peach ALTGR PAL _ Paris - FR


Font:
Gingko Press
The Grifters


Praqueles que gostam MUITO de tudo isso!!!
O "videozinho" acima é só pra ilustrar onde "toda essa maravilha" pode ser aplicada.

Essas coisas alegram o dia!!


Puro vandalismo!!!!


Ni**as in Paris: VideoJacking (OFFICIAL)

The official video from a crew of masked graf heads release their take on the popular WATCH THE THRONE song, "Ni**as in Paris".
Font: The STARK LIFE

Me perguntam porque fazem isso. Acredito que seja só por pura diversão.
Sim, "alterar" o patrimônio público e privado para uns é muito divertido. São fases da vida...

Todos os dia muitas coisas acontecem. Boas e ruins.
Para alguns não ficarem loucos as vezes precisam extravasar de alguma forma. Formas que parece afirmar que já estão loucos.
Uns matam, outros roubam, outros batem nos indefesos... Tem louco pra tudo.

Essas formas me parecem de uma estúpides sem tamanho mas também não sou santo. Quem é?
Sou incapaz de de fazer mau a uma mosca mas confesso que simpatizo é muito com aqueles que "alteram propriedades alheias apenas pelo prazer".
Ainda mais quando se utilizam da arte como forma de vandalismo.

A trilha desse vídeo me intrigou.
Odeio Kanye West e Jay Z já foi bom, hoje é só business.
O clip original desta música é um lixo e a letra pior ainda mas não posso negar que ela deu um "climinha loko" pra essa ação.

Até a "dancinha" abaixo ficou mais loka que o clip original. As cordas parecem um pixo!



Kanye West, Jay Z — Ni**as In Paris ( Choreo by Alexander Tsarev and Alina Barilova )

Vamo pô todo mundo pra dançar!!
De um jeito ou de outro todo mundo dança em uma cidade do tamanho de São Paulo.


21.2.13

Thais Ueda _ new portfolio online

illustrations_ilustrações: Thais Ueda.


art projects_projetos de arte: Thais Ueda




A "Garota Boazinha" estás de volta!!

15.2.13

últimos dias da exposição "LISTA" na Galeria LOGO.


O fogo,as chamas e tudo o que pode nascer das cinzas, 2012 _ duco e acrílica sobre tela _ 202x290cm _ Alex Hornest

Fotos de Denise Andrade e Leda Abuhab realizadas durante a abertura da exposição ZOO de Alex Hornest em 2012.
Nas fotos por ordem de aparição _ Renata Felinto, Alexandre Orion, Rafael Sliks, Tata Marchetti, Vinícius CAPS, NAIPE pixar, Liliana Secaf, entre outros.

LISTA
de 22 jan 2013 a 23 fev 2013

Lista é a exposição coletiva anual da LOGO, agora em sua segunda edição.
O momento em que a galeria apresenta todos os artistas que representa utilizando a totalidade de seu espaço expositivo, mostrando obras inéditas e seleções de seu acervo.
É uma oportunidade para ver ao vivo a diversidade da arte difundida pela galeria, assim como perceber as conexões entre os artistas.
São eles: Lin Yi-Hsuan, Luciana Araujo, Rimon Guimarães, Adriano Cinelli (Onio), Fabio Zimbres, Gustavo Eandi, América Sanchez, Flavio Samelo, DOMA, Bruno 9li, Alex Hornest, Talita Hoffmann, Andrés Bruck, Walter Nomura (Tinho), Lauro Roberto, Weaver Lima, Sesper, Nicolás Sobrero, Fabiano Rodrigues, Fefê Talavera, Alberto Monteiro, Carlos Issa, Paul Loubet, Jayelle Hudson, Felipe Yung (Flip), Emerson Pingarilho, Tomas Spicolli e Patricia Furlong. No acervo da galeria serão apresentados trabalhos dos seguintes artistas convidados: Rogério Canella, João Livra e Rafael Sica.

informações:
Please contact gallery for availability.
Galeria LOGO
rua artur de azevedo, 401
sp / brasil cep 05404-010

tel/fax:
+5511 30622381

email:
info@galerialogo.com


13.2.13

ÚLTIMOS DIAS: GIL70 _ Itaú Cultural


Fotos: Andre SEITI e Marcos Hermes
Painel realizado nos dias 5, 6 e 7 de dezembro de 2012, a partir de uma oficina ministrada no Projeto Quixote por Alex Hornest.


Painel "Raça Humana", de Alex Hornest e Projeto Quixote | Gil70

Participantes Julia Santos da Silva, Lucas da Silva, Ronald Melo de Lima, Daniel Castro, Reginaldo Vinicius Des. Silva, Maximiliano Santos, Lucio Nascimento Souza, Luís Eduardo dos Santos, Bianca Gonçalves, Tatiane de Souza Melo, Bruno Pastore, Jerry Batista, Enivo, Roberto Madalena, OTA, Ayco, JeH, Rodrigo (AKA Indio) e Luane Araujo.

2012 é o ano em que Gilberto Gil completou 70 anos de vida e 50 de carreira. E, para homenageá-lo, o Itaú Cultural organizou a exposição GIL70, que fica aberta a partir do dia 12 de dezembro lá na Avenida Paulista. A exposição, concebida e organizada pelo poeta e designer gráfico André Vallias e com a colaboração do pesquisador e ensaísta Frederico Coelho na curadoria, apresenta 23 trabalhos de artistas como Omar Salomão, Carlos Nader, Arnaldo Antunes, Adriana Calcanhoto e Caetano Veloso.
O Projeto Quixote também foi convidado a participar desta homenagem a Gilberto Gil através de um belíssimo mural realizado na parede externa do Itaú Cultural. O mural ilustra a música Raça Humana de Gilberto Gil onde o pintor/escultor Alex Hornest conduziu esta experiência com os jovens da Agência Quixote Spray Arte que puderam desenvolver em uma oficina de 3 dias um layout para o mural e em mais 3 dias executar a pintura.

________________________

São ao todo 23 trabalhos apresentados em diferentes linguagens e suportes, como pintura, vídeo, fotografia, escultura e instalação, todos inspirados nas canções de Gil ou dedicados a ele. Vallias e Coelho comentam que GIL70 “convocou um conjunto eclético de artistas que entrelaçam gerações, linguagens, suportes e áreas de atuação da mesma forma que a obra de Gil entrelaça temas, ideias e sensibilidades”.

Entre os artistas que realizaram obras para a mostra estão nomes como Omar Salomão, Carlos Nader e Arnaldo Antunes. A explosão de corações na instalação de Adriana Calcanhoto dá dica sobre a música que inspirou a cantora, “Corações a Mil”, composta por Gil na década de 1970 para o filme de Tom Job Azulay. Já Caetano Veloso dedica a Gil o poema-instalação “Gilberto Misterioso”, assim como Augusto de Campos que homenageia o cantor baiano com o poema visual “Tristes Tópicos”.

Além das obras, a exposição conta com uma grande linha do tempo, ilustrada com imagens, áudios e vídeos, que revelam um pouco da vida pessoal de Gil, e faz um contraponto com sua trajetória profissional acompanhada pelos acontecimentos importantes de cada momento histórico que refletem fortemente na obra do cantor baiano.

A exposição teve sua primeira montagem no Centro Cultural Correios, no Rio de Janeiro, e agora poderá ser visitada pelo público paulista. A mostra também conta com um site (www.gil70.com.br) que reúne materiais extras sobre Gilberto Gil, manifestos, artigos e depoimentos que revelam um pouco mais sobre a vida e obra do ex-ministro da Cultura.

GIL70
Local: Itaú Cultura
Av. Paulista, 149 - Bela Vista - São Paulo - SP
Fones: 11 2168 1777 / 2168 1776

De 12 de dezembro de 2012 a 17 de fevereiro de 2013
terça a sexta, das 9h às 20h
sábado, domingo e feriado, das 11h às 20h

Entrada franca
[livre para todos os públicos]

Desert Flower _ 2009




Desert Flower (2009)
120 min - Biography | Drama
The autobiography of Waris Dirie a Somalian nomad circumcised at 3, sold in marriage at 13, fled from Africa a while later to become finally an American supermodel and is now at the age of 38, the UN spokeswoman against female genital mutilation (FGM).

For donation:
Desert Flower Foundation
What is the Desert Flower Foundation?
For over 12 years, Waris Dirie has fought against female genital mutilation (FGM) worldwide. At least 150 million women and girls are affected by this cruel practice, which continues to be performed in Africa, but also in Asia, Europe, America and Australia.

The Desert Flower Foundation seeks to end this crime by raising public awareness, creating networks, organizing events and educational programmes. The foundation also supports victims of FGM.


Waris Dirie _ Model




Waris Dirie (Somali: Waris Diiriye, Arabic: واريس ديري‎) (born in 1965) is an Austrian model, author, actress and human rights activist of Somali origin.

Early years
Waris was born into a nomadic family in 1965 in Galkayo, Somalia. At the age of thirteen, she fled to Mogadishu in order to escape an arranged marriage to a much older man. There, she briefly lived with an older sister and her family. Waris along with a few relatives later moved to London, where she resided with and worked for an uncle who had been appointed Somali ambassador. When his term in office ended, Waris remained in the city and held a job at a local McDonald's. She also began evening classes to learn English.

Career
By chance, Waris was discovered by photographer Terence Donovan, who helped secure for her the cover of the 1987 Pirelli Calendar. From there, her modeling career took off, appearing in advertisements for top designers such as Chanel, Levi's, L'Oréal and Revlon.
In 1987, Waris played a minor role in the James Bond movie The Living Daylights. She also appeared on the runways of London, Milan, Paris and New York City, and in fashion magazines such as Elle, Glamour and Vogue. This was followed in 1995 by a BBC documentary entitled A Nomad in New York about her modeling career.
In 1997, at the height of her modeling career, Waris spoke for the first time with Laura Ziv of the women's magazine Marie Claire about the female genital mutilation (FGM) that she had undergone as a child, an interview which received worldwide media coverage. That same year, Waris became a UN ambassador for the abolition of FGM. She later paid her mother a visit in her native Somalia.
In 1998, Waris authored her first book, Desert Flower, an autobiography which went on to become an international bestseller.
She later released other successful books including Desert Dawn, Letter To My Mother, and Desert Children, the latter of which was launched in tandem with a European campaign against FGM.
In 2009, a feature-length film based on Waris' book Desert Flower was released, with the Ethiopian supermodel Liya Kebede playing her.
The movie has so far been released in 20 countries including France, Spain, Israel, Greece, Poland and Brazil. In January 2010, it won the Bavarian Film Awards in Munich in the Best Movie category.
It was also nominated for a Film Award in Gold in the Outstanding Feature Film category at the German Film Awards, and won the Audience Award in the Best European Film category at the San Sebastián International Film Festival.
In 2010, Waris was appointed Peace Ambassador for the Year of Peace and Security by the African Union.

Font: wikipedia

For donation:
Desert Flower Foundation
What is the Desert Flower Foundation?
For over 12 years, Waris Dirie has fought against female genital mutilation (FGM) worldwide. At least 150 million women and girls are affected by this cruel practice, which continues to be performed in Africa, but also in Asia, Europe, America and Australia.

The Desert Flower Foundation seeks to end this crime by raising public awareness, creating networks, organizing events and educational programmes. The foundation also supports victims of FGM.

Female Genital Mutilation _ FGM



Female Genital Mutilation _ UK

The controversial tradition at the heart of African culture has now reached the shores of Europe.
Today, over 500 British girls are estimated to have undergone the procedure of female genital cutting.

Many young girls would get excited at the prospect of going on holiday but Jamelia knew that the plane she boarded was taking her to be 'circumcised'. Jamelia was cut in an empty mansion by an old woman, strangers held her down and a clean razor was only used when more money exchanged hands. "I remember the blood everywhere", Jamelia says, "one of the maids actually saw her pick up the bit of flesh they cut out." Miriam's womb was accidentally sealed when she was cut and now she cannot have children. "It will stay with me until the day I die." Now, the NHS confirms that cutters are flown over to the UK to cut girls in batches - a cheap alternative. The UK has more girls at risk of bring cut than any other European country and as yet no-one has been prosecuted for the crime.

Font:
The Guardian
Produced By Guardian Films
Distributed By Journeyman Pictures

For donation:
Desert Flower Foundation
What is the Desert Flower Foundation?
For over 12 years, Waris Dirie has fought against female genital mutilation (FGM) worldwide. At least 150 million women and girls are affected by this cruel practice, which continues to be performed in Africa, but also in Asia, Europe, America and Australia.

The Desert Flower Foundation seeks to end this crime by raising public awareness, creating networks, organizing events and educational programmes. The foundation also supports victims of FGM.


O Mundo que conhecemos não é um lugar fácil de se viver.
Para deixa-lo ainda mais insuportável e cruel infelizmente existem pessoas que criam tolices, costumes e idiotices que ferem, torturam, subjugam, humilham e mutilam a sua e outras espécies.



16.1.13

Pixel Show # 2012


Photos: Rhariane Shibuya | Caio Marcatto | Felipe Prado | Edu Pitoresco
Alex Hornest no Pixel Show #2012.

Programa Metropolis _ TV Cultura
  Rádio 97NEWS

PIXEL SHOW #2012 _ CONFERÊNCIA DE CRIATIVIDADE
Palestras, workshops, feira de arte, exposições, festival de animação, sessões de live painting com artistas consagrados... Não é por acaso que o Pixel Show é o maior evento criativo do país.
Organizado pela editora Zupi, o evento nasceu em 2005 e atualmente acontece em três lugares do Brasil: São Paulo, Porto Alegre e Recife.
Com uma programação imperdível, o Pixel Show reúne profissionais do mundo das áreas de ilustração, games, concept art, design, animação, cinema, intervenção urbana, fotografia, novas mídias, charges, cartoons, artes plásticas e tecnologia.

 

Um velho ser renasce das cinzas mas somente para aqueles que "ainda não o conhecem".

15.1.13

Fever Ray _ Keep The Streets Empty For Me


Fever Ray _ Keep The Streets Empty For Me



Karin Elisabeth Dreijer Andersson (born 7 April 1975), also known by her stage name Fever Ray, is the lead vocalist of the electronic music duo The Knife, formed with her brother Olof Dreijer. Andersson was previously the vocalist and guitarist of the alternative rock band Honey Is Cool. Andersson released her debut solo album under the name Fever Ray in 2009. Her vocal style is notable for both shrill and deep tones, and also the use of multitracked vocals, with different uses of pitch-shifting technology on each track, creating an intricate, mysterious effect. Visually, Andersson employs the use of masks, face and body paint, intricate costumes, and other theatrical elements in photo shoots, videos and live performances, during which she often performs behind a gauze screen that partially obscures her from view.

Fever Ray is the solo project of Karin Dreijer Andersson, who is one half of the Swedish electro act The Knife (the other half is her brother Olof Dreijer). Andersson was also the lead singer and guitarist for the defunct indie pop group Honey is Cool. The first, self-titled Fever Ray record was released digitally on January 13, 2009 and its first single If I Had A Heart was released on December 15, 2008.

What would you do if one decade into your career you suddenly saw one of your songs turned into a worldwide hit, won six Grammis in your native Sweden, and your latest release was declared album of the year by one of the worlds most influential music websites? If youre Karin Dreijer Andersson, formerly singer with 90s pop hopes Honey is Cool and now one half of The Knife, the answer is to take a couple of years off and return as a solo artist under a new name: Fever Ray.

In Karins own words, I had so many songs to record that I just had to make an album. I thought I was going to have a longer break but I guess it will never happen. I cant stop working. My aim was to finish the album and now that its done Im a bit restless (good that The Knife has an opera to write then.) During the last years I discovered that I like to sing too, so I hope that my newly found live band will make it to the stages next year. We are rehearsing and building something beautiful and brilliant.

The video for Fever Ray's 'Keep The Streets Empty For Me', taken from the album Fever Ray, is directed by Jens Klevje and Fabian Svensson, a dynamic director duo in the field of artistic moving image. They are based in south of Sweden were they running the visual bureau Conjunction.se.
feverray.com
Fever Ray and the song Keep the Streets Empty struck us immediately with its fateful sound and images of abandoned suburbia begun to grow in front of our eyes. We wanted to continue the journey that started in the former videos and our ambition was to catch the feeling in a very direct and true way and create a video where dream and reality intertwine.

Font: Fabian and Jens

URBE | # 03/04 | fObiAS UrbANAS


Ilustração para a Revista URBE#03_2012 - Cultura Visual Urbana e Contemporaneidade

Sobre medianeras, fobias e comunidades.
Texto CAROlINA EIDElWEIN

"ESTOU cONVENcIDO DE qUE AS SEpARAçõES E OS DIVóRcIOS, A VIOLêNcIA fAMILIAR, O ExcESSO DE cANAIS A cABO, A fALTA DE cOMUNIcAçÃO, A fALTA DE DESEjO, A ApATIA, A DEpRESSÃO, OS SUIcÍDIOS, AS NEUROSES, OS ATAqUES DE pâNIcO, A OBESIDADE, AS cONTRATURAS MUScULARES, A INSEgURANçA, A HIpOcONDRIA, O ESTRESSE E O SEDENTARISMO SÃO RESpONSABILIDADE DOS ARqUITETOS E EMpRESáRIOS DA cONSTRUçÃO. DESSES MALES, SALVO O SUIcÍDIO, pADEçO DE TODOS."

Assim se apresenta Martín, protagonista do filme Medianeras, uma produção independente do argentino Gustavo Taretto lançada em 2011. O filme retrata a capital portenha do ponto de vista de dois jovens adultos, Martín e Mariana, que vivem encontros e desencontros pela cidade. buenos Aires assume um lugar central na trama, como destaca a fala introdutória de Martín, que atribui à vida naquele lugar – e a quem supostamente planeja os espaços urbanos – essa lista considerável de situações que informam sobre o mal-estar contemporâneo.

Ambos os personagens definem-se como fóbicos e levam a vida de forma solitária em minúsculos apartamentos, apelidados de caixas de sapato, e que possuem uma janela só. “Às vezes, as pessoas tem uma só janela em sua casa, o que as condena a um único ponto de vista”, comenta o diretor Taretto.

Na mesma entrevista, ele declara que, ao idealizar o filme, propôs-se a investigar sua própria solidão. E qual seria a relação entre as fobias e a solidão? Podemos pensar que “a fobia”, tal como aparece no filme, de forma difusa, seja uma categoria genérica para expressar um tipo de sofrimento psíquico frequente na atualidade, que tem relação direta com a irrupção de crises de angústia. A peculiaridade desse sofrimento é que ele se expressa eminentemente no corpo, e o nexo com questões psíquicas pode passar despercebido. Maria rita Kehl (2002) nos alerta que o homem contemporâneo quer ser despojado da angústia de viver e da responsabilidade de arcar com essa angústia, delegando à competência médica e às intervenções químicas a esperança de eliminar a inquietação que o habita.

Essas crises se apresentam em situações ou momentos de vida em que, por algum motivo, nos vemos diante de nossa condição de desamparo, também adjetivado como desamparo fundamental, a que freud nomeou Hilflosigkeit. É o que nos constitui como humanos, embora não estejamos completamente convencidos nem tenhamos plena capacidade de simbolizar e de elaborar essa nossa condição – e é exatamente por isso que somos impelidos a viver, produzir e criar.

O psicanalista Mário Eduardo Costa Pereira, autor de um estudo psicanalítico sobre pânico e desamparo, afirma que “o sujeito com pânico anseia pela presença concreta de um fiador que garanta a estabilidade do seu mundo”. Diante da falta de garantias que caracteriza nossas vidas – não há nenhuma autoridade para decretar o certo e o errado – o sujeito panicado busca encontrar modos de apreender no corpo o trauma desse esamparo, numa experiência que por vezes se aproxima do enlouquecimento e da quase morte. Trata-se de uma forma de experimentar no corpo, de tentar concretizar aquilo que comporta algo de indizível, de misterioso, de impossibilidade de subjetivação, mas que, ao mesmo tempo, é insuperável. E o pânico seria uma tentativa de tornar o desamparo acessível ao pensamento. foi na tentativa de dar conta disso que é inominável, que inúmeros artistas da literatura, das artes visuais e cênicas, entre outros, desenvolveram suas produções: beckett, Lispector, Artaud e Joyce – apenas alguns dos nomes cujos trabalhos estiveram às voltas com essa questão.

Fobia, medo, insegurança, sentimento de abandono, de rejeição e de desprezo, epressão, insônia, tensão, isolamento são possíveis facetas desse mal-estar. Os taques de pânico podem ser descritos como crises de angústia extrema, com sensação de morte iminente, medo de enlouquecer e grande desespero. Sintomas como palpitação, falta de ar, tonturas, vertigens, boca seca, calafrios, sudorese, formigamentos pelo corpo, sensação de instabilidade no equilíbrio também podem estar presentes. E tudo isso sem nenhuma alteração física que possa explicar esses sintomas.

Muitas vezes, com o tempo, a pessoa vai organizando sua vida em função dos ataques, ou do medo de vir a tê-los, com dificuldades para desenvolver tarefas cotidianas, inclusive sair de casa. Aí o isolamento e a solidão tendem a ganhar espaço. Martín refere que há cerca de dez anos sentou-se em frente ao computador e tem a impressão de que nunca mais levantou. ficou dois anos sem sair de seu apartamento após violentos ataques de pânico. Enumera algumas peripécias como a de ter vencido o river, o federer e de ter se tornado chefão na mafiosa família Corleone, gabando-se de ter realizado tudo isso sem sair de casa – é assim que descreve, de forma bem-humorada, o seu período de reclusão. Mariana, a outra protagonista da história, conta sobre seus dilemas a partir do livro da sua vida, que é como ela denomina Onde está wally?, um passatempo criado pelo ilustrador britânico Martin Handford em que o eitor é convidado a encontrar o personagem esguio que veste blusa listrada e calças pretas, que usa bengala, óculos de grau e toca em diferentes espaços populosos como praia, cidade e shopping center. Afirma ter o livro desde seus quatorze anos de idade e que na publicação encontra a origem de sua fobia pelas multidões, com o despertar de uma angústia existencial muito particular: a de se saber um personagem perdido entre milhões. O desafio de encontrar wally na cidade para ela permanece insolúvel.

Kehl nos indica que, apesar do sentido da vida não estar dado por nenhuma verdade transcendental na modernidade, é ilusório pensar que essa criação de sentido para a nossa existência seja um ato individual. Trata-se de uma tarefa coletiva, da cultura, da qual cada um participa com um grão de invenção, segundo a autora. Em Medianeras, ambos os personagens dizem-se fóbicos em recuperação. Parece que, na película, a narrativa vai se constituindo em elaboração, em implicação dos personagens naquilo que lhes ocorre – não apenas enquanto uma psicopatologia que os acomete, como algo que lhes vem do exterior.

Quando chega a esperada primavera, no filme, os personagens tomam a decisão de abrir básculas em suas casas – e em suas vidas. Abertura que se dá pelas medianeras, aquelas que dão nome à obra.

Descritas como o lado inútil de todos os edifícios, o lado que não dá para a frente nem para os fundos, as medianeras seriam superfícies a refletir a inconstância, as rachaduras, as soluções provisórias, os anúncios publicitários e o desamparo, talvez. Então, a certa altura do enredo, essas paredes esquecidas transformam-se em saídas, em vias de escape. “Em clara contravenção às normas do planejamento urbano se abrem umas minúsculas, irregulares e irresponsáveis janelas que permitem que alguns milagrosos raios de luz iluminem a escuridão em que vivemos”, reflete Martín.

Intitulada Usuário, a obra de Alex Hornest habita uma medianera na rua Andrade Neves, no centro de Porto Alegre. De imediato, faz lembrar um personagem kafkiano. Meio gente, meio inseto, pousado num lugar insólito, uma figura pálida chapada em fundo preto – na escuridão? Esse nome, usuário, coroa de forma contundente a força da imagem. Usuário, do latim usuarius, é o que possui ou frui alguma coisa por direito que provém do uso; também se dizia do escravo, de que só se tinha o uso e não a propriedade. Usuário remete a quem utiliza serviços, redes de internet, substâncias e também políticas públicas.

Seríamos nós usuários da cidade? Que relação estabelecemos com o espaço urbano? Uma relação estritamente de uso?


Em nosso cotidiano, se fizéssemos um passeio exploratório, se lançássemos um olhar estrangeiro – e se levássemos Kafka conosco? – não seria difícil depararmo-nos com a angústia, a solidão, a impessoalidade, a burocracia e a alienação tão peculiarmente escritas pelo autor, também na cidade em que vivemos. Durante o dia, o trânsito frenético, agendas conflitantes, o estacionamento lotado, os espaços disputados, os equipamentos todos conectados.

À noite, televisores ligados, portas trancadas, bares fechados, ruas vazias, balada segura sem transporte público, equipamentos todos conectados. Afora isso, todo o debate presente na mídia e nas redes sociais sobre cercar ou não cercar parques, instalar ou não instalar câmeras de segurança, a defesa do “acolhimento compulsório” da população que vive na rua, da instalação de unidades policiais de pacificação e de intervenções nas ditas cracolândias país afora.

Num pequeno texto intitulado Comunidade, Kafka nos apresenta a história de cinco amigos que vivem juntos, pacificamente, até a chegada de um sexto elemento, que é sentida por eles como intromissão. Embora não o conheçam, não o querem aceitar e não entendem porque ele, o sexto, força sua entrada em um espaço onde não é querido nem tolerado. “Mas, como ensinar tudo isto ao sexto, posto que longas explicações implicariam já uma aceitação de nosso círculo? É preferível não explicar nada e não o aceitar. Por muito que franza os lábios, afastamo-lo, empurrando-o com o cotovelo, as por mais que o façamos, volta outra vez.” (Comunidade. Kafka. Narrativas do Espólio).

Kehl traz para a discussão o que o também psicanalista, francês, Phillipe Julien, questiona: a possibilidade de identificação fraterna entre semelhantes, a não ser à custa da segregação de outros, um pouco mais distantes, que portem a marca da diferença intolerável. Ele destaca que todas as formas de racismo, intolerância étnica, religiosa ou nacional fundam-se na tentativa de fazer do semelhante um igual, ao preço de fazer do diferente um absoluto estranho. E lembra que o semelhante é sempre semelhante na diferença.

Embora vivamos em uma época de intensa polifonia, algumas vozes insistem na tentativa de se sobrepor às demais, como se elas não existissem.
É o caso das grandes empresas de mass media, que historicamente monopolizam esse mercado, e dos próprios partidos políticos tradicionais, que a cada dia sofrem maiores interferências dos insistentes murmúrios, vindos de diversos cantos, que dão outras notícias, falam de outras formas de vida e de outros mundos possíveis.

Peter Pál Pelbart, filósofo docente na PUC-SP, nos aponta que é trivial a constatação evocada por diversos pensadores contemporâneos – entre eles, cita Toni Negri, Giorgio Agamben, Paolo Virno, Jean-Luc Nancy e Maurice blanchot – de que vivemos hoje uma crise do “comum”. isso porque as formas que pareciam garantir aos homens um contorno comum e asseguravam alguma consistência ao laço social entraram em colapso tanto na esfera dita pública quanto nos modos consagrados de associação: comunitários, nacionais, ideológicos, partidários, sindicais.

Temos nos deparado com o que ele chama de espectros do comum: a mídia, a encenação política, os consensos econômicos consagrados e a militarização da existência para defender uma forma-de-vida dita “comum”. Mas adverte que esta forma-de-vida não é realmente “comum”, pois se trata de uma expropriação do comum sob formas consensuais, unitárias, espetacularizadas, totalizadas e transcendentalizadas. Peter sustenta que, na verdade, é preciso desconfiar dessa consciência retrospectiva da perda da comunidade e da sua identidade, porque ela acompanha o Ocidente desde seu início. Essa tal comunidade, de comunhão, unidade e copertinência nunca existiu. Afirma que a comunidade tem por condição precisamente a heterogeneidade, a pluralidade e a distância.

Na contramão da nostalgia fusional, ela é feita de interrupção, fragmentação, suspense, é feita de seres singulares e seus encontros. Define comunidade como “o compartilhamento de uma separação dada pela singularidade”.

A uma moral da salvação e da caridade, o filósofo, contrapõe uma moral da vida, em que a alma só se realiza pondo o pé na estrada, exposta a todos os contatos, sem jamais tentar salvar outras almas, desviando-se daquelas que emitem um som demasiado autoritário ou gemente demais, formando com seus iguais acordos e acordes, mesmo fugidios. Afirma que a comunidade dos celibatários é a do homem qualquer e de suas singularidades que se cruzam: nem individualismo, nem comunialismo.

Pelbart percorre diferentes conceitos, nomes diversos para uma figura não fusional, não unitária, não totalizável e não filialista de comunidade.

Trata-se, segundo ele, de pensar o comum ao mesmo tempo como imanente e como construção. Ou seja, por um lado ele já está dado, a exemplo desse comum biopolítico de que falávamos anteriormente e, por outro lado, está por construir, segundo as novas figuras de comunidade que o comum, assim como é concebido por ele na esteira de outros autores, poderia engendrar.

Indica uma possibilidade de descobrir comunidade lá onde não se via comunidade e não necessariamente reconhecer comunidade lá onde todos veem comunidade, não por um gosto de ser esquisito, mas por uma ética que contemple também a esquisitice e as linhas de fuga, novos desejos de comunidade emergentes, novas formas de associar-se e issociar-se que estão surgindo, nos contextos mais auspiciosos ou desesperadores. (Peter Pál Pelbart, 2003). É o que Deleuze e Guattari, ao escreverem sobre o autor em Kafka: por uma literatura menor, também nos apontam: que a linha de fuga faz parte da própria máquina. Para eles, o problema não é de modo algum ser livre, mas encontrar uma saída, ou então uma entrada, ou então um lado, um corredor, uma adjacência... Ou seria uma medianera?

Ponderam que Gregor se torna barata, em A Metamorfose, não apenas para fugir de seu pai, mas para encontrar uma saída onde seu pai não a soube encontrar, para fugir do gerente, do comércio e dos burocratas, para atingir uma região onde a voz apenas murmura. Uma saída, e não “liberdade”, ressalvam os autores. Essa saída não consiste de modo algum em fugir, ao contrário, é afirmada como fuga no mesmo lugar, fuga em intensidade. “foi o que fiz, esquivei-me, não tinha outra solução, já que tínhamos descartado a da liberdade” é a fala de Gregor.

Ou seja, é de dentro mesmo das engrenagens que podemos encontrar saídas, pequenas que sejam, no sentido da afirmação da vida. Os exemplos são muitos. Às vezes, tímidos. Silenciosos, até. Uma bicicleta rosa-bebê no movimentado cruzamento de duas avenidas, com a singela placa no cestinho: “mais amor, menos motor”. O semblante da “Nossa Senhora da Consciência Alterada” na parede de um prédio. Diversos movimentos têm surgido com o objetivo de pensar e pôr em prática ações para a melhoria da vida nas cidades, agregando participantes pela internet e propondo a gestão colaborativa dos projetos.

Em Porto Alegre, colocar adesivos com informações sobre as linhas de ônibus, organizar serenatas com o propósito de frequentar os parques à noite, propor mutirões de limpeza da orla do Guaíba, criar plataforma virtual que possa auxiliar na hora da escolha dos candidatos nas próximas eleições, confeccionar vídeos que explicitem os buracos nas ruas, exibir curtas no Arroio Dilúvio, debater sobre a carona como alternativa de mobilidade urbana são algumas das ideias noticiadas ultimamente.

Os movimentos Occupy, manifestações de maior vulto que ganharam o mundo em 2011, também vêm destacando a importância da mobilização coletiva e da união dos corpos no espaço público.

As intervenções urbanas, as instalações, os grafites interpelam a quem passa pelas ruas. Se pudermos escutar as paredes, teremos certeza de que muitas outras vozes falam em nossa cidade. E que não estamos necessariamente sós.

REFERêNCIAS
DELEUZE, Gilles e GUATARRI, Félix. Kafka: Por uma literatura menor. Rio de Janeiro: Imago Editora, 1977.
KAfKA, franz. Narrativas do Espólio. São Paulo: Companhia das Letras, 2002.
KEHL, Maria Rita. Sobre ética e psicanálise. São Paulo: Companhia das Letras, 2002.
Novo Dicionário da Língua Portuguesa Candido de Figueiredo , 1913.
PELBART, Peter Pál. Vida Capital: Ensaios de biopolítica. São Paulo: Iluminuras, 2003.
PEREIRA, Mario Eduardo Costa. Pânico e desamparo: um estudo psicanalítico. São Paulo: Editora Escuta, 1999.

NóS qUE PASSAmOS APRESSADOS PElAS RUAS DA CIDADE mERECEmOS lER AS lETRAS
E AS PAlAvRAS DE GENTIlEzA.


Carolina Eidelwein é psicóloga, integrante do INTERVIRES: loucuras em rede, grupo de pesquisa do Programa de Pós-graduação em Psicologia Social e Institucional da Universidade Federal do Rio Grande do Sul.

Judy Pfaff _ sculptress





Judy Pfaff was born in London, England, in 1946. She received a BFA from Washington University, Saint Louis (1971), and an MFA from Yale University (1973). Balancing intense planning with improvisational decision-making, Pfaff creates exuberant, sprawling sculptures and installations that weave landscape, architecture, and color into a tense yet organic whole. A pioneer of installation art in the 1970s, Pfaff synthesizes sculpture, painting, and architecture into dynamic environments, in which space seems to expand and collapse, fluctuating between the two- and three-dimensional. Pfaff’s site-specific installations pierce through walls and careen through the air, achieving lightness and explosive energy.
Pfaff’s work is a complex ordering of visual information, composed of steel, fiberglass, and plaster as well as salvaged signage and natural elements such as tree roots. She has extended her interest in natural motifs in a series of prints integrating vegetation, maps, and medical illustrations, and has developed her dramatic sculptural materials into set designs for several theatrical stage productions. Pfaff has received many awards, including a John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Award (2004); a Bessie (1984); and fellowships from the John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1983) and the National Endowment for the Arts (1986). She has had major exhibitions at Elvehjem Museum of Art, University of Wisconsin, Madison (2002); Denver Art Museum (1994); St. Louis Art Museum (1989); and Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (1982). Pfaff represented the United States in the 1998 Bienal de São Paulo. Pfaff lives and works in Kingston and Tivoli, New York.

26.11.12

YEESOOKYUNG _ sculptress


YEESOOKYUNG

Born in Seoul, Korea, in 1963 _ Lives and works in Seoul .
The visual artist "yeesookyung" was born in Seoul, Korea, in 1963. In 1987, she received a BFA in Painting from Seoul National University, and in 1989 was awarded an MFA from the same academy. Since 1992, she has had solo as well as group exhibitions in Korea and abroad. Her solo exhibitions include Paradise Hormone (Mongin Art Center, Seoul); Yee Sookyung (Artemesia Gallery, Chicago) and Getting Married to Myself (Indeco Gallery, Seoul / K Gallery, Tokyo). Her group exhibitions include micro-narratives (Saint-Étienne Métropole, Saint-Étienne, France); Shanghai E-arts Festival, (Doll House, Shanghai, China); and the Gwangju Biennale 2006: Fever Variations (Biennale Hall, Gwangju, Korea). In 2012, she was awarded the Korea Artist Prize by the National Museum of Contemporary Art Korea. yeesookyung lives and works in Seoul.

19.11.12

MFDOOM, MADVILLAN, DANGERDOOM, JJDOOM new album "KEY TO THE KUFFS"




JJ DOOM _ "GUV'NOR"

DOOM raps the track GUV'NOR from his new album KEY TO THE KUFFS for a new mind-bending, split-screen video experiment directed by Ninian Doff as part of RizLab project #4...
RizLab is a project created to allow pioneering artists to freely experiment to create interesting and innovative music experiences - the new and the unexpected.
Album 'KEY TO THE KUFFS' is out now worldwide.

JJDOOM (Jneiro Jarel & DOOM) perform their debut live show at Bestival with specially commissioned visuals on Friday 7th September, headlining the RizLab tent as part of a full day/night programme curated by Lex Records
Daniel Dumile (a.k.a JJDoom, DOOM, MFDOOM, MADVILLAN, DANGERDOOM and others) is an England.
Born American underground hip hop artist best known for his "super villain" stage persona and unique lyrics.


Rap mastermind DOOM used to run the game in graffiti too.
Here he comes out of a 10-year retirement to light up a dark London evening with his spray cans.

To remember:

Madvillain (MFDoom + Madlib) - "Accordion"


Madvillain (MFDoom + Madlib) - "Rhinestone Cowboy"

Rima muito, faz throw-ups, curti a vida, pensa e ainda usa mascara para esconder a identidade.
My HERO!!

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