A L E X _ H O R N E S T

A BELA METROPOLE QUE SÓ O PASSADO VIU _ SÃO PAULO 458 ANOS _ MUSEU AFRO BRASIL

2012-02-10T12:24:00.005-02:00

Exposição coletiva onde participo com uma pintura/painel de 5 x 2,5 m em madeira.
Este painel é um dos 10 realizados em Paraty para a mostra Contemporânea ART Paraty/2011 onde fui convidado com mais 5 artistas Paulistanos por Emanoel Araujo para expor durante a mostra em um ateliê de um artista local.
No meu caso Aecio Sarti foi o escolhido pelo curador Cesare Pergola (galeria Belvedere Paraty) e como não podia ser diferente sugeri realizar uma pintuta/painel ao ar livre em vez de expor telas no ateliê.
Todos adoraram a idéia e acabaram incluindo o Aecio nessa aventura. Detalhe, ele nunca havia pintando um mural ao ar livre e logo de cara ganhou 8 painéis de 1,5 x 3m para que pintássemos em
conjunto onde um interferia no trabalho do outro.
O resultado foi muito gratificante. As composições surgiram espontaneamente e sempre com temas bem humorados.
De brinde ganhei dois painéis de 5 x 3m cada que foram instalados em uma Frutaria/Peixaria próximo ao mar onde pude realizar sozinho 2 pinturas.
Uma delas pode ser vista na foto abaixo ou para quem puder ao vivo por tempo indeterminado no Museu Afro Brasil na exposição A BELA METROPOLE QUE SÓ O PASSADO VIU _ SÃO PAULO 458 ANOS.

Pego pela boca - Paraty - RJ - 2011

Museu Afro Brasil
Av. Pedro Álvares Cabral, s/n
Parque Ibirapuera - Portão 10
São Paulo / SP - Brasil - 04094 050
Fone: 55 11 3320 8900

Lista _ Group Show at LOGO GALLERY

2012-02-10T11:50:00.000-02:00

A galeria de arte LOGO iniciou suas atividades recentemente, em agosto do ano passado, mas já realizou oito exposições até agora, entre individuais, coletivas internacionais e uma mostra inédita de Leonilson. nessa arrancada, a galeria foi prestigiada por excelente público, assim como por colecionadores e representantes de instituições, geralmente surpresos com a "lista" de artistas da galeria. pois, em grande parte, são nomes relativamente pouco conhecidos no panorama da arte contemporânea de São Paulo. celebrando a não-linearidade de nosso tempo, a LOGO agora faz sua devida apresentação, em pleno movimento.

A exposição coletiva Lista traz uma seleção do acervo da galeria e de obras inéditas, incluindo trabalhos de todos os nomes que ela representa e apresentando assim, a primeira visão geral de sua principal razão de existir, os artistas. são eles:
Lin Yi-Hsuan, Luciana Araujo, Rimon Guimarães, Adriano Cinelli (Onio), Fabio Zimbres, Gustavo Eandi, América Sanchez, Flavio Samelo, DOMA, Bruno 9li, Alex Hornest, Talita Hoffmann, Andrés Bruck, Walter Nomura (Tinho), Lauro Roberto, Weaver Lima, Sesper, Nicolás Sobrero, Fabiano Rodrigues, Fefê Talavera, Luis Flavio Trampo, Alberto Monteiro, Carlos Issa, Paul Loubet, Jayelle Hudson, Felipe Yung (Flip), Emerson Pingarilho e Tomas Spicolli.
No acervo da galeria, seis artistas convidados: Luciano Scherer, Wagner Olino, Dimas Forchetti, Mateus Grimm, Rodrigo Pecci e Thomas Campbell (EUA).

Lista
Abertura no dia 14 de fevereiro, terça, das 11h as 22h
Visitação de 14 de fevereiro a 17 de março
De terça a sábado, das 11h às 19h

(a galeria estará fechada do 18 ao 22 de fevereiro para o carnaval)

Os poucos que vejo são os que realmente gosto.

2012-02-10T03:44:00.000-02:00

ARYS

SELON

ZOER CSX

CLAUDIO ETHOS

SOWAT DMV

rexPINGADOS

BOM.K

FINOK e GUETO

ANDHOPE

REVOK

SMASH137

ROID MSK

Hoje em dia acompanho muito pouco o que acontece na cena de Graffiti.
Este não é mais um assunto que me interessa... Prefiro fazer do que ficar falando sobre.
Mas fico muito feliz de ver que os poucos artistas de Graffiti que acompanho/gosto continuam surpreendendo e inovando
por onde passam nesse pequeno e rico Universo cheio de muros.

Parabéns a todos os verdadeiros "Graffiti Writers" de todo Brasil e do Mundo!!

Gil Scott Heron 1949 _ 2011

2012-02-10T00:04:00.000-02:00

Infelizmente estou lendo muito pouco...
O ultimo livros que consegui finalizar foi "ABUTRE" de Gil Scott Heron.
Obrigado Arthur Lima da Jurema pela indicação e empréstimo!
Fiquei muito impressionado com a forma como Gil descreve os fatos e o dia a dia das personagens em suas histórias.
Meu comprometimento com essa leitura foi tanta que por alguns momentos me senti um coadjuvante participando de cada ação que me
embriagava a todo instante pela incrível atmosfera que deveria ter a Manhattan dos anos 60.
Ano passado o mundo das artes perdeu um "grande escritor/artista/músico/homem/cantor" que felizmente deixou um legado incrível que já está eternizado.

Gil Scott Heron é mais um grande artista que consegue deixar bem claro que as ruas só podem ser compreendidas por quem as vivênciam.

30 anos de Galeria Deco

2012-01-10T18:06:00.003-02:00

Exposição:
LINHAS PARALELAS

Kiji Maru
Rafael Pagatini
Thais Ueda

De 06 a 25/01/2012

Local:
Galeria DECO
Rua dos Franceses, 153
Bela Vista - São Paulo - SP - Brasil
tel. 11 3289.7067

Gainsbourg: A Heroic Life (2010)

2012-01-10T17:17:00.000-02:00

A glimpse at the life of French singer Serge Gainsbourg, from growing up in 1940s Nazi-occupied Paris through
his successful song-writing years in the 1960s to his death in 1991 at the age of 62.

Gainsbourg: A Heroic Life (2010)
Original title: Gainsbourg (Vie héroïque)
130 min - Drama/Music
Director: Joann Sfar
Writers: Joann Sfar (graphic novel), Joann Sfar (screenplay)
Stars: Eric Elmosnino, Lucy Gordon and Laetitia Casta

Ótima para os dias de chuva.

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Perfect for the rain days.

Shabazz Palaces - "Black Up"

2012-01-03T15:12:00.004-02:00

Shabazz Palaces - "Black Up" from WHAT MATTERS MOST on Vimeo.

"Black Up" is a short film that portrays a fever dream induced by the music of Shabazz Palaces.
The film features songs from Shabazz Palaces' album Black Up on Sub Pop Records, as well as various pieces of unreleased material.

Director: Kahlil Joseph
Photography: Matthew J. Lloyd
Producer: Omid Fatemi
1st AC: Dave Edsall
Steadycam: Jonathan Beattie
Production and Costume Design: Maikoiyo Alley-Barnes
Production Coordinator: Sue Yeon Ahn
Graphics: Evan Matthews
Sound Design: Will Patterson
Color: Malik Sayeed and Nice Dissolve
Model: Brianna Michele
Talent: Raul Robinson-Cruz and Mariel Cruz
Location Scout: DJ Nature
Creative Consultant: Lee Harrison & Knox Robinson
Executive Producer: Paul Chang

Gil Scott-Heron audio sample courtesy of Reelblack (reelblack.com)

Filmed in Bronx, NY, Beacon, NY, and various locations in Puerto Rico

em algum lugar de 2010/2011 _ in some place for 2010/2011

2012-01-02T16:25:00.003-02:00

Trabalhos e entrevistas.

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Works and interviews.

10ª edição do Projeto Portfólio (Abril/2011_Aktuell) trouxe para dentro da Aktuell obras dos artistas Guilherme Galarraga (Galeria Parede), Evandro Machado (Galeria Elevador) e Alex Hornest (Galeria Muro).

Animais de Concreto II _ Galeria da FAV _ Goiania - GO
Visando sempre divulgar e refletir a diversidade nas propostas contemporâneas; a Galeria FAV abre a temporada de exposições do semestre de 2010. Apresentaremos a mostra individual de esculturas e pinturas “ANIMAIS DE CONCRETO“ do artista multimídia ALEX HORNEST.
A abertura acontecerá dia 17 de agosto às 10 horas, na ocasião o artista fará também o lançamento de seus livros.
Durante sua permanência na FAV, Alex Hornest fará intervenções com “graffiti“ no campus universitário II, e oficina de desenho e pintura com os alunos.
ANIMAIS DE CONCRETO acontece de 17 de agosto a 10 de setembro/2010.
Esta proposta integra o elenco de exposições selecionadas pelo Edital da Galeria da Fav 2010-2011.
Animais de Concreto – é a exposição apresentada na Galeria da FAV, nesta proposta o artista faz uma analogia entre cárcere e liberdade.
Alex Hornest apresenta animais africanos pintados em seu habitat natural - onde estão livres. Estas pinturas estão espalhadas pelo campus universitário da UFG.
Na área fechada - espaço expositivo da galeria - o artista mostra as esculturas, são animais aprisionados em jaulas e caixas.
A idéia é mostrar as diferenças de comportamento nestas duas situações distintas e levar, de modo subjetivo, o espectador a pensar em como a escravidão interviu, negativamente, modificando a rotina e a história do povo africano.

Entrevista para documentário alemão sobre graffiti em São Paulo_Brasil.

Em 2010 e 2011 muitas coisas boas aconteceram.
Aos poucos irei mostrando mais e mais...

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In 2011 many things happened.
Will gradually showing more and more...

Entrevista Ilustrada _ Alex Hornest e Thais Ueda _ Ideafixa

2011-12-26T20:32:00.001-02:00

Para os que não sabem como anda a minha cabeça velha e empoeirada aqui está mais uma oportunidade.
Eu e minha talentosíssima esposa Thais Ueda (que está de site novo) recebemos o convite da amiga jornalista
Julia Bolliger para uma Entrevista Ilustrada na IdeaFixa.

Isso já faz um tempinho mas nunca é tarde para postar.

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For those who don't know about my old and dusty head here's another chance.
Me and my talented wife Thais Ueda (she have a new website) received the invitation of her friend Julia Bolliger journalist
for an Illustrated interview at Ideafixa.

It's been a while but never too late to post.

Bom para 2072 _ Good for 2072

2011-12-20T11:24:00.001-02:00

Confecção: Alex Hornest e Thais Ueda

E assim se fecha mais um ciclo.
O momento ainda é de produção. As pesquisas nunca acabam.
O que está por vir ainda é incompreendido pelo simples fato de estar sendo feito hoje. Algumas coisas precisam de tempo...
Os frutos são colhidos e suas sementes são espalhadas por alguns jardins.

Há sempre um par de olhos bem atentos a tudo o que está a nossa volta.
Uma parte do que nos foi prometido acaba de ser cumprida. Felizmente o futuro ainda mal começou!
O que já aconteceu ainda é novidade para a maioria desavisada.
A meta continua sendo a mesma: _ Trilhar novos caminhos para continuar aprendendo com o PASSADO.

O FUTURO ainda é um direito de todos.
Vamos desfrutar!
Obrigado 1972.
Me sinto cada vez mais próximo de 2072.

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And so closes another cycle.
The moment is still in production. The research never ends.
What is coming is still misunderstood by the simple fact of being made today. Some things need time ...
The fruits are harvested and their seeds are spread by some gardens.

There is always a pair of eyes to watch everything around us.
Part of what was promised to us has just been fulfilled. Fortunately the future has just begun!
Today is still a novelty for most inattentive.
The goal remains the same: _ Treading new paths to continue learning from the past.

The future is still a right for all.
We enjoy!
Thank you 1972.
I feel closer to 2072.

Velosophie Magazin

2011-12-13T14:09:00.004-02:00

Velosophie

Bike Art _ Bicycles in Art Around The World

2011-12-13T13:11:00.007-02:00

Kiriakos Iosifidis:
Bike Art _ Bicycles in Art Around The World

There is an element of fanaticism in bicycle culture rarely seen among the varied forms of locomotion. A love affair of sorts develops between rider and bike, with all the constituent parts: obsession, devotion and longing. In extreme cases, hospitalization is required — among the more restrained, bicycle becomes muse, inspiring great works of art in a variety of media, all in an attempt to capture the spirit of the infatuation.

Bike Art pays homage to our two-wheeled friend, presenting works created on walls, canvases, paper, pedestals, bikeframes, skin and clothing by an international team of artists including Taliah Lempert, Janet Bike Girl, Mona Caron, Boris Indrikov, DZIine, Matt W. Moore, Andy Singer, Mike Giant, David Gerstein, Mark Grieve & Ilana Spector, "Bike 2.0", "Azor", "I Bike", Kevin Cyr, Olek, Duane Flatmo and more. In addition, the bicycle receives a complete makeover as designers compete to create the most original ride, whether re-envisioning the age-old form in its entirety or creating custom pieces for private consumption. A voyeuristic showcase of the lesser-known aspects of the culture — including festivals, performing arts and good works — rounds out this must-have volume.

256 pages, Hardcover, 11 3/4'' x 8 1/2'' (324 x 216 mm), 900 illustrations, English, Hardcover
ISBN: 978-1-58423-477-7

Emanoel Araujo _ Escultor

2011-12-08T11:01:00.012-02:00

Ministerio da Cultura _ Governo do Estado de São Paulo _ Secretaria da Cultura _ Sabesp _ Via Impressa Edições de Arte
convidam para o lançamento do livro

Emanoel Araujo - Escultor
Ensaio Paulo Herkenhoff

Sábado 10 de Dezembro de 2011
11h às 15h

Local:
Dan Galeria
Rua Estados Unidos, 1638
São Paulo, SP
01427-002
Fone: 011 3083 4600
www.dangaleria.com.br

Merecimento!!

2011-12-05T13:30:00.007-02:00

Não vivemos de títulos mas ganhar um aqui outro ali é sempre muito bom.
Valeu Timão!!
Valeu Dr. Socrates e ao "bando de loucos" por ti Corinthians!

SESC Santo André _ Tons Urbanos _ Roda de Conversa

2011-11-29T11:02:00.003-02:00

Parabéns Floquinho!!

2011-11-25T10:23:00.009-02:00

photo: Eddu Ferraccioli

Dois anos...
Incrível como o tempo passa rápido quando temos o porque de comemorar o nascer do Sol
ou mesmo uma chuva refrescante que cai no final de uma tarde.
E em Fevereiro chega mais um presente!

Brothers Quay

2011-11-23T11:08:00.001-02:00

Preciosidade dos bons tempos...

"Tenho Pena De Você" que não tem uma Brastemp com um dos desenhos originais ao lado.

2011-11-22T14:40:00.020-02:00

Thais Ueda e Alex Hornest com originais da série TENHO PENA DE VOCÊ como parte da cenografia do novo comercial da BRASTEMP.

Quer um?
Entra em contato!
Se acabar leva um livro que também tá bem bacana!

CAPAS E CORPOS: URBANIDADES E AFROBRASILIDADES NAS CAPAS DE O MENELICK 2º ATO

2011-11-09T09:50:00.004-02:00

A arquitetura é pesada, densa, e não raramente perturbadora. Seus muros, prédios e marquises são muitos, como bem sabem os noturnos filhos pródigos que “gerou”. Fosse ser humano, cosmopolita seria. Se jovem, transgressor urbano e violador da ordem.

São Paulo, terra de concreto e de uma cintilante desobediência cinza vive a quase 30 anos inundado por letras, símbolos e desenhos coloridos que rompem suas paredes, dão vida aos seus viadutos e despertam tanto a ira como o amor entre as pessoas.

São graffitis, pixações e inscrições que transitam entre a arte, o vandalismo e o protesto, intrínsecas ao cotidiano de São Paulo e sem os quais a cidade não seria hoje, ao menos visualmente, a mesma.

Cria deste cheiro de aerosol que empesteia a madrugada paulistana, a revista O Menelick 2º Ato Afrobrasilidades & Afins, urbana por natureza e particularmente influenciada pela pulsante produção artística da metrópole é, também, deste modo um retrato da cultura de rua produzida e consumida pelos jovens negros urbanos do século XXI. Esta veia “afrourbana” pode ser observada em todas as capas até aqui publicadas pela revista.

Materializada pelas mãos dos artistas Victorone, Edson Ikê, 8 ou 80, Urso, Pato, Onesto e Daniel Melim, além do fotógrafo Nabor Jr , essas produções, mergulhadas em simbologias e referências étnicas e históricas, mais do que o equilíbrio e a beleza estética, estimulam a discussão sobre o lugar do negro na arte urbana contemporânea. A rua é de todos.

+
CAPAS E CORPOS: URBANIDADES E AFROBRASILIDADES NAS CAPAS DE O MENELICK 2º ATO
ABERTURA: 11 DE NOVEMBRO, ÀS 20H
VISITAÇÃO: ATÉ 02 DE DEZ. (SEGUNDAS E SÁBADOS DAS 10H ÀS 17H / TERÇA A SEXTA DAS 10H ÀS 20H)
LOCAL: CASA DA PALAVRA (PRAÇA DO CARMO, 171 – CENTRO/ SANTO ANDRÉ)

Street Art em São Paulo por Alex Hornest | TV TAM Nas Nuvens

2011-11-08T14:16:00.006-02:00

Alex Hornest além de convidado da TV TAM Nas Nuvens, é artista de graffiti, pintor e escultor.
Confira nessa matéria um pouco mais sobre arte urbana na cidade de São Paulo.

Falar e mostrar coisas sobre a cidade que me inspira e me faz ser o que sou é sempre um enorme prazer.

Gerdal (Rodrigo Petersen) e Rodriguinho (Rodrigo TX).

2011-10-31T13:18:00.006-02:00

Rodrigo Petersen joins the BLVD team.

Rodrigo TX joins the LRG team.

É muito bom ver os camaradas de "mileanos" mostrando pros gringo como se faz!!
Parabéns Gerdal e Rodriguinho!!

Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre _ de 17 a 23 de Outubro/2011.

2011-10-14T18:38:00.018-03:00

Artistas Convidados:

Alex Hornest _ Marcio Almeida _ Alfi Vivern _ Jorge Souto
_ Thais Helt _ Fabio Morais _ Pedro Palhares
_ Mayra Martins Redin _ Cuca Medina _ Denise Haesbaert
_ Franz soares _ Marcos Sari _ Helene Sacco

O Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre nasceu como um espaço coletivo de discussão e inquietações em torno da produção de arte em Porto Alegre no ano de 1961.
Há vinte e cinco anos, um dos momentos anuais de maior significado para o Atelier Livre e para a comunidade artística local tem sido a realização do Festival de Arte Cidade de Porto Alegre: um período intensivo dedicado ao fazer artístico.É um espaço que se abre para intercâmbio com artistas,pensadores e comunidade.
Como é um importante espaço de produção artística, para comemorar os 50 anos do Atelier, optamos pelo que sabemos melhor: fazer arte, proporcionar a artistas de diversos lugares e idéias que venham produzir aqui e conviver conosco.
A nossa festa-trabalho incluirá o 25º Festival de arte, que acontecerá de 17 a 23 de outubro/2011.
Para o Festival de 2011 com a intenção de aprofundar a relação entre produção, troca de conhecimento e reflexões, propomos um novo formato: residência/vivencia, ou seja, produção e aprendizado.

O Atelier estará aberto e disponível para os artistas, seus convidados e alunos das 9:00hr às 22:00hr.
Iniciaremos nossa festa com um almoço, na segunda-feira, 17 de outubro, as 13:00 as no Bar do Lupi, no Centro Municipal de Cultura.

Você é nosso convidado, para o almoço e para a semana de trabalho, que se encerrará no domingo, 23 de outubro.

Animais de Concreto - Uberlândia - até 28/Outubro/2011

2011-10-10T15:06:00.005-03:00

Abertura 01/10/2011 – 10h30 (encerramento 13h30)
Visitação até 28/10/2011 – segunda a sexta-feira, das 8h30 às 17h00
MUnA – Museu Universitário de Arte – UFU
Praça Cícero Macedo, 309 – Bairro Fundinho
Uberlândia – Minas Gerais
Fones: (34) 3231-9121 / 3231-7708
Entrada franca
Site: www.muna.ufu.br

Leilão ABACT na Pinacoteca do estado - SP

2011-10-03T13:55:00.011-03:00

Hoje, segunda-feira 3 de outubro, as 19h, acontece o Leilão da Associação Brasileira de Arte Contemporânea na Pinacoteca do Estado de São Paulo.
A galeria LOGO está participando com obras de dois de seus artistas representados, uma de Fabio Zimbres e outra de Alex Hornest.
Para maiores informações sobre o evento, acesse:
www.leilaoabact.com.br

galeria LOGO
rua Artur de Azevedo, 401
São Paulo - SP / Brasil
fone (55 11) 3062 2382

Associação Brasileira de Arte Contemporânea _ Leilão ABACT

2011-09-20T14:24:00.008-03:00

Leilão ABACT _

Dia 03 de outubro, segunda-feira, às 19 horas.
Dia 01 e 02 de outubro exposição das obras que integram o leilão, aberta para visitação das 10h às 17h30.

O leilão da ABACT tem como objetivo arrecadar fundos para o desenvolvimento de iniciativas de fortalecimento das artes plásticas no Brasil. Tais iniciativas incluem a publicação de uma antologia da nova arte brasileira, a realização de uma exposição coletiva de artistas brasileiros com itinerância em instituições internacionais e um projeto de pesquisa para levantar as necessidades do circuito atual no Brasil.

Local:
Pinacoteca do Estado de São Paulo
Praça da Luz, 02. Luz / SP

Informações:
infoabact@abact.com.br
+55 11 2365-0482 / +55 11 2365-0448

Estou participando deste leilão a convite da Galeria LOGO.

Titles for the 2011 Flash On The Beach _ GMUNK

2011-09-15T11:26:00.007-03:00

Every year a group of the world's elite designers and technologists take to the shores of Brighton Beach to meld their minds into one creative energy - known as FLASH ON THE BEACH.. Each year one artist is commissioned to create the title sequence for the conference - and Munkowitz humbly accepted the invitation to create something spectacular for the 2011 event...

www.flashonthebeach.com

FOTB Titles Credit list

Director: Bradley G Munkowitz
Executive Producer: Matt Winkel
Director of Photography: Kevin Gosselin
Assistant Director: Lloyd DeSouza
Assistant Creative Director: Nick Losq
Choreographer: Kitty McNamee
Assistant Choreographer: Hunter Hamilton
Dance Principal Male: Zak Ryan Schlegel
Dance Reaper: Mecca Vazie Andrews
Dance Gazelle 1: Reshma Gajjar
Dance Gazelle 2: Tara Avise
Dance Fireball: Denna Thomsen
Wardrobe/Costume: Mindy Le Brock
Wardrobe/Costume: Diana Contreras
Makeup: Heiddis Ros Reynisdotti
Makeup: Janna Velasquez
Hair: Sean James

Visual Production: BLACK SWAN
Executive Producer: Matt Winkel
Producer: Lloyd DeSouza
Creative Director: Nick Losq
Design Director: Bradley G Munkowitz
VFX Supervisor: Chris Clyne
Typography Designer: Brian Gossett
Editor: Bradley G Munkowitz
Music / Sound Design: Keith Ruggiero
Lead Animation: Bradley G Munkowitz
Colorist / Finishing: Bradley G Munkowitz
Process Photography: Nick Losq, Brandon Guthrie

Live Action Production: Rabbit Content
CEO/Executive Producer: Douglas Howell
Executive Producer: Joby Barnhart
Chief Financial Officer: Eric Filler

Lighting Production: Embrace The Void
Lighting Lead: Kyle Ruebsmaen
Lighting Lead: Michael Fullman
Master Stripper: Chris Clyne
Lead Ball Assembler: Nick Losq
MC Butt Clamper: Matt Winkel
Master Scissor Lift Operator: Lloyd DeSouza
Lead Balls Leveler: Bradley G Munkowitz
King Crimp: Kevin Gosselin

CAMERA: Kevin Gosselin Camera
STAGE: Ben Kitay Studios
LENSES/EASY RIG: Indie Rentals
CAMERA ACC: Sammy's Camera

Director, Design Director, Lead Editor, Lead Colorist, Lead Animator
at BLACK SWAMP
for Flash on the Beach via John Davey

A expressão "ESSE CARA NÃO BRINCA EM SERVIÇO" nunca serviu para o GMUNK.
Esse sabe se divertir!

Tá na mão.

2011-09-05T13:02:00.006-03:00

ARTAQ _ BOOKZINE 2011

1ª Bienal Internacional de Graffiti

Contemporânea Art Paraty

Nuevo Mundo _ Latin America Street Art

EMICIDA

2011-09-02T19:05:00.014-03:00

Fonte: The Creators Project

Musica:
Então Toma
Emicida/Renan Samam

Elenco:
Emicida,Evandro Fióti, Criolo, Noel (Rock Rocket), Jun (Rock Rocket), Di Ferrero (NX Zero) Conrado Grandino (NX Zero), Daniel Weksler (Nx Zero), Zeca Baleiro, Renato Teixeira, Luana Nascimento, Carol Vergilio, Janis (Bull Terrier)
Direção: Fred Ouro Preto
Roteiro: Fred Ouro Preto & Everton Oliveira
Primeira Assist Direção: Carina Zaratin
Segunda Assist Direção: Mariana Vieira
Direção de Fotografia: Bruno Tiezzi & Leonardo Rudá
Assistentes de câmera: Jorge Dayeh & Everton Oliveira
Som Direto: Dennis Melito & Guilherme Destro
Montagem: Fernando Freitas
Direção de Arte e Visual : Marcelo Lima
Animação e Efeitos: Rafael Morinaga
Figurino: Nicole Nativa
Maquiagem: Mari Kato

Sempre acreditei no "faça você mesmo!"
Sempre me perguntei "para que esperar pelos outros?"
Sempre quis "correr pelo certo".

É sempre bom saber que "não estou sozinho nessa."

A paixão pelo fogo _ Eduardo Galeano

2011-08-23T09:38:00.012-03:00

Eduardo Hughes Galeano (Montevideo, 3 de setembro de 1940), escritor uruguaio.

Frases de Eduardo Galeano.

"Vida cigana. As coisas me acompanham e vão embora. São minhas de noite, perco-as de dia. Não estou preso às coisas; elas não decidem nada."

"A memória guardará o que valer a pena. A memória sabe de mim mais que eu; e ela não perde o que merece ser salvo."

"Tenho saudades de um país que ainda não existe no mapa."

"A realidade dá os cursos práticos, A TV se encarrega da teoria."

"A primeira condição para modificar a realidade consiste em conhecê-la."

"Um refúgio?
Uma barriga?
Um abrigo onde se esconder quando estiver se afogando na chuva, ou sendo quebrado pelo frio, ou sendo revirado pelo vento?
Temos um esplêndido passado pela frente?
Para os navegantes com desejo de vento, a memória é um ponto de partida."

"Somos porque ganhamos. Se perdemos, deixamos de ser."

"Não importa de onde vim, mais sim aonde quero chegar."

"O corpo não é uma máquina como nos diz a ciência. Nem uma culpa como nos fez crer a religião. O corpo é uma festa."

"A utopia está lá no horizonte.
Me aproximo dois passos, ela se afasta dois passos.
Caminho dez passos e o horizonte corre dez passos.
Por mais que eu caminhe, jamais alcançarei.
Para que serve a utopia?
Serve para isso: para que eu não deixe de caminhar."

"O mundo
Um homem da aldeia de Negu・ no litoral da Colômbia, conseguiu subir aos céus.
Quando voltou, contou. Disse que tinha contemplado, lá do alto, a vida humana. E disse que somos um mar de fogueirinhas.
— O mundo é isso — revelou — Um montão de gente, um mar de fogueirinhas.
Cada pessoa brilha com luz própria entre todas as outras. Não existem duas fogueiras iguais. Existem fogueiras grandes e fogueiras pequenas e fogueiras de todas as cores. Existe gente de fogo sereno, que nem percebe o vento, e gente de fogo louco, que enche o ar de chispas. Alguns fogos, fogos bobos, não alumiam nem queimam; mas outros incendeiam a vida com tamanha vontade que é impossível olhar para eles sem pestanejar, e quem chegar perto pega fogo."

“As pulgas sonham em comprar um cão, e os ninguéns com deixar a pobreza, que em algum dia mágico de sorte chova a boa sorte a cântaros; mas a boa sorte não chova ontem, nem hoje, nem amanhã, nem nunca, nem uma chuvinha cai do céu da boa sorte, por mais que os ninguéns a chamem e mesmo que a mão esquerda coce, ou se levantem com o pé direito, ou comecem o ano mudando de vassoura."

"Os ninguéns: os filhos de ninguém, os dono de nada.
Os ninguéns: os nenhuns, correndo soltos, morrendo a vida, fodidos e mal pagos:
Que não são embora sejam.
Que não falam idiomas, falam dialetos.
Que não praticam religiões, praticam superstições.
Que não fazem arte, fazem artesanato.
Que não são seres humanos, são recursos humanos.
Que não tem cultura, têm folclore.
Que não têm cara, têm braços.
Que não têm nome, têm número.
Que não aparecem na história universal, aparecem nas páginas policiais da imprensa local.
Os ninguéns, que custam menos do que a bala que os mata.”

"De nuestros miedos
nacen nuestros corajes
y en nuestras dudas
viven nuestras certezas.
Los sueños anuncian
otra realidad posible
y los delirios otra razón.
En los extravios
nos esperan hallazgos,
porque es preciso perderse
para volver a encontrarse."

"Quando as palvras não são tão dignas quanto o silêncio, é melhor calar e esperar."

"Na parede de um botequim de Madri, um cartaz avisa: Proibido cantar. Na parede do aeroporto do Rio de Janeiro, um aviso informa: É proibido brincar com os carrinhos porta-bagagem. Ou seja: Ainda existe gente que canta, ainda existe gente que brinca."

"Na luta do bem contra o mal, é sempre o povo que morre."

"Somos o que fazemos, mas somos, principalmente, o que fazemos para mudar o que somos."

Estava para publicar algo sobre Eduardo Galeano desde 2010 quando a amiga colombiana Claudia Lotta me apresentou um trecho do livro "O Teatro do Bem e do Mal".
Por mais que este trecho tenha mexido comigo e tem tudo haver com o que penso sobre o Mundo ainda não era o momento...
Hoje em minhas pesquisas sobre "o fogo" me deparo novamente com o escritor em "Memória do fogo" apresentado por outra amiga, a artista Thais Beltrame.

Agora é o momento!

Brincando com Fogo _ Etsuko Ichikawa

2011-08-16T11:56:00.005-03:00

My work is a continuing investigation of what lies between the ephemeral and the eternal.
Moment and memory, absorption and evaporation, light and shadow are some of the triggers that inspire me and relate to my work. My “glass pyrographs” are made by drawing hot molten glass, which is one way to capture and eternalize the immediacy of a moment, while my hanging and floating installations are about ever-changing states of mind.
Some of the mediums that I work with are glass, fiber, and video, and the scale of work varies from small two-dimensional work on paper to large-scale installations.
Born and raised in Japan and having lived in the United States for over the past fifteen years, I recognize my dual cultures as defining influences and psychology as my primary source of inspiration.

fonte:
www.theanthropologist.net
www.etsukoichikawa.com

Cavalera Art Projects apresenta COLETIVO PARABOLA _ TODOS UM

2011-08-09T15:04:00.005-03:00

COLETIVO PARABOLA apresenta TODOS UM
de 11 de Agosto de 2011 à 30 de Setembro de 2011

Sobre a exposição_

Bebendo da fonte de várias filosofias, religiões e crenças, a espiritualidade é o tema guia da criação do Coletivo Parábola, formado por Carolina Tsai, Felipe Vieira, Guilherme Vieira, Gustavo Barros Rocha, Henrique Vieira, Rafael Hayashi, Renato Rangel e Samuel Sasano de Paula.
Levantam questões sobre a relação da alma com o mundo, digerem e transformam-nas em um panteão pessoal de imagens hipnotizantes; cada trabalho merece muito tempo de contemplação, um mergulho em tantos detalhes e simbologias. Outra característica que deve ser destacada é a ligação sincera com a arte: os artesãos, como preferem ser denominados, usam o fazer artístico como ferramenta de meditação e auto-descoberta.
Dessa forma, a evolução dos trabalhos, tanto formal quanto poeticamente, acompanha o crescimento dos artistas como seres humanos e é latente em sua produção, apresentada pela primeira vez na Cavalera Art Projects.

COLETIVO PARABOLA presents TODOS UM
August 11th to September 30th, 2011

About the exhibition _

Spirituality is the guide theme to the creations of Coletivo Parabola, whose work sip references from several philosophies, religions and beliefs. The collective is composed of Carolina Tsai, Felipe Vieira, Guilherme Vieira, Gustavo Barros Rocha, Henrique Vieira, Rafael Hayashi, Renato Rangel and Samuel Sasano de Paula.
In their works, they raise and digest questions about the relation between the soul and the world, and transform them into a personal pantheon of mesmerizing images. Each piece deserves a good contemplation time, a dive in the details and symbology.
The group`s sincere bond with art is another important aspect: the artisans, as they rather be called, use the art making as a tool for meditation and self-discovery.
In this way, the poetic and formal evolution of their works walks side by side with the growth of the artists as human beings. Coletivo Parabola will be presented first hand at Cavalera Art Projects.

Local:
Cavalera Art Projects
Alameda Lorena, 1922 - Jd. Paulista - São Paulo - SP - Brasil
+55 11 3061-2356
info@capgallery.com
Aberto de Terça-feira à Sábado das 12h as 19h.

Contemporânea Art _ Paraty Festival Internacional das Artes Visuais _ 2011

2011-07-25T18:18:00.010-03:00

Com seu centro histórico tombado como Patrimônio Nacional devido à riqueza harmoniosa de sua arquitetura colonial, e sediando eventos de renome nas áreas de literatura, fotografia, música e cinema, Paraty, localizada no sul do Estado do Rio de Janeiro, estabeleceu-se como um forte pólo cultural no Brasil, agora unindo forças na divulgação e consolidação das artes visuais.
Os eventos de abertura da primeira edição do Contemporânea Art Paraty Festival Internacional das Artes Visuais, que completa a programação cultural de Paraty, RJ, inserindo-se no calendário da cidade, ocorrem entre os dias 29 e 31 de julho de 2011. Tendo em mente a efervescência cultural da cidade, somada à grande quantidade de ateliês de artistas ali residentes, o artista italiano Cesare Pergola, que escolheu há anos o Brasil como residência e administra uma galeria de arte contemporânea em Paraty, idealizou o festival em parceria com o produtor cultural Pedro Cler. Fator fundamental para a empreitada foi o sucesso da primeira edição, realizada em 2010, do Prêmio Belvedere Paraty, concurso de Arte Contemporânea também organizado por Cesare e sua galeria.
O Contemporânea Art Paraty Festival Internacional das Artes Visuais apresenta uma programação bastante variada. Além de exposições, tanto de nomes nacionais quanto internacionais, estão programadas palestras e mesas redondas, homenagem a Emanoel Araujo, premiação do concurso de arte, oficinas para crianças. Até mesmo restaurantes preparam pratos especiais para seus cardápios relacionados às artes, integrando também o circuito que tomará a cidade.
A Igreja do Rosário foi o local escolhido como ponto central dos eventos do Contemporânea Art Paraty. Pela primeira vez em sua história a edificação, patrimônio datado de 1825, abre suas portas para um evento de arte. Na igreja será realizada a abertura oficial do festival e um cortejo com grupo de maracatu, abrindo as exposições. Nos demais dias ocorrerão palestras, mesas redondas e projeções.
Para a primeira edição do Contemporânea Art temos ainda exposições a céu aberto, com as ruas da cidade ilustradas com temas relacionados a importantes movimentos artísticos: impressionismo, abstracionismo, modernismo, surrealismo, pop art, cubismo e expressionismo. Essas ruas ficam decoradas até o dia 07 de agosto com reproduções de obras de alguns dos grandes mestres da História da Arte mundial, democratizando o acesso às artes. Além disso, restaurantes e bares locais criarão pratos e drinques homenageando um artista de renome do movimento que caracteriza a rua onde o estabelecimento está localizado.
Em 2011, dando início a uma tradição que se repetirá nos anos seguintes, o Contemporânea Art Paraty prestará tributo a um artista plástico brasileiro com carreira consolidada. Na edição inaugural, o homenageado é Emanoel Araujo, escultor, desenhista, gravurista, figurinista, ilustrador, cenógrafo, pintor, curador, museólogo e amante das artes. Além de ministrar palestra e expor um recorte de seu trabalho em mostra individual na Casa da Cultura, Emanoel convida para o festival seis artistas com cujos trabalhos se identifica, e estes terão obras expostas nos espaços compartilhados com artistas locais em seus ateliês (relação abaixo).
Como parte da agenda do Contemporânea Art Paraty ocorre a última etapa do Prêmio Belvedere Paraty 2011. Os 30 artistas selecionados para a fase final da premiação terão suas obras expostas na Galeria Belvedere e o vencedor será anunciado no dia 30 de julho. Khaori Wakamatsu, vencedora de 2010, terá exposição individual no Espaço do IPHAN. Em todas as edições do Contemporânea Art, aliás, acontece exposição individual do vencedor da edição do ano anterior do Prêmio Belvedere. O festival tem entre suas missões a de promover integração entre artistas de Paraty com artistas de outras partes do Brasil e do mundo. Nessa primeira edição ocorre intercâmbio de nomes paratienses com brasileiros de outras localidades, além de Benin e Espanha.
O evento conta ainda com uma mostra especial de seis artistas plásticos tailandeses, convidados pelo organizador. Essa exposição coletiva terá curadoria de Maitree Siriboon, artista tailandês em ascensão e curador da White Space Gallery, em Bangkok, cujo trabalho já foi exposto em países como Itália, Holanda, Inglaterra, China e Malásia.

www.contemporaneaartparaty.com.br

RUA FESTIVAL

2011-07-15T17:36:00.004-03:00

Rua Festival
Concept and Idealization - Anouk Piket
Film Director - Gustavo Amaral

Um dos melhores eventos que já participei.

Galerias de Arte Urbana - programa Manos e Minas - TVCultura _ 25/06/2011

2011-07-15T17:29:00.003-03:00

Agora em Porto Alegre no Tutti Giorni. Lançamento do livro "Tenho Pena de Você" de Thais Ueda e Alex Hornest.

2011-07-02T02:46:00.008-03:00

Alex Hornest e Thais Ueda convidam para mostra dos desenhos originais e noite de autógrafos do livro "Tenho Pena de Você".

Dia 5 de Julho de 2012, Terça-Feira, a partir das 19h30.

Serviço:
Título: Tenho pena de você
Autores: Alex Hornest e Thais Ueda
Páginas: 104 (capa dura)
Papel: Alta Alvura
Editora: Item72 for Collectors
Impresso no Brasil 2010
ISBN 978-85-910945-0-9
Tiragem: 1.000 exemplares

Local: Tutti Giorni
Av. Borges de Medeiros, 788.
Altos do Viaduto, Esq. Duque de Caxias.
Porto Alegre - RS
grafartutti@gmail.com

Next: A Primer on Urban Painting

2011-06-20T12:58:00.010-03:00

NEXT: A PRIMER ON URBAN PAINTING is a documentary exploration of graffiti-based visual art as a world culture. The filmmaker profiles the art form in nine countries including USA, Canada, France, Holland, Germany, England, Spain, Japan and Brazil. A combination of verite moments and interviews with painters, "writers", designers, documentarians and other participants within the subculture, the film conveys the dynamism and creative brilliance of this important emerging artistic movement.

Directed, Produced and Written by Pablo Aravena
Canada, English, 2005, 95 min.

Muito antes de toda essa onda houve um diretor visionário que percebeu o que estava acontecendo em matéria de arte urbana e se lançou pelo Mundo com a intenção de documentar aquele momento.

Anish Kapoor's first exhibition in India.

2011-06-20T12:01:00.014-03:00

Maket

Anish Kapoor's first ever exhibition in India was never going to be small. The Mumbai-born artist and the Lisson Gallery spent 10 years searching for a venue capable of housing his monumental sculptures, without success. Finally, in a typically ambitious move, they decided to take on two - the National Gallery of Modern Art in New Delhi and the Mehboob Film Studios in Mumbai. With each simultaneously focusing on a different strand of his colourful output, the exhibition features everything from his early pigment pieces to new works fresh from his London studio, round which he recently took Wallpaper* on a tour.
'I believe that to make new art, you need to make new space,' he says of his Mirror series, to which he's added two new works, on show in Delhi and Mumbai. 'These works speak about the area in front of them,' he explains.
The artist has long played with concave, negative forms, which draw the viewer into the sculpture, often to mind-bending effect. 'Much art is very static but Anish, with great persistence, explores the idea where the work does not just look back at you but allows you to see yourself in a new perceptual context,' says Lisson Gallery founder, Nicholas Logsdail.
Of course, Kapoor's work also confronts notions of space simply with its audacious scale - from those vast Cor-Ten steel creations to his wax series, which dominated his recent show at London's Royal Academy (the most successful show of a living artist ever held in the city). One of that exhibition's must staggering pieces - 'Shooting into the corner', comprising a canon firing blood-red wax - has been shipped over to Mumbai's Mehboob Film Studios, joined by a new wax piece, titled 'Stack'.
Over in Delhi, the National Gallery of Modern Art had to expand the entrance to its new wing to get some of Kapoor's epic sculptures inside, including his stainless steel 'S-Curve'. It is also playing host to some of his smaller, seminal pigment pieces from the 1980s, which reference piles of powdered pigment found in Indian markets. 'They were an astonishingly innovative outpouring of sculptural ideas that remain a touchstone for his work today,' says Andrea Rose, the shows co-curator and the director of Visual Art at the British Council, which is mounting the exhibition alongside the Lisson Gallery, with sponsorship from Louis Vuitton.
The Turner Prize-winning artist (1991) grew up in Mumbai but moved to London in the early 1970s, so this exhibition is something of a homecoming for Kapoor. 'I'm slightly afraid of it, to be perfectly honest,' he says. 'Not because I'm afraid of being judged, but there's something wonderfully mysterious about absence.' Although he has produced vast public sculptures all over the world - and work is just beginning on his ArcelorMittal Orbit tower at London's Olympic Park - he has only had one fleeting installation of outdoor work in India. But risk-taking and adventure has always been crucial to Kapoor's work, whether in terms of the scope of the project or the creative process involved. 'As artists, we need to not know what we're doing, otherwise we're always living in the rational world,' he says. 'We have to dare to go further.'

By Malaika Byng to www.wallpaper.com

Leviathan - P.V.C - 33,6 × 99,89 × 72,23 m - Anish Kapoor - 2011

Interview with the artist Anish Kapoor by Bloomberg

O que me fascina na obra de Anish Kapoor não são as proporções e sim o diálogo com o espaço.

OFFF Barcelona 2011 _ Main Titles

2011-06-13T21:35:00.006-03:00

Written by Mischa Rozema and British graphic designer, Si Scott, the opening titles reflect their dark thoughts on a possible future. Directed by Mischa and shot on location in Prague, the film guides the viewer through a grim scenario embedded with the names of artists appearing at this year’s OFFF festival. The live action was brought back to Amsterdam for post, primarily carried out by PostPanic’s in-house team of artists but also with the additional help of freelancers and partner companies that we have enjoyed strong creative relationships with over the years. It’s really fair to say that this was a labour of love by a passionate crew of people.

Mischa Rozema, Director, says:
“We knew we wanted to make something that would unsettle and menace the audience. It was always going to be dark but also highly aesthetic. This project has filled our spare hours for the past 6 months and it is incredibly satisfying to work on something that we were given complete creative freedom on – that’s a rare luxury these days.”

Says Ania Markham, Executive Producer at PostPanic:
“The images created by the crew of people working on the titles has been unbelievable, with nationalities represented including Dutch, Czech, English, Polish, German, Swedish and Belgian. It’s been a great opportunity for all of us to work together on a non-commercial project we’re passionate about and we’re so proud of the combined effort and final result.”

CREDITS
Directed by Mischa Rozema
Story by Mischa Rozema & Si Scott
Production Company: PostPanic
Executive Producers: Jules Tervoort, Ania Markham
DoP: Jiri Malek, Mischa Rozema
Music & Sound Design: Hecq
Senior Producer: Annejes van Liempd
Production Assistant: Jacinta Ramaker
Production Designer: Roland Mylanus
Editor: Mischa Rozema

Prague Cast:
Main Hero: Vladan Bláha
Grafitti Guy: Tom Malar
Main Hero Sister: Katerina Galova

Post-Production: PostPanic
CG Supervisor: Ivor Goldberg
VFX Supervisor: Chris Staves
3D Artists: Jeroen Aerts, Matthijs Joor, Jurriën Boogert, Marnix Reckman, Adam Janeczek
2D Artist: Erwin van den IJssel
3D Interns: Cara To, Xander Clerckx
2D Interns: Mathijs Luijten, Per Westholm
Compositing: Chris Staves, Ivor Goldberg, Adam Janeczek, Matthijs Joor
Graphic Designs: Si Scott
Additional Graffiti Elements: Florian Stumpe
Matte Painting: Wieger Poutsma
Additional 3D and Compositing: Storm PostProduction

Production (Prague) by Savage:
Executive Producer: Klara Kralickova, Pavla Burgetova Callegari
Producer: Michaela Berkova
Production Assistant: Vojta Ruzicka
Prop master: Jan Fiala
Location Scout & Management: Petr Bastar, Adam Fuchs
Location: CREVISTON, a.s.
Tattoos made by: Wowa tattoo prague

Acabou de sair do forno a abertura do OFFF Barcelona 2011.
Este recorte tem um pouco de tudo que a gente já viu e gosta dos filmes de ação/suspense/terror/ficção e vídeo clips de diretores revolucionários.
As aberturas estão melhores a cada ano.
Sou suspeito... Acompanho desde 2007.

Abuela Grillo

2011-06-13T11:21:00.007-03:00

Abuela Grillo

Corto animado producido en The Animation Workshop en Viborg, Dinamarca, por The Animation Workshop, Nicobis, Escorzo, y la Comunidad de Animadores Bolivianos, el cual tiene el apoyo del Gobierno de Dinamarca. Animado por 8 animadores bolivianos, dirigido por un francès, musica por la ambasadora de Bolivia en Francia, Luzmila Carpio, composida por un otro francès, un proyecto danès, ajuda de produccion por un mexicano y una allemana. Adaptado de un mito ayoreo.

Animated short-film produced in The Animation Workshop in Viborg, Denmark. By The Animation Workshop, Nicobis, Escorzo, and the Community of Bolivians Animators and is supported by the Danish Government. Animated by 8 bolivians animators, directed by a french, music by the bolivian embessador in France, Luzmila Carpio, composed by another french, a danish project, hepled for the production by a mexican and german. Adaptaded from mito ayoreo.

Gracias Bastardilla!

ARTAQ AWARDS 2011 - THE WINNERS

2011-06-13T11:05:00.005-03:00

Hello to all,
Here are the results of the vote of the jury o the 2nd Artaq Awards. The level was very high and we thank all the artists for their participation.
Rendez-vous in Angers from 26 till 29 May 2010 for the Artaq festival in Angers ! >>> All details (30 th of march): www.artaq.eu

Bonjour à tous,
Voici les résultats des votes du jury des 2nd Artaq Awards. Le niveau a été très élevé et nous les remercions tous les artistes pour leur participation et leur enthousiasme.
Bravo à tous. Rendez-vous du 26 au 39 mai 2010 pour le festival Artaq à Angers ! >>> Tous les détails à partir du 30 mars 2011 : www.artaq.eu

Agora a Street Art possui premiação...

ONESTO _ encontro com o artista

2011-06-08T10:22:00.007-03:00

O Menelick2ºAto apresenta:
ONESTO _ encontro com o artista

Palestra e autografos do livro ONESTO - Ed. Zupi

Sábado - 11/Junho/2011
Das 17h às 19h
Local: Casa da Preta
Rua Inácio Pereira da Rocha, 293 - Vila Madalena - São Paulo - SP

Aktuell _ 10º Projeto Portfólio

2011-06-02T11:43:00.007-03:00

Fotos: divulgação

A Aktuell está sediando a 10ª edição do Projeto Portfólio, plataforma de artes visuais da agência que apresenta talentos de jovens artistas da cena contemporânea. Muros, paredes, corredores e o elevador da agência abrigam a exposição, que dura três meses (até Julho) e é aberta ao público, com visitação agendada e gratuita.

Nesta edição, os artistas convidados são Alex Hornest (mural), Guilherme Galarraga (fotografia) e Evandro Machado (vídeo e desenhos). As obras são expostas nas Galerias Muro, Parede e Elevador. Para abrir a exposição haverá um vernissage na própria agência, localizada na Zona Sul de São Paulo.

Alex Hornest, artista paulistano também conhecido como Onesto, expõe pintura exclusiva no muro da agência, inspirada na relação entre as cidades e seus habitantes. Na Galeria Parede, Guilherme Galarraga, gaúcho de Porto Alegre e que hoje vive em Berlim, apresenta uma série produzida por meio da técnica pinhole (modelo precursor da fotografia atual), realizada a partir de uma câmera feita de caixa de fósforo e negativo preto e branco. Já o catarinense Evandro Machado expõe na Galeria Elevador três de seus vídeos recentes, em que explora técnicas de animação.

Para a curadora do projeto, Alessandra Marder, os três trabalhos, apesar de abordarem temáticas distintas, apresentam similaridades por serem desenvolvidos a partir de processos manuais ou artesanais. Segundo o presidente do Grupo Aktuell, Rodrigo Rivellino, o projeto Portfólio enaltece a produção artística autoral e ao mesmo tempo oxigena o ambiente da agência.

“Nesta décima edição do projeto, apresentamos três novos talentos que não só vão inspirar nosso cotidiano por meio de seus trabalhos, mas também instigar a reflexão sobre os métodos e ferramentas que utilizamos em nosso dia-a-dia”, afirma o presidente do grupo. A agência, junto com a Atto Sports (marketing esportivo), iTrade (trade marketing) e AK (agência on line), integra o Grupo Aktuell.

Serviço:
10° edição do Projeto Portfólio
Aktuell - Rua Edison, 11, Campo Belo - São Paulo/SP
Entrada Franca
Informações: (11) 3775-9889

o menelick _ segundo ato_05

2011-06-02T11:07:00.004-03:00

livro transfer

2011-06-02T11:00:00.003-03:00

TRANSFER
Arte urbana & contemporânea transferências e transformações, um livro lançado pela Editora ZY e que teve origem na mostra de mesmo nome, realizada entre julho e outubro de 2010 no Pavilhão das Culturas Brasileiras do Parque do Ibirapuera, em São Paulo, sob curadoria de Lucas Peixão.
Sobre o livro:
Editado pela pela ZY, em parceria com a Conceito – Consultoria em Produções Culturais, com patrocínio do banco Santander, por meio do Santander Cultural, o livro conta com 228 páginas que abordam todo o universo da mostra.

ISBN: 978-85-60370-05-4

Mesa para dois _ Flavia Guerra _ O Estado de S.Paulo

2011-06-02T09:54:00.011-03:00

Alex Hornest _
Cresceu na periferia, começou 'Pintando Letras', virou o artista de graffiti 'Onesto'; hoje é pintor, escultor, artista multimídia e curador da Cavalera art Projects.
por Flavia Guerra para O Estado de S.Paulo

Em geral, quem tem oportunidade de se tornar artista plástico no Brasil está mais ligado à elite. Sentiu dificuldade de entrar para o mundo das artes por ter crescido no subúrbio paulistano?
Minha infância foi de um típico garoto de classe média da periferia. Poderia até ter sido difícil, mas eu não percebia, tamanha a vontade de fazer as coisas. Tenho um tio que é pintor. Sempre que ia visitá-lo, era uma alegria. E sempre gostei de trabalhar com materiais alternativos, com coisas que catava na rua, o que "barateava" a criação.

Crescer em uma cidade como São Paulo foi decisivo?
Sim. Aqui há, além da realidade, a informação. Na periferia, que em geral não tem opções de lazer e cultura, o graffiti muda o lugar, amplia seus horizontes.

Por isso que graffiti e pixação estão tão ligados à periferia?
Sim. Acaba sendo, sim, uma arte social. Participei de todo o movimento de arte urbana, punk, "faça você mesmo", fanzines. Não se depende de nada para pintar na rua. Só de disposição de fazer algo com paixão.

Graffiti é diferente de pixação?
Não. O princípio dos dois é aparecer, deixar marca. Um tem cor. Outro não. Comecei pintando letra. Pixação é arte. Pixadores desenvolvem uma caligrafia própria. Graffiti é tag. E tag é escrever seu nome na rua. Muitos artistas estrangeiros que vêm para cá, vêm por causa da piXação.

Foi difícil fazer a transição do graffiti para as galerias?
Não, porque o grafite me ajudou. Viam meu trabalho na rua e me convidavam para expor em galerias. Mas recusava. Tinha a idéia de que grafite era anonimato, pintar onde não era autorizado.

Por isso você é Alex Hornest para a pintura, escultura, exposição, e Onesto para o graffiti?
Sim. Para separar as duas áreas. Quando aceitei expor em uma galeria, ainda que tenha levado novos materiais, sabia que as pessoas queriam ver elementos do meu graffiti. Confesso que isso me incomodava. Hoje lido de outra forma.

Tanto que é curador da CAP.
Sim. Foi convite do Alberto Hiar (diretor executivo da Cavalera). Na Cavalera Art Projects, além de mostrar o trabalho de jovens artistas. Atraímos jovens que não são freqüentadores de museus. É uma troca instigante.

"Tenho Pena de Você" na TAG AND JUICE dia 18 de maio.

2011-05-16T19:26:00.020-03:00

Título: Tenho Pena de Você
Autores: Alex Hornest e Thais Ueda
Páginas: 104 (capa dura)
Papel: Alta Alvura
Editora: Item72 for Collectors
Impresso no Brasil 2010
ISBN 978-85-910945-0-9
Tiragem: 1.000 exemplares

Dia 18.05.2011 _ Quarta-Feira das 18hr as 21hr.
Mostra dos desenhos originais e noite de autógrafos do livro.

Local:
Tag and Juice
Rua Gonçalo Afonso, 99 - Vila Madalena
São Paulo - SP
CEP 05436-100
Tel.: 11 2362-6888 / 2368-9361
contato@tagandjuice.com.br

Sudamerica Graffiti Meeting _ 2011 _ Quito _ Equador

2011-05-09T01:40:00.006-03:00

SGM 2011 _ Lo mejor de Latinoamerica en un solo lugar.

Ecuador has the pleasure to be the focus and center of discussion on the universal language called "Graffiti - Street Art."
Quito, the capital of Ecuador, will host the second "SUDAMERICA GRAFFITI MEETING" in which more than 60 artists will take part,
from countries such as: USA, Mexico, Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Peru, Chile, Argentina, Brazil and Ecuador.
The meeting will take place from April 22 - 24 (Spring Break), the event is organized by a local crew (MFC) with the collaboration of
the Northern Zonal Administration in the Metropolitan District of Quito.

Quito 2011
Direção, imagens e edição: Binho _ Terceiro Mundo

Em exibição.

2011-04-18T18:17:00.018-03:00

Anderson Resende apresenta "Fantasia" _ de 07 de Abril de 2011 à 31 de Maio de 2011
Local: Cavalera Art Projects
Visitação de terça a sábado, das 13h às 18h
Rua Alameda Lorena, 1922 - Jardim Paulista
11 3061-2356
www.capgallery.com

Sobre a exposição _

Fantasia é o título da primeira exposição individual do pintor e desenhista Anderson Resende, que tem curadoria de Alex Hornest.
As obras apresentadas transitam entre objeto, escultura e instalação, criando um universo lúdico e particular. Retratos de homens e animais de linhas pretas sobre superfícies brancas convidam a nossa imaginação a se perguntar por que precisamos sonhar.
Inspirado por cenas do cotidiano e experiências de vida, Anderson Resende nos convida a refletir sobre aquilo que fantasiamos e almejamos. Dessa forma, cria imagens que residem apenas em sonhos e delírios, que nos faz pensar o que é ideal para a existência em um mundo irreal.
Criada originalmente em 2008 para exibição na 111 Minna Gallery, em São Francisco, EUA, a série de desenhos intitulada “Felizes” completa a exposição, apresentando uma nova roupagem.

No texto a seguir, o fotógrafo e pintor Alexandre Orion descreve a série:

“ Com rara qualidade técnica e extrema energia em seu desenho, Anderson Resende retrata corpos que carregam as marcas da vida. Seus desenhos são como gravuras. O artista escava o papel com a mesma precisão e força de um gravador.
Sem esboço e sem rascunho, cada desenho é único. A sobreposição de traços gestuais feitos à nanquim criam marcas tão definitivas quanto a escrita do tempo que envelhece o corpo. Cada linha traçada pelo artista conta uma história que se torna uma ruga deixada na pele do papel. Resende retrata o exterior, mas nos mostra o que há por dentro.
O artista desenha o “envelhecido” para tratar da “experiência”; a “morte” para tratar da “imaterialidade”; desenha o “corpo” para falar do “espírito”. O impacto de suas obras não está no tema, mas no sentido, tão profundo quanto os olhos das figuras que retrata. Figuras que nos mostram imagens vividas que carregam a idade da alma.
Felizes porque sorriram e choraram. Felizes os que não temem a morte.”

Sobre o Artista _

Anderson Resende - 1973 • BR • vive e trabalha em SP
www.flickr.com/photos/insoluvel

Anderson Resende é um exímio desenhista que transita entre a pintura, escultura e animação 2D, utilizando materiais nada convencionais para realizar suas obras.
Isso se deu no começo dos anos 90, quando começou a trabalhar como assistente de animação nos estúdios Daniel Messias, na época, um dos mais conceituados da América Latina. Lá teve oportunidade de conhecer técnicas experimentais de animação utilizadas e criadas em outras partes do mundo. Essa bagagem o levou a explorar o universo de outras vertentes da arte e, com o passar do tempo, desenvolveu técnica e estilo próprio, que hoje são reconhecidos e premiados em festivais de propaganda e entretenimento. Hoje, em suas pinturas, desenhos e animações, utiliza materiais como cloro, cera de abelha, suco de limão e fogo, aplicando nos mais variados suportes que vão do papel à madeira, criando aspectos inconfundíveis em seu trabalho.

Exposições Individuais _

2011 _ FANTASIA - Cavalera Art Projects - São Paulo - SP

Exposições Coletivas _

2011 _ PRÓXIMO OLHAR - Cavalera Art Projects - São Paulo - SP
2009 _ A MULHER DO PADRE - AMP - São Paulo - SP
2008 _ FELIZES - 111Minna Gallery - San Francico - USA
2005 _ AMNI Hot Spot - São Paulo - SP
2004 _ ELLUS 2ND FLOOR - São Paulo - SP

Desafiando seus limites.

2011-03-05T09:22:00.012-03:00

FREE FALL
World champion freediver Guillaume Nery special dive at Dean's Blue Hole, the deepest blue hole in the world filmed entirely on breath hold by the french champion Julie Gautier.
This video is a FICTION and an ARTISTIC PROJECT.
Director: Guillaume Nery
Edited by BLUENERY (c).
Music: ARCHIVE - you make me feel.

101 Meters World Record - "Save The Dolphins"
Here is William Trubridge attempting to break the world record of freediving the deepest in history...diving straight down with no fins, no oxygen, no assistance, in an effort to make awareness that we need to protect our wildlife, and specifically our dolphins. (This is the basic dive video... the more intense, artful version will be done in February, :) This is more of a prelude...
Directed by Matthew Brown

THE PROJECT HECTOR TEAM
Charlie Beede - safety freediver
Brian Pucella - safety freediver
Alfredo Romo - safety freediver
Jason Sapps - deep camera
Brian Kakuk - deep camera
Paul Heinerth - deep camera
Nic Rowan - surface camera
Matthew Brown - surface camera/editor
Igor Liberti - photographer
Paolo Valenti - photographer
Thomas Ardavany - medic
Brittany Trubridge - coach

THE AIDA JUDGES
Ute Geßmann
Ben Weiss

verticalblue.net

Não sou nada perante as forças da natureza.
Mas sei o que fazer para que possamos viver em harmonia.

Publicações 2010.

2011-03-02T10:27:00.014-03:00

Tenho pena de você
Autores: Alex Hornest e Thais Ueda
Ed. Item 72 for collectors
ISBN: 978-85-7060-934-2

A Mão Afro-Brasileira
Significado da Contribuição Artística e Histórica
The Hand of Afro-Brazilian
The Significance of its Artistic and Historical Contribution
Volume I e II - 2ª edição revisada e ampliada
Realização : Imprensa Oficial e Museu Afro-Brasil
Organização: Emanoel Araujo
Ed. Imprensa Oficial
ISBN: 978-85-7060-934-2

Museo De La Solidaridad Salvador Allende
Estéticas, sueños y utopías de los artistas de Brasil por la libertad
Nuevas Donaciones
Projecto e organización: Emanoel Araujo
Ed. Imprensa Oficial
ISBN: 978-85-7060-816-1

Sketchbooks - As páginas desconhecidas do processo criativo.
Autores: Cezar de Almeida e Roger Basseto
Apresentação de Charles Watson
Ed. POP
ISBN: 978-85-98741-26-0

Mural Art - Vol.3
Murals on ruge public surfaces around the world fom graffiti to trompe l' oeil
Autor: Kiriakos Losifidis
Ed. Carpediem
ISBN: 978-3-939566-28-1

Rooms Magazine - Art Uncovered - Issue 02

Adoro livros e revistas. Ainda mais quando meus trabalhos estão neles.
I love books and magazines. Even more when my works are in.

Nuevo Mundo - Latin American Street Art

2011-03-02T09:27:00.006-03:00

Nuevo Mundo - Latin American Street Art
Editor: Maximiliano Ruiz
Ed. Gestalten
ISBN: 978-3-89955-337-6

One could argue that today’s most innovative street artists come from Latin America. The unique visual styles of Onesto aka Alex Hornest, Os Gêmeos, Bastardilla, Vitché, Saner, Jorge Rodriguez Gerada, and others are not only highly respected in the international art scene, but their work has also been exhibited at renowned museums including the Tate Modern and Fondation Cartier.

Nuevo Mundo is the first book to provide a comprehensive documentation of current street art in Latin America by exploring the full spectrum of regional scenes in their impressive diversity. The book is structured into chapters that introduce work from Argentina, Brazil, Central America, Chile, Columbia, Cuba, Ecuador, Mexico, Paraguay, Peru, Uruguay, and Venezuela.

Nuevo Mundo features not only established artists from Latin America, but also promising new talents. In addition to inspiring images, the book’s informed texts describe the history and context of the region as a whole and also give insight into each scene.

The explosive mixture of indigenous cultures, local folklore, and the history of European colonization has created a unique visual style. The high regard in which these young street artists are now held around the world is a sign of the new self-confidence of an entire continent. Maximiliano Ruiz has explored for years the subject of Latin American street art as author, curator, and film director. Previously based in Buenos Aires, he now works from Barcelona.

Thais Ueda apresenta: Excesso

2011-02-16T17:44:00.005-02:00

Thais Ueda apresenta: Excesso

De 18.02.2011 a 28.02.2011
Local: Tateyama Gallery
1-5-14 Toyama Ken Toyama Shi Hansumachi
Tel: 076-437-9616

Sobre a exposição _
A idéia da artista é levar o expectador a pensar nos excessos que passam despercebidos no dia-a-dia, exageros que são visto e tratados como se fossem fundamentais para o bom funcionamento da rotina dos habitantes das grandes cidades. Libertando-se dos excessos de traços, gestos e materiais Thais Ueda não utiliza mais do que grafite e papel para apresentar e discutir de modo subjetivo este mal da nossa época.

Sobre a artista _
Thais Ueda é desenhista e trabalha com técnicas diversas, transitando entre pintura, desenhos e objetos. Dona de um traço delicado, chama a atenção por suas criações extremamente sensíveis e, ao mesmo tempo, voluptuosas. O universo feminino é o mote principal de suas obras, ela desenha mulheres que parecem flutuar em fundos brancos, excluindo qualquer traço do mundo exterior. Seus desenhos costumam ter formatos pequenos e ser em preto e branco, no intuito de instigar a proximidade do olhar.

Sobre a galeria _
A Galeria Tateyama está localizada nas imediações do Baba Memorial Park próximo à estação de trem Hansumachi - área de grande circulação de pessoas, em especial de estudantes. Seu acervo é composto por obras como xilogravuras japonesas (nihonga), ukiyoe (gravuras do período Edo), kakejiku (desenhos aplicados sobre um rolo de papel suspenso) e gravuras asiáticas. Apesar de não ser uma grande galeria comercial, a Tateyama é bastante ativa no meio artístico da Província de Toyama e sua curadoria tem aberto cada vez mais espaço para arte contemporânea. Vale ressaltar que esta é a primeira vez que a galeria recebe a exposição de uma artista brasileira, o que pode ser o inicio de um intercâmbio cultural entre artistas japoneses e latino-americanos nesta cidade.

Cavalera ART PROJECTS orgulhosamente apresenta a exposição coletiva "PRÓXIMO OLHAR".

2011-02-10T09:59:00.006-02:00

Cavalera ART PROJECTS apresenta

_Próximo Olhar_
de 10 de Fevereiro de 2011 a 31 de Março de 2011
Abertura 10/02 as 18:00 hr.

Artistas convidados_
Anderson Resende . Becky Yee . Bruno Kurru . Claudio Ethos . Choque Photos . Flávio Samelo . Kristen Uhrich . Maurício Adinolfi . Monica Rizzolli . Seitaro Kuroda . Sidney Amaral . Thais Ueda . Tifenn Python

Sobre a exposição_

A exposição coletiva Próximo Olhar propõe a reunião e a exibição de uma pequena, mas significativa parcela de artistas contemporâneos nacionais e internacionais, que com suas obras promovem, divulgam e traçam um panorama do que está acontecendo dentro e fora do país em matéria de artes visuais.
A mostra Próximo Olhar se torna um passeio por meio de universos, onde idéias, formas, cores e a sensibilidade se cruzam nas mãos dos mais variados e criativos artistas.
Reunindo novos talentos com outros já consagrados, torna-se possível a criação de pequenos momentos de troca de experiências, onde olhos já treinados ou cansados podem encontrar tempo para respirar e refletir sobre tudo aquilo que realmente possa ter valor e com esse tempo ir se aprimorando para um Próximo Olhar.

CAP is proud to host Próximo Olhar (Next Look), a small but significant group art show composed of national and international contemporary artists that through their art work trace a panorama of what it is happening in their respective country.
The Show will take you on a stroll into different universes, where ideas, forms, colors and sensitivity are communicated in various ways through the hands of the artists.
By mixing established and new artists, it is possible to create a moment of exchange, where experts and those who are tired of looking will be taken and be able to reflect on the true value of things and for that matter improve their Next Look.

Sobre os artistas_

Anderson Resende • BR • vive e trabalha em SP
www.flickr.com/photos/insoluvel
Anderson Resende é um exímio e virtuoso desenhista que transita entre a pintura, a escultora e a animação (2D) utilizando materiais nada convencionais para realizar suas obras. Isso se deu no começo dos anos 90, quando começou a trabalhar como assistente de animação nos estúdios Daniel Messias, na época um dos mais conceituados da América Latina. Lá teve a oportunidade de conhecer técnicas experimentais de animação utilizadas e criadas em outras partes do mundo. Nessa bagagem, outras vertentes da arte o levaram a explorar mais sobre esse rico universo. Com o passar do tempo, desenvolveu técnicas e estilo próprio que hoje são reconhecidos e premiados em festivais da propaganda e do entretenimento. Hoje, em suas pinturas, desenhos e animações ele utiliza materiais como cloro, cera de abelha, suco de limão e fogo, aplicando nos mais variados suportes que vão do papel à madeira, criando aspectos únicos, inconfundíveis e que o auxiliam em novas possibilidades.

Becky Yee • CN • vive e trabalha in NY
www.beckyyee.com
Becky Yee é chinesa, radicada nos Estados Unidos e vive em Nova Iorque. Viaja o mundo de Pequim para Barcelona, da Islândia para Moscow e do Vietnã para Los Angeles. Mas seus oito anos vivendo e trabalhando em Tóquio, Japão, foram sua principal fonte de sua inspiração. Focando no extremo contraste entre Omote (frente) e Ura (verso), a diferença no espaço entre as emoções e percepções da vida privada são explorados em seu trabalho. Segundo Becky Yee, “Não é minha intenção fazer valer os meus juízos pessoais de qualquer tipo, mas sim formular perguntas. Estas imagens chocantes e intrigantes evocam emoções complexas em mim. Eu nunca pensei que um momento tão puro, cheio de intimidade e ternura, pode ser tão perturbador... É esta dualidade que me atraiu para este tipo trabalho”.

Bruno Kurru • BR • vive e trabalha em SP
www.brunokurru.com
Bruno Kurru formou-se em design pela Universidade Bandeirantes. Trabalhou com ilustração editorial e de moda e tem apresentado seu trabalho em mostras coletivas como “O Novo Muralismo Latino Americano” (2006) no Memorial da America Latina em São Paulo, “Os Brasileiros” na Carmichael Gallery of Contemporary Art em Los Angeles (2008), “Brazil Illustrated” na Embaixada do Brasil em Londres (2009) e recentemente a exposição “Do Outro Lado” na Embaixada do Brasil em Tóquio(2010).

Claudio Ethos • BR • vive e trabalha em SP
www.claudioethos.com
Claudio Ethos, nascido em São Paulo em 1982, tem seu trabalho voltado para pintura e desenho. As pinturas são desenvolvidas em suportes variados, inspirado no graffiti e no muralismo. Com traço marcado pelo desenho, o preto e branco possui característica clássica e os volumes são conseguidos através do uso de luz e sombra. Ethos iniciou seu trabalho há cerca de 10 anos influenciado pela pintura graffiti paulistana e estudou por dois anos na Academia de Artes Visuais da Universidade Estadual de Londrina. Sua primeira exposição individual aconteceu em 2007, ano que saiu da universidade e expôs na cidade de Grottaglie, Itália. Depois, voltou ao Brasil e participou de diversos festivais de arte urbana. Em 2008, expôs nos Estados Unidos, na 111 Minna Gallery, retornando para expor em Nova Iorque e Miami nos anos seguintes. Atualmente Ethos prepara obras para expor na Europa e Estados Unidos e pela primeira vez em São Paulo, nesta mostra coletiva.

Choque Photos • BR • vive e trabalha em SP
www.flickr.com/photos/choquephotos
Choque Photos, 25 anos, aponta suas lentes para problemas sociais contemporâneos. Sobrevivendo ao caos de São Paulo, Choque vê a fotografia como um instrumento de legítima defesa e de intermediação de conflitos. Seus maiores prazeres são as expedições fotográficas noturnas e uma boa tigela de açaí fresco.

Flávio Samelo • BR • vive e trabalha em SP
www.flaviosamelo.com
Desde 1992, Flavio Samelo anda pelas ruas de São Paulo e do mundo, fotografando skateboard. Esse foi o começo de muita coisa para o fotógrafo que acabou entrando na arte pelas ruas, assim como entrou na fotografia. Samelo introduziu em suas fotografias os graffitis, pixações, prédios, postes e outros elementos urbanos que lhe chamavam a atenção nas sessions, esse foi seu diferencial durante o começo de sua carreira. Hoje, a produção de Samelo tem duas pontas: a produção fotográfica de tiragem única - tornando-as originais indiscutíveis - e a busca por uma nova mistura entre a fotografia e a pintura concreta. Alguns desses trabalhos já foram expostos em galerias de São Paulo, Porto Alegre, Goiânia e do exterior, como Estados Unidos e Holanda. Também participou da 5a Bienal Vento Sul, em Curitiba, com uma sala especialmente para suas obras.

Kristen Uhrich • EUA • vive e trabalha NY
“Como artista, eu estou interessada em captar o estágio de desenvolvimento psicológico complexo da adolescência. Estou particularmente intrigada e direciono minhas pinturas para isso: momentos de experiências de jovens crianças à beira de descobrira sua identidade sexual. Através da pintura a óleo e da fotografia, documento as contradições: o efeito de pêndulo de comportamentos infantis e adultos, sempre surpresa ao ver quão avançado são suas auto-percepções e forte capcidade de compreensão do ambiente que os cerca, mesmo tendo tão pouca idade. Impressões do cotidiano, fotografias de crianças, assistir filmes são fontes de inspiração. Outras fontes são provenientes de contos de fadas, mitologia e romances. Eu começo uma pintura de um pensamento, idéia ou uma emoção que surge das minhas observações e coloco-as diretamente em tela. Eu faço isso, sem muita elaboração de antemão, preferindo trabalhar as questões como elas vêm, permanecendo no momento.

Maurício Adinolfi • BR • vive e trabalha em SP
www.mauricioadinolfi.blogspot.com
É artista plástico e professor de filosofia, tendo estudado com Dudi Maia Rosa. Em 2011, irá expor na Tailândia e atualmente está desenvolvendo o Projeto “Sobre Ser Animal” pela Secretaria de Estado da Cultura de SP. Em 2010, desenvolveu o projeto de pintura “Cores no Dique” em Santos - SP com apoio da Funarte, e o projeto “Sobre Mar, Madeira e Outros Animais” no edifício Copan, em São Paulo. Participou da Teia Nacional 2010 em Fortaleza e do 61° Salão de Abril. Em 2009, foi selecionado para a bolsa Iberê Camargo. Também participou do 150 Salão da Bahia.

Monica Rizzolli • BR • vive e trabalha em SP
www.monicarizzolli.blogspot.com
Nascida em 1981 na cidade de São Carlos, Monica Rizzolli teve seu primeiro contato com a arte logo na infância. Sobrinha e bisneta de pintores, passava os dias brincando na gráfica de seu avô. Começou a desenhar na adolescência, copiando os personagens de HQ’s. Logo depois, a gravura tornou-se um de seus principais interesses; foi aprendiz de litografia e estudou Shodô (caligrafia japonesa). A experiência como performer no projeto [In.CoRpo.Ro] e o trabalho em um ateliê de modelo vivo, onde dirigia sessões de desenho e ocasionalmente posava, inspiraram a artista a desenvolver os temas centrais de seu trabalho: o corpo e as relações humanas.

Seitaro Kuroda • JP • vive e trabalha NY
Um dos artistas mais influentes do Japão moderno desde o final dos anos 60, Seitaro Kuroda é um gênero próprio. Ele é um inovador e suas atividades são genuinamente sem fronteiras. Suas pinturas estão em todos os museus de arte mais importantes do mundo. Seus desenhos aparecem em dezenas de livros e revistas. Seu projeto de trabalho abrange desde edifícios, lojas e espaços internos até logotipos, camisetas, posters, capas de CD - qualquer coisa que possa ser impresso. Kuroda colabora com músicos e artistas de todo o mundo em apresentações que ele chama de Live Painting. Kuroda improvisa com ritmo e som, criando uma forma de arte verdadeiramente original de vanguarda que pode lembrar artistas como Haring, Basquiat e Picasso. Kuroda tem o prazer de ter um espaço de arte em Nova Iorque para criar novidades, como pinturas nunca antes vistas em sua coleção particular.

Sidney Amaral • BR • vive e trabalha em SP
www.flickr.com/photos/sidney_amaral
Professor e artista plástico formado pela Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP); foi aluno de Ana Maria Tavares (Museu Brasileiro de Escultura - MUBE). Estudou pintura acadêmica e fotografia. Seu trabalho consiste basicamente de apropriações de objetos prosaicos recriados em bronze, mas também trabalha com mármore, resina e porcelana. Participou de várias exposições coletivas e individuais, tais como PARAHAUS – Mostra de Arte Contemporânea (2010), Menção Honrosa no 9º Salão de Arte de Jataí (2010) e 19º Salão de Artes Plásticas de Atibaia (2010), Mágicos Olhos das Américas (2009), Encontro entre dois mares (Bienal de Valência, 2007), Réplica e Rebeldia – Exposição Intinerante com Artistas de Angola, Brasil, Cabo Verde e Moçambique (Museu Nacional de Arte de Maputo, 2006), Siexpo – Museu de História Natural (Luanda, Angola, 2006), Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM, 2006), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-RJ, 2006), Viva Cultura, Viva Do Povo Brasileiro: Um Olhar Sobre a Arte Brasileira (Museu Afro Brasil, 2006), Negras Memórias: Memórias De Negros (Museu Oscar Niemayer, 2005/06), Coletiva Programa de Exposições (Centro Cultural São Paulo, 2001). Individualmente, expôs na III Mostra do Programa de Exposições no Centro Cultural de São Paulo (2001). Obteve o Prêmio Aquisição no III Salão de Artes Plásticas de Americana (2000).

Thais Ueda • BR • vive e trabalha em SP
www.thaisueda.com
A desenhista e designer de objetos Thais Ueda é formada em Propaganda e Marketing pela Escola Superior de Propaganda e Marketing (ESPM) e em Desenho Industrial pela Universidade Mackenzie. Trabalhou para importantes agências de publicidade em São Paulo por 10 anos. Em 2003, viajou para província de Toyama - Japão - como bolsista em Design Gráfico, ficou na cidade por oito meses e desenvolveu trabalhos que lhe renderam alguns prêmios nessa área. Neste mesmo período, iniciou seu trabalho artístico e nos anos que se seguiram começou a participar de mostras coletivas no Brasil até que em 2010 fez sua primeira exposição individual. Thais Ueda trabalha com técnicas diversas, transitando entre pintura, desenhos e objetos. Dona de um traço delicado, chama a atenção por suas criações extremamente sensíveis e, ao mesmo tempo, voluptuosas. O universo feminino é o mote principal de suas obras, ela desenha mulheres que parecem flutuar em fundos brancos, excluindo qualquer traço do mundo exterior.

Tifenn Python • FR • vive e trabalha em NY
www.tifennpython.blogspot.com
Tifenn nasceu na França, mas logo depois mudouse para a Ilha do Pacífico Sul no Tahiti, onde ela cresceu. Completou seus estudos em Artes Plásticas/Ilustração no Ontario College of Art and Design, em Toronto, Canadá. Em 1999, Tifenn se mudou para Nova Iorque para trabalhar como ilustradora; seu trabalho tem sido incluído em várias mostras e selecionado em publicações que incluem American Illustration, Communication Arts e Print Magazine. Seus clientes incluem The New York Times, The Los Angeles Times, Harper’s Bazaar, Nylon, The Washington Post, Utne, Playboy, Elektra Records e Random House Publishing, entre outros, assim como colecionadores particulares. Em outubro de 2007, Tifenn chegou a Xangai como parte de uma residência de seis meses para pintar uma nova série de trabalhos inspirados e influenciados pelo visual e sons desse novo ambiente, a cidade e seu povo. A artista vive no Brooklyn, Nova Iorque, com o marido e a pequena Arwen Kai, nascida em abril de 2009.

_Próximo Olhar_
De 10 de Fevereiro a 31 de Março de 2011
Abertura 10/02 as 18:00 hr.

Local: Cavalera ART PROJECTS _ Alameda Lorena, 1922 _ Jardim Paulista _ + 55 11 3061-2356
De terça a sábado, das 12h às 19h
www.capgallery.com

Outubro Independente _ CCJ Ruth Cardoso _ Vila Nova Cachoeirinha

2011-01-18T09:41:00.005-02:00

Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso - Vila Nova Cachoeirinha

Durante o mês de outubro, a parede circular amarela que contorna o Anfiteatro do CCJ foi transformada num novo espaço de
referência para a arte de rua na cidade de São Paulo. Entre os dias 14 e 18/10, ninguém menos que o artista de graffiti, pintor e
escultor Alex Hornest, o ONESTO, pintou três enormes painéis com seus personagens urbanos, de traços inconfundíveis.
Interessados acompanharam a elaboração da obra entre os dias 14 e 17/10.

Entrevista realizada no Centro Cultural da Juventude, no dia 17 de Outubro de 2010.

Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso - End.: Av. Deputado Emílio Carlos, 3641 - Vila Nova Cachoeirinha. Zona Norte.
Telefone: (11) 3984-2466.
http://ccjuve.prefeitura.sp.gov.br/
http://twitter.com/ccjuventude
Vídeo realizado pela Buenas Cine & Contra-Produção.

vamos andar de skateboard?

2010-12-26T16:48:00.004-02:00

Kilian Martin: A Skate Regeneration by Brett Novak Kilian Martin: A Skate Escalation by Brett Novak Mas só se você souber fazer algumas manobras assim como eu!

Obras no cenário do programa Metrópoles _ TV Cultura.

2010-12-20T14:32:00.006-02:00

Obra do pintor e escultor Alex Hornest no cenário do programa Metrópoles/TV Cultura.

Animais de Concreto _ Programa Metrópoles _ TV Cultura

2010-12-20T14:12:00.003-02:00

Pintor e escultor Alex Hornest apresenta a exposição "Animais de Concreto" que traz pinturas de rua e esculturas na Cavalera Art Projects.

Sou parte desta Cidade.

2010-12-20T13:47:00.008-02:00

Unimaginable _ SPTuris
Personalidades paulistas, conhecidas dentro e fora do país, mostram seus talentos tendo a cidade de São Paulo como inspiração:
Alex Atala desenvolve um novo prato, DJ Marky produz a trilha, os irmãos Campana criam o design de uma poltrona, Alex Hornest idealiza personagens nos muros da cidade.
Todas essas expressões juntas, com a produção executiva de Fernando Meirelles e direção de Paulinho Caruso, transformaram-se na nova campanha da São Paulo Turismo.

Os graffitis do pintor e escultor Alex Hornest são as estrelas da campanha Unimaginable para divulgar São Paulo dentro e fora do país.
Artista de Graffiti há 19 anos, Onesto, como é mais conhecido, se inspira em pessoas e no modo como agem e vivem nas cidades.
Os gaffitis que aparecem no filme podem ser vistos no muro do Cemitério da Consolação e em uma fábrica da Barra Funda.
O vídeo faz parte da campanha Unimaginable da SPTuris, criada pela Lew'Lara\TBWA para promover o turismo na cidade de São Paulo.

Making Of da campanha "Unimaginable" criada pela Lew'Lara\TBWA para a São Paulo Turismo. Mostra como foi pensado e produzido o projeto desde o briefing até o resultado final.
Com produção executiva de Fernando Meirelles e direção de Paulinho Caruso, os vídeos da campanha apresentam personalidades paulistas, conhecidas dentro e fora do país, que mostram seus talentos tendo a cidade de São Paulo como inspiração.

Você realmente gosta de Graffiti?

2010-12-19T11:06:00.008-02:00

New York City _ USA Meyhem Lauren _ Got The Fever' off the album 'Self Induced Illness

Cidade de São Paulo _ Brasil Pixo _ João Wainer e Roberto Oliveira

Barry McGee recent installation at SFMOMA _ 2010

2010-12-13T20:41:00.003-02:00

One of the most influential artists of his generation Barry McGee was recently asked to reinstall a work of his at the San Francisco Museum of Modern Art for their 75th Anniversary retrospective. What ended up happening was an installation that not only incorporated the original work created in 1996 but also sampled new work created days before the installation. In this piece we talk with Barry about the preservation of impermanent art and how reinvention keeps him excited.

Entre muros e paredes. Uma entrevista "onesta" com Alex Hornest.

2010-12-13T17:21:00.010-02:00

POR TIAGO MORAES
RETRATO POR FERNANDO MARTINS FERREIRA
FOTOS DAS OBRAS ACERVO DO ARTISTA

(Entrevista publicada na +Soma 20 Out-Nov 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

ALEX HORNEST é um pintor e escultor brasileiro nascido em 1972. Expõe seus trabalhos em galerias e museus do mundo todo, em mostras individuais e coletivas. ONESTO é grafiteiro, surgiu nas ruas de São Paulo no meio da década de 1990 e, ao lado de nomes como OsGemeos, Speto, Herbert Baglione e Vitché, faz parte do time de elite da chamada primeira geração do graffiti moderno brasileiro. Dois nomes e duas personalidades completamente distintas ocupando um só corpo. Tive a oportunidade de conversar com ambos numa tarde tranquila no ateliê de Hornest no bairro da Bela Vista, em São Paulo. Confira!

Onesto, você acabou de voltar de Viena. O que foi fazer por lá?
Fui pintar um mural na cidade, um convite que surgiu a partir de umas conversas que venho tendo com o Nicolas, dono da Galeria Inoperable. Eu li que a Bienal Internacional de Artes havia aberto um edital com o objetivo de mostrar a arte de brasileiros em outros países. A única exigência era uma carta-convite da galeria. Eles mandaram a carta e eu fui contemplado. O pessoal da Bienal gostou da ideia, ainda mais porque se tratava de um festival falando sobre a bicicleta, sobre como as pessoas usam esse meio de locomoção no dia-a-dia e tal, e isso é uma discussão que não é frequente aqui em São Paulo. Essa foi minha justificativa: levar minha experiência – porque eu uso bicicleta como meio de transporte – para outro país e também trazer pra cá um pouco da experiência que eu teria por lá.

E esse seu entusiasmo pelas bikes, quando começou?
Acho que desde pequeno, quando ganhei minha primeira bicicletinha. Lembro que meu pai foi num ferro-velho e catou uma bicicleta caindo aos pedaços, deu uma soldada – era uma daquelas bicicletas que dobram no meio...

Tipo aquelas antigas Berlinetas?
Acho que era uma dessas, só que bem pequena. Daí pra frente eu sempre me interessei, porque nunca gostei de carro. Meu pai, caminhoneiro, até tentou me ensinar a dirigir, mas eu falava: “Meu, não é minha praia”. Depois tive outras bicicletas, andei um tempo de BMX, gostava de fazer umas graças. Sempre gostei de esportes que você podia fazer alguns truques. Hoje, sei lá, você vai ficando velho, só usa pra locomoção mesmo. Não tenho mais aquele entusiasmo de ficar me jogando, pulando coisa, mas acho que a bicicleta é pro resto da vida, gosto pra caramba. E lá em Viena é incrível, as crianças já nascem com essa informação, já sabem que de bicicleta podem ir aqui e ali, não precisam depender de um transporte público ou de um carro. Achei tudo isso incrível. Vim com uma bagagem muito grande, e quero usar isso nos próximos trabalhos. Lembro que a gente tava num evento que chama Massa Crítica – um monte de gente andando de bicicleta ao mesmo tempo, um dia sem carro, um protesto e tal –, e as criancinhas andando sozinhas ou com os pais. As outras que estavam na rua estendiam o braço pra você passar a mão quando passava por elas. Foi uma experiência muito louca mesmo.

Nesse painel que você pintou por lá, tem um cara numa bike segurando uma placa de “Proibido andar de bicicleta”, como se ele tivesse acabado de arrancar...
Essa foi a experiência daqui que eu quis levar pra eles. Aqui em São Paulo, o motorista de carro se acha muito mais importante do que você, que está ali na bicicleta. Acha você um estorvo. Essa foi minha ideia: meu personagem está arrancando a placa porque você deve ser livre pra andar em qualquer lugar. Um ciclista deveria ter mais autorização de poder usufruir desse meio do que um cara com um carro, que tá poluindo, tá causando. Muitos só usam o carro pra fazer merda no dia-a-dia, colocam o som bombando, não respeitam os pedestres. Na bicicleta, a atitude é diferente. Lá o pessoal achou hiper engraçado, porque a cidade é toda certinha, não tem essa de você arrancar uma placa da rua, cometer algum ato de vandalismo. Quando o dono do lugar que eu pintei viu, ele não entendeu nada. Gosto quando meu trabalho levanta essas discussões. O momento mais gratificante quando termino um trabalho é ver as crianças com os pais, comentando, olhando, apontando, dando risada, achando legal ou achando uma bosta. Isso é o que eu acho legal, interferir no cotidiano das pessoas.

Como nasceu o seu interesse pelas artes?
Minha avó é cantora e bailarina. Se apresentava, gostava de dançar e tal. Meu tio acompanhava tocando violão e percussão. Meu outro tio é pintor e sempre trabalhou pra estamparia. Eu ia ao estúdio dele e via ele pirando em vários padrões diferentes. Criava no papel e depois passava pra uma transparência, era um processo louco, ele ficava me explicando. Minha bisavó também sempre comprava algum brinquedo pra mim que remetesse à música ou ao desenho. Quando meu pai viu que eu tinha esse interesse, começou a me dar bastante gibi. Comecei copiando os personagens, e uma hora falei: “Não quero mais copiar, quero criar os meus”.

Sua última individual foi quando?
No mês passado em Goiânia, na Faculdade de Artes Visuais, na galeria da FAV.

O que você levou para lá?
Tudo o que apresentei na exposição, que foram três esculturas: um porco, um leão e um pássaro, fiz lá mesmo. A ideia era que fosse no formato de um workshop. Dez alunos locais trabalharam comigo na montagem dessas peças. Eu só levei a ideia e falei: “Preciso construir esses três animais. Como a gente vai fazer, não sei”. Sempre procuro material no entorno, próximo ao espaço expositivo. Foi uma proposta que criei quando fiz uma exposição dois anos atrás, no Museu do Trabalho. Eu chego lá com a ideia e desenvolvo. Nunca tinha trabalhado com alguém me auxiliando, e a experiência foi fantástica, o contrário do que eu imaginava. Foi uma troca de informações, não era eu pedindo que eles fizessem alguma coisa. Aprendi muito com eles também, e isso não tem preço. Quero levar isso pro resto da minha carreira.

Está pronto pra ter um assistente agora?
Assistente eu já tinha um aqui no estúdio, porque o volume aumentou muito e eu não tava dando conta. Então chamei um amigo e ele vem aqui três ou quatro dias por semana pra me dar um help. E está funcionando muito bem, porque ele também ajuda bastante, cria soluções. Sou muito intuitivo, não gosto de trabalhar com rascunho, de ficar preso a uma ideia. Dependendo do convite que recebo, aí sim vou formatar alguma coisa, pensar no que realizar. Aqui eu fico mais pintando, fazendo esculturas, que muitas vezes nem apresento em exposição, é mais uma experiência mesmo, uma forma de desenvolver algo. Mas ter alguém ajudando é uma coisa que não tem como fugir. Chega uma época que precisa, dependendo do que você se propõe a fazer. E eu sempre quis fazer coisas em escala grande, porque pintar parede pra mim é moleza. Agora, criar uma escultura, trabalhar com madeira, o esforço é maior. Preciso de ajuda.

Pela diversidade de técnicas, percebo que você é do tipo que não gosta de ficar na zona de conforto, está sempre procurando um pouco de atrito, se desafiando a fazer coisas que nunca fez.
Acho que a arte pede isso. Arte não é você criar um símbolo e sair mandando bala nele pro resto da vida. Várias empresas já fazem isso. Eu não quero ser uma empresa, quero ser um artista. E, como artista, minha cabeça não para, tá sempre em movimento, sempre pensando. Então por que vou me reprimir? Por que vou deixar de executar uma ideia que vai fugir de um outro trabalho que eu já apresentei? Esse não é o caminho. Se eu fizesse só pintura, ok, talvez fosse por essa direção, mas não é o caso. Sempre gostei de mexer com várias mídias, de fuçar, experimentar, misturar coisas, agregar material, ver a reação que dá, a textura que posso encontrar pra aquilo. Estou sempre aberto a trabalhar com qualquer coisa.

E hoje você tem alguma técnica preferida ou que te dê mais prazer?
Na pintura os materiais de que eu gosto são spray e látex, às vezes óleo. Agora, escultura é vidro, madeira, barro, pedra, ferro. Coisas que eu possa transformar. Como gosto de desenhar, acho que o desenho pode me mostrar muitas possibilidades. A partir de um desenho, começo a definir que material vou usar pra executar um determinado trabalho. O desenho é a base de tudo.

Você disse que quando vai pra rua não tem sketch, nada. Gosta de ir lá e criar na hora. Já com uma escultura ou uma instalação, você tem um projeto, né? Faz um desenho pra depois executar.
Não. Pra fazer uma escultura tenho ideias que coloco no meu caderno, mas são rascunhos que não chegam nem perto do que vai ser o resultado final. Me serve mais pra lembrar da situação mesmo. Muitos dos trabalhos que eu faço são inspirados em coisas que vejo no dia-a-dia: um cara brigando na rua com uma mulher, ou um policial dando uma geral num cara. Às vezes nem fica muito explícito isso, mas foi o que me fez chegar naquela cena retratada. Quando pinto na rua não levo sketch porque gosto que a situação em si me influencie. Uma pessoa que vem conversar comigo, ou o dono do imóvel que aparece na hora, ou a polícia me abordando... Acabo passando todas essas situações pro trabalho. Me sinto melhor assim. Não gosto de pedir autorização pra pintar. Gosto de chegar, achar um muro bacana, com uma textura legal, e começar a pintar. Se eu for com tudo formatado, acho que fica chato, fica mecânico.

Fala um pouco sobre esse último livro, Tenho Pena de Você, que você lançou com a sua mulher, a Thais Ueda, e que apresenta uma série de desenhos que fizeram juntos. Como foi esse processo de criação?
A ideia surgiu de querer fazer alguma coisa juntos. Então a gente definiu que ia fazer 50 desenhos. Eu tinha feito um outro trabalho, um outro livro, Sem Cotidiano, com o Valério Siqueira, lá de Curitiba, e também foi a partir desse princípio: 50 desenhos de cada. O Tenho Pena de Você veio mais ou menos dessa ideia, só que a gente ficou pirando na possibilidade de pegar um elemento, que seriam pássaros, e desenhar como bem entendesse, tendo referência ou não. Então, como tinha um número definido, a gente dividiu as folhas, 25 pra cada. Depois de cada um fazer a sua parte, a gente trocou. Então teve situações em que o passarinho da Thais estava voando, e eu fazia um querendo voar e vice-versa, um brincando e interagindo com o outro. A gente colocou títulos em cada desenho, e depois achou bacana também escrever um pensamento ou uma ideia do porquê daquela cena. A partir dos títulos, a gente começou a desenvolver os textos. E o livro inteiro foi nesse processo, em conjunto. Não tem nenhuma parte que só eu fiz, ou só ela.

Essa editora que lançou o livro é sua?
Eu tenho um selo, que se chama Item 72, que uso pra coisas que quero que sejam limitadas, como gravuras, camisetas, toy art. A ideia é que chegue até 72 unidades, não passe disso. Mas, no caso do livro, a gente fez uma tiragem maior, de mil exemplares, e eu resolvi não numerar, deixar a coisa em aberto. Mas o selo a gente achou bacana colocar lá, pra dar uma autenticidade ao trabalho, já que a gente fez de forma totalmente independente, sem recurso de ministério nenhum, do nosso bolso.

Você costuma retratar muitos animais. Elefantes, cavalos, agora pássaros... Por que esse universo é tão recorrente no seu trabalho?
Acho que tudo começou quando percebi a cagada que o homem faz com os bichos. Como ele se utiliza, se apropria, escraviza. Não sou militante, mas acho que é meio exagerada a forma como o homem trata os animais. Por se achar um ser superior, ele acha que pode tudo. Comecei a trabalhar com animais pra criar esse paralelo. Na rua sempre pinto eles livres, e na galeria coloco encarcerados em cubos, caixas, o que seja. Mais pra criar essa analogia mesmo. Por que as pessoas dentro de suas casas se sentem tão seguras? De casa vão pro shopping, que acham que é um outro lugar seguro. E vão de carro, que é outra caixinha, enquanto lá fora tem um mundo de coisas pra conhecer, interagir, viver em harmonia. Os animais são diferentes. Vivem com o que têm, não ficam querendo depredar, destruir, ridicularizar outras espécies.

Conta um pouco sobre o Carlos de Campos, colégio em que você estudou e que curiosamente acabou sendo um dos maiores berços do graffiti moderno paulistano no final da década de 1980 e começo dos anos 1990, de onde saíram você, OsGemeos, Speto, Jey etc.
Lembro que o Carlos de Campos foi fundamental no processo de entrar em contato com outros artistas, que na época nem eram artistas ainda, estavam estudando. Conheci alunos que eram incrivelmente talentosos pra fazer histórias em quadrinhos, não perdiam em nada pra qualquer artista que trabalha na DC Comics, na Marvel. Eles já tinham muita habilidade, muita noção daquilo que estavam fazendo. No graffiti também, muitos artistas que hoje são consagrados passaram pelo Carlos de Campos: Speto, OsGemeos. Mas a real é que esses caras já estavam encaminhados. O Carlos de Campos foi só um lugar pras pessoas se encontrarem, pras discussões, pra troca de informação. O professor nunca mostrava como fazer, a gente tinha que se virar sozinho, pesquisar, perguntar. Eram os alunos que faziam a escola. No começo da minha carreira, quando ia levar meu portfólio em agências, o pessoal mal abria e já falava: “Você passou pelo Carlos de Campos, né?”. E eu respondia “Sim, mas como você sabe?”. “Todo mundo que é bom vem de lá, e sempre tem alguma peculiaridade no traço”. Acho que foi por causa do período mesmo. A coisa era muito intensa, muito bacana.

Sei que a visita do Twist (Barry McGee) em São Paulo, mais de 20 anos atrás, foi decisiva para muitos dos artistas de rua da sua geração. Fala um pouco sobre isso.
Quando o Barry McGee esteve aqui no Brasil, as coisas mudaram radicalmente, porque a gente não tinha muita informação, não sabia até onde o graffiti poderia ir. O que chegava aqui em São Paulo eram imagens de painéis hiper coloridos com personagens, letras, tudo muito ligado à cultura hip-hop. O Barry mostrou pra gente que não, que o graffiti é livre, você pode se expressar como quiser, usando o material que quiser. Apenas com látex branco e uma lata de spray preto, ele fazia e acontecia. Outra coisa legal foi que ele também mostrou que dava pra fazer graffiti com outros materiais, como o canetão por exemplo, ir pra rua e simplesmente fazer um tag, ou então escrever ou desenhar em adesivos e sair colando pela cidade. Acho que a cena do graffiti no Brasil deve muito ao Twist.

Por que a cor laranja é tão presente no seu trabalho?
Sei lá, achei bacana essa cor e comecei a empregar nos meus trabalhos. Acho que todo artista de graffiti se identifica com uma cor e começa a usar ela frequentemente. Comigo foi assim. Eu me identifico bastante, virou a cor da pele do meu personagem. Eu me sinto laranja. Sou negro, mas às vezes acho que sou laranja, que tenho a mão gigante. Quando faço um personagem, estou na verdade passando um pouco de como eu me vejo na cidade. E uso pouca cor, gosto de três cores no máximo, porque me enquadro num estilo de graffiti chamado throw up, uma coisa rápida, usando duas, três cores no máximo. Meus personagens são throw ups. Todo mundo me diz que não, porque é hiper requintado, elaborado, tem detalhes, mas a real é que eu consigo fazer isso muito rápido, em poucos minutos. Foram coisas que comecei a desenvolver depois que o Barry McGee passou por aqui, porque ele também tinha um processo parecido: com pouca cor e uma ideia boa na cabeça, ele conseguia passar algo, agregar algo à cidade. Nunca quis que meus personagens fossem mais do que as coisas que estão por aí. Queria que eles se inserissem naquele meio, fizessem parte da arquitetura, se inserissem no dia-a-dia de um bairro.

Qual sua relação com São Paulo?
Sou casado com a cidade, não troco São Paulo por nenhuma outra cidade do mundo. Aqui é o local que me inspira, que me influencia. Aqui consigo ter ideias. Muito do que eu faço vem do que vejo por aí. Às vezes não fica muito explícito no meu trabalho, mas com certeza, se você está vendo um personagem meu tacando uma pedra, pode ter certeza que eu vi isso outro dia, numa outra situação. Teve uma época que eu andava muito com o caderninho. Em vez de tirar uma foto, desenhava o que tinha acabado de ver. Hoje não, com o celular saio tirando várias fotos e depois desenho algo sobre aquilo que acabei de ver. No meu blog eu posto muito isso. Sempre coloco duas ou três fotos e embaixo um desenho sobre aquilo. Esse processo me deixa mais livre, cria mais possibilidades. Eu podia ir com uma ideia formatada pra rua e não funcionar ali na hora, naquele muro, naquele contexto. Se começo a pintar e vem alguém e me cutuca, essa conversa vai me influenciando, trazendo novas ideias e elementos pra colocar na parede. Acho bacana trabalhar assim, é mais intuitivo.

Como foi essa transição da época em que você só pintava na rua por diversão para viver exclusivamente da sua arte e expor em galerias?
Desde que comecei a pintar na rua, sempre tive a convicção de que não queria ganhar dinheiro com aquilo. Queria fazer por fazer, que nem jogar bola no fim de semana com os amigos. Mas sempre quis trabalhar com desenho, tanto que tentei ser ilustrador, fazer história em quadrinhos, mil coisas. Só que aquilo me enjoava, eu não gostava muito dos lugares. A real é que nunca gostei de ser mandado. O que me incomodava era que sempre tinha alguém me dizendo o que fazer. Já trabalhei com diversas coisas: fui carteiro, office-boy, contínuo, auxiliar administrativo e por aí vai. Tudo porque não gostava de ter alguém me mandando desenhar tal coisa, queria ter liberdade. Comecei a receber alguns convites pra fazer exposição e sempre negava. Falava: “Não, eu tô na rua porque gosto, galeria não é o caminho. Não me sinto à vontade colocando uma coisa que faço pra milhões restrito a uma elite, a algumas pessoas”. Só que os convites eram muitos, então comecei a estudar, pesquisar, ver como outros artistas trabalhavam, como eles reagiam. E fui encontrando meu caminho. Mas até pouco tempo eu ainda não me sentia confortável com isso. Faz cinco ou seis anos que comecei a trabalhar melhor essa possibilidade de trabalhar com galeria, expor em museu. E sempre tento levar algo que não seja o que faço na rua. Uma coisa que eu tô curtindo muito é levar elementos que encontro na rua pra dentro do espaço expositivo, criar uma ideia que seja uma extensão do meu trabalho.

Como essa instalação que você fez na Bienal de Graffiti no Mube?
O convite foi pra participar de uma exposição de graffiti, mas eu pensei: “Por que fazer graffiti dentro de um museu se já faço na rua e na rua me sinto bem melhor com isso?” Então falei pro curador que queria fazer uma instalação. Podia ser na parte externa, nem precisava ser lá dentro. Ele achou bacana. Tive então a ideia de fazer uma casa tombada, e essa casa representaria o museu, tanto que pintei ela de branco por dentro. O conceito era mais ou menos “Sua casa caiu, hoje você está sendo domesticado”. É assim que eu vejo o que está acontecendo com o graffiti. Muitos artistas estão se deixando levar por uma onda e perdendo a essência, perdendo o ideal, que é estar na rua, livre, fazendo o que bem entender. Se, desde que ele surgiu em Nova York, os caras tivessem a intenção de ir pra galeria, museu, livro, não teria surgido um movimento tão forte. E aqui em São Paulo é muito estranho ver alguém te cumprimentando porque faz coisas coloridas, que todo mundo acha bonitas, enquanto o cara que está se expressando ali apenas com uma cor, subindo num prédio, fazendo o que o coração dele manda, é tachado de vândalo, de marginal. O que ele está fazendo é o verdadeiro graffiti, ele tem a essência.

Mas você não foi de certa forma domesticado também? Como separa as coisas, o Onesto grafiteiro do Onesto que está em galerias e museus? De certo modo você também cedeu, não?
No momento em que resolvi ceder, ir pra galeria, decidi que não ia usar o nome Onesto, ia usar Alex Hornest. Aí comecei a me sentir um pouco mais confortável com isso tudo. Onesto é pra rua, pra fazer as coisas que eu bem entender, sem autorização, sem nada. Não ganho dinheiro pra fazer pinturas na rua, mas em compensação ganho coisas que nenhum dinheiro do mundo pode comprar. Estar em contato com alguma pessoa que eu nunca vi, que só vem falar comigo porque estou ali pintando. Ou estar em um bairro a que eu não teria acesso no meu dia-a-dia. Coisas das quais as pessoas estão cada vez mais distantes, tentam fugir por causa da violência. E isso o graffiti me proporciona. É uma coisa que quero sempre ter comigo. A partir do momento em que fui pra galeria, museu, passei a estudar propostas diferentes, tento fazer coisas que normalmente não conseguiria fazer com graffiti. Estou numa fase boa, me sinto bem comigo mesmo. Diferente da minha primeira exposição, no Museu da Imagem e do Som, em 1993 ou 1994, quando me senti péssimo. Uma sensação que imaginei que nunca teria novamente. Aí, quando fui pra Nova York, numa coletiva, a mesma sensação de novo. Falei: “Caramba, tem alguma coisa errada”. Lembro que voltei hiper mal, e isso que me fez pensar, desenvolver uma forma de mostrar meu trabalho, ou um novo trabalho, e me sentir bem com isso.

De certa forma você cria um escudo que separa o Onesto, que pinta na rua, do artista plástico Alex Hornest.
Nem me defino como um artista plástico, prefiro ser conhecido como pintor e escultor. Ponto. “Artista plástico” acho muito genérico, coisa que só existe aqui no Brasil mesmo.

Mas você não acha que se definir como pintor e escultor não te impede de explorar outras técnicas? Você nunca vai poder fazer uma colagem, por exemplo?
Pelo contrário. Acho bom ser conhecido como pintor e escultor, mas quando apresento um trabalho novo, seja um desenho, uma colagem, uma vídeo-instalação, isso mostra que eu tenho outras habilidades, que estou estudando outras coisas. Não fico restrito. Não sou rotulado como alguma coisa – o cara é grafiteiro, o cara é artista plástico, o cara é pagodeiro... odeio esses rótulos! Faço pinturas e esculturas. Ponto. Eu determino o que quero ser, e não as pessoas ou a mídia.

Você falou que está se preparando pra uma nova individual, num espaço novo. Fala um pouco sobre o espaço e sobre o que você pretende apresentar.
Ganhei o primeiro Prêmio de Incentivo à Cultura Afro-brasileira, oferecido pela Petrobras e o Cadon. Mandei uma proposta de escultura e pintura, pra pintar três animais em via pública, soltos, como se estivessem em seu habitat natural, e dentro do espaço expositivo eles estarem presos em jaulas, gaiolas, blocos de concreto. Pelo prazo, eu tinha que executar essa exposição até o final de outubro. Procurei vários lugares, várias instituições, mas não rolou. Como está tendo Bienal este ano, a agenda já estava toda programada. Conversando com uma pessoa e com outra, acabei chegando ao Alberto [Hiar], o dono da Cavalera, que tava a fim de abrir uma galeria. Ele perguntou se eu conhecia alguém pra dar uma assessoria e eu disse: “Eu mesmo. Já até tenho uma exposição pra fazer, porque ganhei um prêmio e preciso executar”. A galeria se chama Cavalera Art Projects, e vai ser inaugurada com essa exposição. O espaço é bem bacana, era uma loja que ele tinha, da marca V.Rom. Foi só tirar as coisas que remetiam à loja e transformar num galpão, numa pequena fábrica. Deixamos a parede crua e estamos pintando de branco, com uma iluminação simples. O lugar tem dois andares e é comprido, então a ideia é colocar a esculturas ali de forma que elas representem um cárcere. Visualmente, vai passar muito bem a ideia. Ainda tenho que executar as três pinturas em via pública: uma vai ser aqui na praça 14 Bis, outra no Tucuruvi e a terceira na Consolação, comecinho da Rebouças, numa parede que eu já pintei uma vez.

Depois você vai continuar tocando projetos nessa galeria ou é só essa exposição?
Sou sócio dele na galeria, e a ideia é que eu consiga trazer uma nova proposta de exibições de arte. O foco não vai ser apenas comercializar os trabalhos. Vai ter isso também, só que o forte é uma contrapartida social que está sendo criada com instituições ou bairros. Não é uma imposição, mas a gente está interessado em artistas que tragam uma proposta de trabalhar em conjunto com a sociedade, seja com uma instituição, uma organização, com um bairro que tenha pessoas interessadas em desenvolver algo. Ou que o artista tenha uma proposta pra cidade, por exemplo: “Não quero só expor aqui dentro da galeria, queria fazer uma pintura na rua, uma instalação, quero chamar um monte de crianças pra desenvolverem uma ideia comigo”. Tudo isso partiu de mim. Ele falou que tinha um espaço, que estava a fim de montar uma galeria, e pediu que eu formatasse um projeto pra ele. Eu apresentei, ele gostou muito de tudo e estamos ansiosos agora pra ver o que vai acontecer.

estilo, atitude e criatividade _ 1974

2010-12-13T15:43:00.007-02:00

Nyle _ Let The Beat Build

2010-12-13T15:23:00.006-02:00

Director - Chadd Harbold
Producers - Golda McCormack, Nyle Emerson, Chadd Harbold
Director of Photography- Adam Newport-Berra
Steady - Cam Operator- David George Ellis
Assistant Camera - Andy Kromphardt
Gaffer - Greg Golko
Key Grip / Transportation Captain - Bobby Olsen
Assistant Director - Keith Haskel
Art Director - Heidi Goldstein
Editor - Bryan Gaynor
Post - Production Supervisor-Dan Berk
Music Producers & Engineers - Katie Buchanan & Alan Gordon
Music Pre - Production-Brian Lee
Mixed by Mykael Alexander
Mastered by Nyle Emerson
Assistants - Chase Culpon, Jacob Blumberg, Dana Sedgwick
Colorist - Vladamir Kucherov

TEACHER
Phil Swetz

VOCALISTS
Danni Lee
Elle Varner

BAND
Isaac Teel (drums)
Mitch Friedman (Bass)
Daniel Mensch (Piano)

HORNS
Al Barrentine
Kevin Birk
Julian Taylor

STRINGS
Molly Fletcher (violin)
Cameron Orr (violin)
Alexandra Jones (cello)
Kristine Kruta (cello)
Liz Hanley (violin)
Hana Segerstrom (violin)
Patti Kilroy (violin)

OTHER
Marlene Desiree (Dancer)
Josh Pikulin (Guitar)
Katie Buchanan (Banjo)

HOMEBOY CHOIR
Plateno Man
Syanide
Maverick
Odudu Akpaeti

SPECIAL THANKS
Priska Neely

vamos trocar uma idéia...

2010-12-13T15:10:00.009-02:00

Das EFX - Baknaffek

(People people people people
people people people people)

Verse 1: Dray, Skoob

Shippity bop, well hot diggity, where's the iggity? The bum siggity
Niggas wanna know but check the flow my little trickity
I'm comin with the Books so kid, it looks like it's a winner
Ya better get'cha plate because I'm servin raps for dinner
See I freak it from the sewer plus I'm quick to do ya posse
I'm swoopin on the note just like I was a kamikaze
See they thought I lost my spot so they went and got real comfy
So now I gotta hit me hard and bogart like Humphrey
Ya hypocrite, I'm rippin it because I'm flyer
Ya phony, full of bologne like Oscar Meyer
See I attack a pack of rappers just for practice
I bust my tactics, I'm sharper than a f----- axe-iss

(Set it off!) One two (Set it off!)
Yeah it's the Books in reverse, the next cap sendin a big-up to my borough
I'm thorough, wetter than a ghetto from Medini-Bop
Takin lessons, swayin niggas on graffitti
Rockin other slang ranger, bring a banger ???? occasion
My nerves is achin, see I'm sick of niggas perpetratin
But can't see this, I'm screamin on they records like Beavis
or Butthead, I bust heads like Amy
Fisher isser, blisser, hit you like an accident
and if I'm in your town you might meet me at the Radisson
or splatterin, batterin crews for lip chatterin
It ain't nuttin new, that's how we do, my crew is back again

Chorus:

Bak 'n' affek, how's that?
(People people people people)
*repeat x3*

Verse 2: Dray, Skoob

Well here I go again, so dig the flow again, try not to bite
a bigger nigga with my left and then I flick em with my right
I'm outta sight, look how I do it, ya blew it if you missed a
nigga on the microphone cos I can roll a sister
Word is bond, I'm on some nuke ----, new ---- like this
Grab a piece of steel and shoot the giff like Chris
Cringle, lost my jingle, don't it make ya shiver
Give a nigga what he needs so he can bleed when I deliver
Aah microphone check, what the heck?
I do that then because I used to catch a wreck
wit it, that's the time I hot talk, spit it
For Christ's sake I'm in to hit the brakes and you're skiddin
You ---- in, messiah did it, but y'all can keep that
Cos now I'm on some other type of flow and best believe that

And all that, small cat, my format - deranged
Honey I'm back to run things cos some things is never changed, punk!
So if you're drunk, I freak the funk until you're sober
but still be gettin chills when niggas know that winter's over
Kickin the flam yo it's the man, tick tock, I jam like gridlock
My style is fender bendin sendin rappers to the pitstop
Good lord o' mercy, hit reversy if you missed it
and busboy give the speech cos like a preacher, baby I'm twisted
Kid I swing a dome-buster light, bone crush a *?smith?*
Bust up your lips then puff up a spliff
So yo, who be dat? Dat wanna do me like this to get
booby trapped jack, cos my crew be strapped fat like dat

Chorus

Bust a flavor
Word up uh, yeah, uh, yeah
Check it out

Beba leite!

2010-11-26T00:36:00.001-02:00

Prodigy - Baby´s Got A Temper

Parabéns Floquinho!!

2010-11-25T17:00:00.016-02:00

Desenho: Thais Ueda e Alex Hornest _ 2010

Quem é de mentira jamais irá superar quem é de verdade.

2010-11-25T16:45:00.007-02:00

Falso

Verdadeiro

just writing my name _ 2010 _ são mateus _ sp _ zona leste _ brazil

2010-11-11T11:12:00.010-02:00

photo: RUEDIONE

falsas sementes _ Ai Weiwei

2010-11-08T19:11:00.007-02:00

Ai Weiwei: Sunflower seeds

Ai Weiwei is one of the most popular Chinese artists of our time. For Tate Modern's The Unilever Series he has been commissioned to produce a new work. The sculptural installation titled Sunflower Seeds looks rather minimalistic at first sight. What seems to be an ocean of sunflower seed husks, is in reality a flat landscape of over 100 million individually handmade porcelain replicas of the seed.

Visitors are invited to walk across the surface of the work. It's a sensory and immersive installation, which visitors can touch, walk on and listen to as the seeds shift beneath their feet.

Although they look identical from a distance, every seed is different and handcrafted by skilled artisans. Sunflower Seeds is the largest work Ai Weiwei has made using porcelain, one of China's most prized exports. Previously Ai has created imitation fruit, clothes and vases. Sunflower Seeds weighs over 150 metric tons, covering 1000 square meters of the Tate Modern's Turbine Hall.

Ai Weiwei was born in 1957 in Beijing, China, where he lives and works. He has exhibited internationally, including recent solo shows at Mori Art Museum, Tokyo, and Haus der Kunst, Munich. He has participated in the Sao Paulo Biennial, Documenta 12 in Kassel, and Tate Liverpool. Ai Weiwei also founded the design company Fake Design and co-founded the China Art Archives and Warehouse in Beijing.

The Unilever Series: Ai Weiwei is curated by Juliet Bingham, Curator, Tate Modern, supported by Kasia Redzisz, Assistant Curator, Tate Modern. The Unilever Series of annual commissions was launched in 2000 when Tate Modern opened with Louise Bourgeois's I Do, I Undo, I Redo. Since then, the following artists have created work specifically for the Turbine Hall: Juan Munoz, Anish Kapoor, Olafur Eliasson, Bruce Nauman, Rachel Whiteread, Carsten Höller, Doris Salcedo, Dominique Gonzalez-Foerster, and Miroslaw Balka.

Ai Weiwei: Sunflower Seeds at Tate Modern Turbine Hall, London / UK. Press View, October 11, 2010.

Garotas Boazinhas

2010-11-01T09:28:00.016-02:00

GAROTAS BOAZINHAS

Thais Ueda apresenta a exposição “Garotas Boazinhas” que é composta por 10 desenhos produzidos entre 2007 e 2010 - feitos em grafite e pastel sobre papel.
A série foi inspirada a partir do ditado em inglês ‘good girls go to heaven, bad girls go to everywhere’ (garotas boazinhas vão para o céu, garotas malvadas vão para qualquer lugar) e retratam garotas em fundo infinito branco – referência aos editoriais de moda – onde a ausência de qualquer traço do mundo exterior se mostra numa possibilidade de um mergulho profundo no eu e na liberdade de ser e agir sem pressões e padrões impostos pela sociedade. A artista também apresenta a série ‘Aviso aos Predadores’, que faz parte desse mesmo universo de trabalho.
Thais Ueda é desenhista e trabalha com técnicas diversas, transitando entre pintura, desenhos e objetos. Dona de um traço delicado, chama a atenção por suas criações extremamente sensíveis e, ao mesmo tempo, voluptuosas. Seus desenhos costumam ter formatos pequenos e ser em preto e branco, no intuito de instigar a proximidade do olhar.Tem exposto regularmente no Brasil; já expôs no MAC de São Paulo e foi premiada pela Fiat Mostra Brasil - concurso de artes visuais – em 2006.“Em 2010 lançou o livro “Tenho pena de você”, pela editora Item72.

Garotas Boazinhas - Thais Ueda
Galeria Tag& Juice - www.tagandjuice.com.br
Local: Rua Gonçalo Afonso, 99 - Vila Madalena
Abertura: Quarta-feira, 3 de Novembro · 18:00 - 23:00
Período: De 3 de Novembro a 24 de Dezembro de 2010
Mais sobre a artista: www.thaisueda.com

ANIMAIS DE CONCRETO

2010-10-27T01:22:00.006-02:00

Alex Hornest apresenta
ANIMAIS DE CONCRETO

30 de outubro a 30 de novembro de 2010
Abertura: 30/Outubro a partir das 12hrs.

Local: Cavalera ART PROJECTS _ Alameda Lorena, 1922 _ Jd. Paulista
De Terça-feira a Sábado das 12hrs às 19hrs.

Sobre a exposição _
Animais de Concreto faz uma analogia entre cárcere e liberdade apresentando animais africanos, pintados em seu habitat natural - onde são livres - e esculpidos em uma área fechada, aprisionados em jaulas e caixas.
As obras poderão ser vistas em algumas ruas da cidade e na Cavalera ART PROJECTS.
A ideia é mostrar as diferenças de comportamento nestas duas situações distintas e levar, de modo subjetivo, o espectador a pensar em como a escravidão interviu, negativamente, modificando a rotina e a história do povo africano.
A exposição é composta por: 03 Painéis pintados nas ruas, em pontos visíveis e de fácil localização, no meio urbano e ao alcance do publico:
01 _ Av. 09 de Julho/prox. Praça 14 Biz - Bela Vista,
02 _ Rua da Consolação com Av. Rebouças - Centro,
03 _ Rua Domingos Calheiros, 308 - Tucuruvi.

E por 03 esculturas de aproximadamente 3 m de altura por 2 m de largura e 1,5 m de comprimento. Estas são elaboradas em madeira, argila e concreto e expostas na Cavalera ART PROJECTS.
O projeto desta exposição foi vencedor do "1˚ Prêmio Nacional de Expressões Afro-brasileiras" realizado pelo Centro de Apoio ao Desenvolvimento Osvaldo dos Santos Neves, em conjunto com a Fundação Cultural Palmares – FCP – e com patrocínio da Petrobras. Conta, ainda, com o apoio da Prefeitura da Cidade de São Paulo, por meio da Empresa Municipal de Urbanização - Emurb.

Sobre o artista _
O paulistano Alex Hornest é pintor, escultor e artista multimídia.
Sua trajetória artística começou na década de 1990 nas ruas de São Paulo, fazendo graffiti e documentando a cena local em vídeos/documentários. Sua carreira ganhou outro rumo quando ele foi convidado a integrar uma exposição coletiva no Museu da Imagem e do Som (MIS) em 1994, nos anos que se seguiram ele continuou a levar suas obras para galerias e museus de todo o País e a partir de 2007 passou a expor regularmente nos Estados Unidos e Europa.
Alex Hornest possui obras em galerias como a Thomas Cohn (São Paulo - BR), Bernardo Marques (Lisboa - PT ) e Jonathan Levine (Nova York - EUA) e em coleções públicas do Victoria and Albert Museum (Londres), Museo de San Miguel de Allende (México) e Museu Afro Brasil (São Paulo).

Pintando um Novo Mundo - Goiânia - GO

2010-10-04T11:47:00.007-03:00

Projeto Pintando um Novo Mundo
Leva a arte do grafite à população de baixa renda de Goiânia

Com apoio da Funarte, pinturas e atividades de formação serão realizadas em outubro no Jardim Novo Mundo

Entre os dias 18 e 25 de outubro de 2010, o Bairro Jardim Novo Mundo, região leste de Goiânia, Goiás, será palco do projeto de artes visuais e intervenção urbana Pintando um Novo Mundo. Realizado por meio do programa Conexão Artes Visuais MinC/Funarte/Petrobras, o projeto prevê a criação de três painéis de grafite, sendo que um contará com a participação de sete artistas consagrados no Brasil e no mundo, e dois artistas locais; e os outros dois serão realizados por 15 artistas de Goiânia selecionados pelo projeto. Ainda estão previstas a realização de oficinas de grafite em duas escolas públicas da região e de uma mesa redonda com os artistas participantes e o público em geral.

O Jardim Novo Mundo é o segundo maior bairro de Goiânia e abriga grande parte da população de baixa renda da cidade. Pintando um Novo Mundo busca propiciar a essas pessoas contato com as artes visuais por meio da exposição permanente dos painéis criados pelos artistas, contribuindo para a democratização das artes, a formação de público e a reflexão sobre o espaço urbano. O projeto busca ainda promover o intercâmbio entre artistas nacionais e locais, consolidar a linguagem do grafite como arte pública e aguçar a visão crítica dos artistas sobre a sua própria produção, além de fomentar o surgimento de novos artistas na cidade.

O Pintando um Novo Mundo foi idealizado no ano passado pelo artista e grafiteiro goiano Santhiago Vieira. “Eu gostaria de proporcionar às pessoas que tem pouco ou nenhum contato com museus e galerias oportunidade de acesso a grandes painéis artísticos. Quando foi aberto o edital da Funarte, eu vi uma forma de viabilizar este projeto. Felizmente, a Fundação acolheu e apoiou a ideia”, explica.

A participação de artistas de renome nacional e internacional cria expectativas também em relação à qualidade artística dos painéis a serem realizados. No projeto, estão incluídos nomes como os de: Dalata [André Gonzaga], Belo Horizonte (MG); Onesto [Alex Hornest], São Paulo (SP); Kboco [Márcio Mendanha], São Paulo (SP); Onio [Adriano Cinelli], Brasília (DF); Selon [Santhiago Vieira], Goiânia (GO); Ocyo [Ebert Calaça], Goiânia (GO); Frg [Tiago Ramos], São Paulo (SP); Dme [Denis Freitas], São Paulo (SP); e Trampo [Luis Flávio], Porto Alegre (RS).

Confira a programação do evento:

Oficinas

Graffiti
Santhiago Vieira [Selon]:

Abordará os princípios básicos dos diferentes estilos do grafite, com ênfase no estilo "Bomb", caracterizado por letras com traços e preenchimento simples, muito utilizado por artistas iniciantes e em intervenções urbanas de ação rápida

·18 de outubro - 13h às 18h
Escola Estadual Joaquim Edson de Camargo
Jardim Novo Mundo, Goiânia, GO
Participantes: 15 alunos selecionados pela escola

·19 de outubro - 13h às 18h
Escola Municipal Mônica de Castro Carneiro
Jardim Novo Mundo, Goiânia, GO Participantes: 15 alunos selecionados pela escola
Intervenções Urbanas

·20 e 21 de outubro
Criação dos painéis de autoria dos artistas locais
Jardim Novo Mundo, Goiânia, GO

·20 a 24 de outubro
Criação do painel de autoria dos artistas nacionais convidados
Jardim Novo Mundo, Goiânia, GO

Debate

·25 de outubro - 10h
Mesa redonda com os artistas e o público em geral
Casa do Hip Hop - CENEG - GO
Jardim Novo mundo, Goiânia, GO

sketchbooks

2010-10-01T19:15:00.008-03:00

O livro aborda as questões do processo criativo nas artes visuais, amplamente ilustrado com imagens dos cadernos de esboços de 26< artistas contemporâneos brasileiros. Foram selecionados pela sua diversidade de atuação, daí a participação de designers, arquitetos, ilustradores, cartunistas, gra!teiros e tipógrafos, entre outros.
“Sketchbooks” é um projeto inédito no Brasil, resultado de um processo de mais de 18 meses entre a concepção e o produto !nal, com visitas a ateliês e contato com um riquíssimo e vasto material registrado em cadernos, gerando a difícil tarefa de compilar recortes que re"etissem o trabalho e a personalidade artística de cada um do elenco.
Os autores esperam, com este livro, “alimentar e inspirar quem está buscando ou já está percorrendo seu próprio caminho no campo das ideias e quer exercitar sua criatividade nas artes visuais e na vida.”
Segundo Charles Watson, que escreve a introdução: “É possível que nos últimos 10 anos tenham sido publicadas mais antologias sobre desenho e o papel do desenho no pensar que nos 30 anos anteriores. Isso sugere que hoje, em meio à idade digital, o processo de esboçar ainda é fundamental para muitas disciplinas que vão além da arte e do design.
“Sketchbooks” é um raro exemplo no Brasil de uma antologia desse tipo. Num contexto de consumismo desenfreado e constante procura por novos produtos da indústria e do design, é refrescante ver um livro que visa à contemplação dos bastidores das linguagens criativas.”

Artistas participantes:
Alarcão - Alex Hornest - Amanda Grazini - Angeli - Arthur D'Araujo - Bruno Kurru - Carla Ca!é - Cláudio Gil - Eduardo Berliner - Eduardo Recife - Elisa Sassi - Fernanda Guedes - Guto Lacaz - Hiro Kawahara - Kako - Kiko Farkas - Leo Gibran - Lollo - Lourenço Mutarelli - Montalvo - Mulheres Barbadas - Orlando - Rafael Grampá - Roger Cruz - Titi Freak - Yomar Augusto

Formato: 15cm X 23cm - 272 páginas
Acabamento: capa dura edição luxo
inserido em caixa personalizada
Tiragem: 2.000 unidades
Impressão: Ipsis

Lançamento:
Museu da Casa Brasileira
Dia: 28 de outubro de 2010
Av.Faria Lima 2705 - SP www.mcb.org.br

+ incendiários!!

2010-10-01T19:06:00.002-03:00

Lakai Skate and Create 2010
Dir: Ty Evans
Producer: Kelly Bird
Ex. Produced: Spike Jonze
DP: Marc Ritzema
Artist: Ima Robot "Ruthless"
Format: RED MX, 5D and 7

e nem por isso deixamos de ser felizes!

2010-10-01T18:24:00.003-03:00

Sim, sou Corinthiano!!
E sei que ninguém é perfeito...

Outubro Independente no CCJ Ruth Cardoso _ Vila Nova Cachoeirinha

2010-10-01T18:06:00.008-03:00

Um novo cartão postal em Viena - Austria

2010-09-22T19:42:00.016-03:00

Without bikes here!!

Thank you for support!!
INOPERABLE
ESEL
BICYCLE FILM FESTIVAL

DANKE SCHÖN!

art cycle 4

2010-09-12T05:43:00.007-03:00

Art Cycle 4_2010.

INOPERABLE
September 16th, 2010 Vernissage 18hJoin us for our fourth annual Art Cycle exhibition.
To help kick off the Bicycle Film Festival we are hosting an international exhibition of Bicycle inspired art!

Featured Artists include:

Adam Turman (us)
Alex Hornest (br)
Funk25 (de)
Konfour (at)
Matt W. Moore (us)
Panda (at)
Pinion (ve)
Sebastian Pape (uk)
Tika (ch)
and more…

Vernissage starts at 18h. At 20:30h we will have a night ride to the Pratersauna for the Opening party of the Bike film Festival.

Keep Pedaling!

Porquê ando de Bike?

2010-09-03T15:19:00.006-03:00

Por que é este o transporte que me deixa em total contato e em harmonia com a Cidade onde vivo. São Paulo_Brasil.

1º BIENAL INTERNACIONAL de Graffiti - SP

2010-09-02T16:55:00.008-03:00

1º BIENAL INTERNACIONAL GRAFFITI FINE ART

de 02/SETEMBRO a 03/OUTUBRO/2010.

MUBE
Av. Europa, 218 - São Paulo - Brasil
De terça a domingo das 10:00 as 19:00 hrs
11 2594-2601 - mube@mube.art.br

A alma de um guerreiro samurai...

2010-09-02T15:32:00.017-03:00

Baths - Lovely Bloodflow - Cerulean
Directed by Alex Takacs and Joe Nankin

Photek - Ni Ten Ichi Ryu (Two Sword Technique)
Directed by Hiroyuki Nakano

...nunca poderá ser corrompida, pois suas crenças, valores e parâmetros são as únicas coisas que lhe
servem como metas para a sua existência.

construindo seus próprios sonhos

2010-08-24T11:10:00.010-03:00

shinya kimura
directed by Henrik Hansen
A short film about custom motorcycle engineer shinya kimura - chabott engineering.

Shinya Kimura, formerly known as the founder of "ZERO" or the so-called "ZERO Style" motorcycles,has launched his own workshop called "chabott engineering" in the city of Azusa, California in 2006.
In his 25 year career in the motorcycle world, Kimura started his own small repair shop named Chabo in 1992, a year before he started ZERO in Japan. Chabo means "bantam rooster" in Japanese and, to Kimura, it means "back to basics".
With the rebirth of Chabott engineering (with the fancy double t's),Kimura will continue his exploration of metal and rubber...or whatever...in new and different ways -- not merely building custom motorcycles-- but creating functional art by infusing his philosophy and aesthetic values into his sculpturally unique and rolling designs.

Raio-X da vida moderna mostrado por Alex Hornest

2010-08-19T13:10:00.002-03:00

BICHOS URBANOS

2010-08-19T11:53:00.016-03:00

JORNAL O POPULAR / MAGAZINE - GOIÂNIA, terça-feira, 17 de agosto de 2010

COM OBJETOS INUSITADOS, ARTISTA ABRE EXPOSIÇÃO NA GALERIA DA FAV-UFG COM FIGURAS
DE ANIMAIS QUE FAZEM UMA ANALOGIA ENTRE PRISÃO E LIBERDADE NA VIDA DO HOMEM.

por Renata Dos Santos

O sobrenome é estrangeiro,mas Alex Hornest é um artista brasileiríssimo e representa uma geração de talentos contemporâneos que têm chamado atenção com uma obra criativa e inovadora.
Esse paulistano de 38 anos abre a exposição "Animais de Concreto", na Galeria da Faculdade de Artes Visuais (FAV) da Universidade Federal de Goiás (UFG), no Câmpus2, hoje, às 10 horas.
Ofoco vai para suas criaturas que remetem ao ser humano e instigamuma analogia entre cárcere e liberdade. Hornest descreve que fará três instalações, com esculturas de bichos dentro de caixas, numa alusão à prisão das pessoas na vida corrida do cotidiano.
Além das três obras montadas dentro da Galeriada FAV, o artista também vai pintar os mesmos animais (porco, águia e touro) em paredes externas de prédios do Câmpus2 ,como o da biblioteca. “Nestes locais eles aparecem sem as caixas que os aprisionam, como se vivessem livremente”, afirma. Ele adianta que os desenhos e pinturas tridimensionais empregam técnicas de graffiti e cores como preto, branco, laranja e vermelho.
O POPULAR acompanhou um pouco do fazer artístico de Hornest na sexta-feira, dia 13, que começou com os “bichos dentro da galeria”. Exibindo cabelos rastafári bem-cuidados e trajando um macacão de um típico operário de obra e tênis estiloso, Hornest e alguns estudantes de artes esbanjavam disposição eharmonia durante a montagem.
Eles manuseavam martelos ,pregos, plástico, restos de calhas, telhas de alumínio e madeira reaproveitada. A equipe seguia o croqui de Hornest, desenhado numa folha de papel.
O material esparramado no chão se transformava aos poucos em apoio para as criações, num conjunto que teria como suporte caixotes enormes de dois metros e meio de altura. “Recentemente montei essa exposição em Ribeirão Preto - SP, que levou também galhos na sua construção. O tema e o conceito da série não mudam, mas em cada lugar o resultado é diferenciado”, conta. Hornest salienta que alguns dos fatores que levam ao ineditismo dasobras em cada cidade ficam por conta também daquilo que é encontrado para a realização dos trabalhos.

OFFICE BOY

O artista há 15 anos vive exclusivamente de sua arte.
Suas pinturas custam até R$ 30 mil e estão à venda em galerias como a Thomas Cohn, em São Paulo,e a Jonathan Levine, em Nova York. Seu trabalho também integra o acervo de coleções públicas em museus como o Victoria and Albert Museum de Londres e o MAC de São Paulo.
Ele conta que cresceu no Bairro da Penha e São Miguel, em São Paulo. A trajetória de artista começou a ser traçada quando ainda trabalhava como office-boy na capital paulista. “Eu andava pela cidade e ficava fascinado por trabalhos de outros artistas, pelas esculturas de pedra, arte urbana e graffitis”, relembra.
Depois da exposição de estreia, a 3ªMostra de Graffiti, no Museu da Imagem e do Som (SP), em 1994, Hornest emendou dezenas de mostras até o momento, no Brasil e no exterior. Durante sua permanência na FAV, ele fará oficinas de desenho,pintura e intervenções com os alunos.

Exposição: Animais de Concreto, de Alex Hornest
Data: De hoje até o dia 10 de Setembro de 2010
Local: Galeriada Faculdade de Artes Visuais (FAV), no Câmpus2, saída para Nerópolis
Entrada franca

Sensibilidade para usufruir de tudo que é bom e ruim nesse Mundo.

2010-08-12T10:40:00.006-03:00

Dear Japan
by Matthew Brown

A sudden minor shock or meaningless/meaningful interruption...that is a memory...here is a blip of the land of the rising sun. JAPAN!
Shot with the 7D by Nathan Miller
Edited by Matthew Brown
Music - "Empty Room Trailer Version" by Zack Hemsey

Animais de Concreto - Galeria da FAV - Goiânia

2010-08-11T23:10:00.006-03:00

_ANIMAIS DE CONCRETO_

17 de Agosto a 10 de Setembro de 2010
Abertura 17 de Agosto as 10hrs.

Galeria da FAV
FAV/UFG - Campus II - Caixa Postal 131
CEP 74001970 - Goiânia - Goiás
Tel.: (62) 3521-1445

O que não é preciso fazer para se ganhar a vida?!

2010-08-09T13:43:00.004-03:00

Resp: _ Em nenhum momento perder a dignidade.

Apenas um "AMIGO".

2010-08-09T13:19:00.003-03:00

The Terrible Thing of Alpha-9!
directed by Jake Armstrong.

Barry Mcgee (a.k.a. Twist)

2010-08-09T11:42:00.004-03:00

Barry Mcgee Installation 2010 - The Oakland Museum of California

Alex, o Grande

2010-08-02T16:54:00.006-03:00

Por Nabor Jr, especialmente para O MENELICK 2º ATO
Fotos Juliana Biscalquin O relógio marca 11h27 a.m. Rojões, fogos de artifício, buzinas e vuvuzelas começam a colorir a atmosfera paulistana. Era o dia da estréia da seleção brasileira na Copa do Mundo na África do Sul e a cidade, horas antes do jogo, já respirava o falso patriotismo que acomete a população em tempos de Copa do Mundo. De repente, o cinza “kassábico” deu lugar ao verde, amarelo, azul e branco.

Mas no bairro da Bela Vista, em São Paulo, apesar das bandeiras pintadas no asfalto, o barulho infernal das ruas e a expectativa dos torcedores contrastava com o silêncio e a tranqüilidade de um dos conjuntos do edifício número 111, na rua Barata Ribeiro.

Nenhuma novidade. O inquilino Alex Hornest não é lá um grande entusiasta do esporte bretão. Ainda desfrutando dos primeiros meses da paternidade, sua maior motivação para assistir o jogo entre Brasil e Coréia do Norte era a possibilidade de estar ao lado da filha.

Caseiro, metódico e simpático, Alex Hornest abriu as portas do seu estúdio para O Menelick 2º Ato. Cercado por livros, telas, latas de spray, dois grandes monitores de LCD ligados a um Mac Book Pro e envolto a um incomum silêncio em meio a efervescente expectativa dos brasileiros com o início da jornada tupiniquim na Copa, Onesto falou. Sobre o que? Honestamente? Sobre tudo e sobre nada. Isso é arte! Onesto vem de Hornest....
_ Não, é o contrário. Comecei a pintar Onesto na rua, mas sem a letra H, porque achava legal o lance da palavra começar com O e terminar com O. E também porque eu faço vídeos e não queria assinar com o meu nome de batismo...

Que é....
_ Segredo... Então eu coloquei Hornest, que é uma invenção minha. E ficou Alex Hornest. Hoje eu incorporei este nome ao meu.

A vida aos 37...
_ Me vejo fazendo muita coisa que eu fazia no passado. Quando eu pegava lata de óleo vazia da minha mãe e queria cortar, abrir. Fazer algum brinquedo com aquilo. Hoje eu vejo que continuo fazendo essas coisas, só que em escala maior. Com um conhecimento maior. Vejo muito da minha infância no meu presente. Sempre quis desenhar. Lembro do meu pai trazendo gibis pra mim e eu copiando os personagens. Chegou uma hora que eu não queria mais copiar os desenhos do Walrt Disney, do Maurício de Souza. Eu queria ter os meus. Quebrada
_ Cresci no bairro da Penha, na Vila Esperança, Zona Leste de São Paulo. Depois mudei pra São Miguel Paulista com meus pais. Estou em Perdizes há 5 anos, desde que casei.

Início
_ Sempre estive na rua, brincando e tal, desde criança. E na Penha tinha um cinema de bairro, na Avenida Itinguçú, e todo domingo eu ia lá, nem sabia a programação, mas estava lá vendo os filmes. Um dia exibiram o filme “Beat Street”, e nele tinha uns caras dançando break, cantando rap, mas quando mostrou um cara fazendo graffiti eu disse: é isso! Pensei que além de simplesmente estar na rua, podia estar na rua, pintando e desenhando. Pixação
_ Adoro pixação. Acho incrível a forma como criam as caligrafias e a atitude deles. Apesar de nunca ter pixado, sempre tive esse fascínio por graffiti, pixação, coisas urbanas. Então fui buscar informação do que era, como faziam. Mas nessa época (início dos anos 90) quase não havia informação sobre essas manifestações.
Como eu era office boy, e rodava o centro de São Paulo, até que via algumas coisas pelos muros, tipo Osgêmeos, Speto, Vitché, o pessoal do stencil, Tupinamdá, Rui Amaral, então, eram essas as referências que eu tinha.
Tenho vários amigos que pixam, mas nunca tive essa vontade porque sempre quis fazer coisas coloridas, com volume. Trabalhar o 2D de uma maneira mais ampla.

Criação dos personagens
_ Coloquei na minha cabeça que enquanto não estivesse bom nas letras não ia fazer desenhos. Então fiquei muitos anos nas letras e só depois incorporei os personagens.

Rua
_ Se eu parar de pintar na rua, pra mim, acabou. Porque a rua é o meu verdadeiro ateliê. Na rua que eu exerço minha criatividade à flor da pele, faço experiências, tenho contato com as pessoas. Isso o é que me alimenta, me faz ter idéias...

Transição para as galerias e museus
_ Foi difícil. Nunca aceitei muito bem. Sempre quis estar na rua. Até hoje eu separo uma coisa da outra. A partir do momento que eu passei a compreender que na rua eu faço graffiti e aqui dentro (de um estúdio, galeria, museu...) eu faço uma escultura, uma tela, eu comecei a aceitar melhor essa transição.
Na primeira exposição que participei, no MIS (Museu da Imagem e do Som, em São Paulo), acho que em 92 ou 94, pintei um bunner. Foi muito estranho. Pensei comigo: será que é isso mesmo o que eu quero? Ver um trabalho meu em um evento, restrito?

A arte acabou
_ A arte nunca vai acabar. O que aconteceu foi que mudaram-se os meios de como a arte é feita. Hoje o artista não precisa saber pintar, desenhar. Ele pode ter a idéia e encomendar essa idéia. Chegar em alguém que tem mais habilidade, um artesão, por exemplo, encomendar uma peça, expor aquilo e falar que é dele. Hoje a arte pode ser apenas uma idéia, um insight. Eu me sinto privilegiado por estar vivendo nesse tempo. Em episódio recente a Globo noticiou um flagra da polícia. Dois pixadores que, em ação, caíram do primeiro andar de um edifício da R. Consolação, no centro. A apresentadora, Carla Vilhena disse: "não entendo qual a graça de escrever umas baboseiras que ninguém entende. Ou, quem entende são idiotas assim como eles". Qual sua interpretação sobre tal comentário? (ou, Como você interpreta tal comentário?)
_ Ela falou isso!?

Falou...
_ Acho que esse lance dos pixadores subirem em prédios é uma evolução. Eles estão procurando outros níveis. Começaram em baixo, foram para o topo dos prédios e hoje as janelas e fachadas. Acho que pintar um prédio e todos os seus cantos é o ápice da pixação.
Quanto ao comentário da jornalista, não entendi. Tem gente que se arrisca no automobilismo por exemplo, e aí?. Tá certo que tem mídia, dinheiro, mas não deixa de ser um risco.
Se as pessoas precisam deste risco é porque elas necessitam deste momento. Cada um sabe o que precisa pra si. A "mina" dizer que eles são idiotas não acrescenta em nada.

A vaidade do artista com a sua produção. Como lidar com a efemeridade das ruas?
_ O Graffiti me fez ver que o meu trabalho não tem mais valor que qualquer outro trabalho. O que realmente me leva para as ruas é o fato de conhecer pessoas. Ter contato com a cidade, e com as coisas que me cercam. Eu estou lá pintando e do nada chega um tiozinho que eu nunca conversaria em um dia normal. Isso que é o legal de fazer graffiti, agora se ele vai durar ou não isso não me importa, eu não tenho mais esse apego, curto o momento e tiro uma foto do resultado. A partir do momento que eu entendi a essência do graffiti eu perdi esse apego. O auge é o momento da produção, esse momento sim, é pleno.

Que história é essa de 72 assinaturas?
_ Para cada linha de trabalho incorporo um nome e um personagem. Seja para criar telas, esculturas, graffitis, fotografias, vídeos, etc. Setenta e dois é para colocar um limite, já que nasci em 1972, aproveitei para impor a mim mesmo essa “barreira”. Tenho diversos codinomes, Alex Hornest, Onesto, Emprolde, Ddia, Stok, Negativo...

Sua relação com a fotografia, vídeo e novas mídias
_ Comecei fazendo registros fotográficos do que eu via na cidade pra depois transforma-las. Ainda hoje faço fotografias e depois realizo uma reflexão com as imagens e faço um desenho. Assim treino minhas observações do dia-a-dia. Não consigo criar um trabalho que seja apenas uma ilustração, um desenho bonito ou feio.
Também tenho uma produtora pequena que se chama 03em01. Gosto de trabalhar o passo a passo, Stop Motion. Agora estou produzindo um curta de animação de um artista chamado Anderson Resende. Também gosto muito de história em quadrinhos. Sempre que posso envio um trabalho para o salão de Piracicaba (Salão de Humor de Piracicaba). Estou produzindo um agora.
Seja qual for a plataforma não deixo de sair das temáticas urbanas. Estou produzindo um longametragem, por exemplo, que se chama “Lugares Neutros”, que mostra a visão de cinco artistas de graffiti sobre a cidade de São Paulo e suas experiências.
Acho que tudo isso me complementa. Não consigo ficar quieto.

Formação
_ Fiz um curso de Desenho de Comunicação, no Carlos de Campos (Escola Técnica Estadual Carlos de Campos), e antes um de Administração de Empresas no Arlindo Pinto (em São Miguel Paulista). Foram 4 anos cada curso.

Presente
_Agora estou tentando me focar somente nas coisas que realmente gosto de fazer. Fiz uma proposta pra galeria com quem trabalho, a Thomas Cohn: _ Ficar um ano só produzindo (telas e esculturas) pra ver o que acontece. Pra poder trabalhar bem nas peças sem se preocupar com mais nada e disso quem sabe fazer uma seleção das melhores para uma próxima exposição.

O conhecimento nos aproxima da ignorância?
_ Com certeza! (rs) Quanto mais conhecimento você tem mais burro você quer ficar. Você começa a ficar mais exigente, mais crítico. Se você não sabe o que ta passando você fica na sua. Mas a gente está sempre em busca do conhecimento. Isso é péssimo!

Artistas plásticos negros
_ Tem muitos artistas que procuram não expor sua produção, digamos, ao grande público. Ficam no canto deles. Muitos são ótimos artesãos. Depois que eu passei a ter mais contato com o Museu Afro Brasil, e com o Emanuel Araújo (diretor do Museu), vi que tem muitos bons artistas negros no país e fora dele também. O problema é que o público não tem muito acesso ao o que eles estão produzindo.

Negritude
_ Não sei se facilitou ou dificultou algo para mim. Eu vejo grandes vantagens em ser negro. A limitação esta dentro de cada pessoa, elas é quem sabem até onde podem chegar.

Ser negro
_ O mais importante em ser negro é minha consciência. O que eu posso com isso. Hoje sei que muitas pessoas se espelham no meu trabalho, no que eu faço e no meu modo de agir. Estou no lugar de parentes meus e artistas que, na minha juventude, eu admirava. Ser negro pra mim é ter postura. Saber me valorizar. Hoje muitos me consideram um ponto de partida e se espelham em minha tragetória.

Referências
_ No graffiti Barry McGee, que nas ruas assina como Twist, na escultura Victor Brecheret e Alberto Giacometti e na pintura artistas chineses como Yang Shaobin.

Cidades são grandes áreas de lazer onde podemos exercitar nossa criatividade.

2010-07-28T12:22:00.004-03:00

PLAYGROUND
Julius Wright a.k.a Lyrical God sees the world as a "playground". Julius is a 21-year-old Philadelphian beat/rap artist, a combination of urban percussionist and MC, whose exceptional talents combine to deliver a moving and sometimes brutal street soundscape.
Anything he can pen-tap or beat on is used for his music - stop signs, trash cans, post boxes - the city of Philadelphia becomes a re-appropriated soundboard reflecting the rhythm of his life.
Wright picked up a pen and started tapping on his school desk in the eighth grade and has now grown from the street to the studio. Julius tells us the city made him who he is, he in turn has remade the city, digging out its hidden rhythms and reaching out to its people.

Directed by Glendyn Ivin

incendiários!!

2010-07-28T09:54:00.007-03:00

RIDE
Steve Berra (The Berrics) joins Mexican skaters Jesus Gonzalez, Eder Martinez, Mario Saenz, Angel Santiago and American Luis Tolentino for this Burn Ignite film, shot on location in Mexico City.
RIDE meditates on skaters' unique relationship to the street and their use of what's at hand to remake the world around them.

Directed by Garth Davis
Music written produced and performed by Django Django

Pra isso que eu vim.

2010-07-26T15:42:00.016-03:00

TRANSFER é uma extensa e complexa mostra de arte urbana e contemporânea sobre seres criativos que surgem de um universo paralelo da arte. Artistas com raízes ligadas a movimentos da contracultura como o punk, o hip hop, o fanzine e o graffiti, cuja produção ainda é pouco estudada e documentada. A mostra proporciona pontos de partida para se explorar e discutir esses universos criativos que estão conquistando cada vez mais espaço na sociedade e fundindo-se ao circuito de exposição, discussão e comercialização da arte contemporânea.
=====
TRANSFER is an exhibition showcasing contemporary visual art, street art, skateboarding (via photos, videos and live performances), independent music, as well as underground comics and fanzine art from the last two decades. Featured within the framework of this concept, original artwork and site-specific installations from internationally acclaimed Brazilian and American artists with roots in urban culture will be on view. The exhibition highlights the history and complexity of these interrelated creative cultures between both nations that now are merging with the mainstream art world on an international scale.

Local:
Pavilhão Das Culturas Brasileiras (ex-Prodam)
Parque Ibirapuera
Rua Pedro Alvares Cabral, s/nº
São Paulo - SP

20 de julho a 12 de setembro de 2010.
De terça a domingo, das 9h às 18h, com entrada até as 17h.
Ambiente acessível. Entrada gratuita.
Estacionamento disponível pela entrada do portão 10

JUXTAPOZ

Quando não estou nas ruas - parte IV

2010-07-06T10:25:00.005-03:00

REVISTA 400ml # 01

A Revista 400ml é uma publicação bimestral voltada para os artistas de rua. Esse público envolve não só graffiteiros, mas também artistas como: fotógrafos, rappers, djs, ilustradores e muitos outros que se identificam com nosso mundo. Todos cabem dentro dessa lata, sem discriminação alguma!
A 400ml tem um layout limpo, que visa valorizar as imagens. O conteúdo é composto por entrevistas com artistas conceituados, ou não, em diferentes técnicas e estilos, galerias com contribuições de nossos leitores, para fazer aquilo que é, certas vezes, exposto da maneira mais aberta o possível – na rua – poder atravessar tal espaço e ser vista mais longe, por outras pessoas!
Além disso, abrimos espaço para os artistas, colunistas e leitores na tentativa de conseguir o máximo de interação e novos olhares para os mais variados assuntos, no que se refere a arte de rua. Saiba como participar, clicando aqui.
O corpo editorial é formado pela Zilmar Marinho, Glauci Miyata, Thiago Mac, Mariano Lima e tem a colaboração de Vinicius Siri e outros amigos.
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400ml Magazine is a bimonthly publication dedicated to street artists. Our public involves not only graffiti, but also artists as photographers, rappers, DJs, illustrators and many others who identify with our world. All of that can fit in, without any discrimination!
The magazine came out of the digital versions and now it stands as a bimonthly printed publication. It can be found at the following stores and our online store.
The 400ml has a clean layout, which aims to highlight the images. The content consists of interviews with famous artists, or not, different techniques and styles, galleries with contributions of our readers, our intention is to show what is sometimes exposed as openly as possible - on the street – making it cross this space and further be seen by other people!
Furthermore, we give space to artists, columnists and readers in an attempt to achieve the maximum interaction and new perspectives for more variety of issues in relation to street art.
The editorial board is formed by Zilmar Marinho, Glauci Miyata, Thiago Mac, Mariano Lima and has the collaboration of Vinicius Siri and other friends.

E você ainda acredita que "todos" nascem livres...

2010-06-23T10:50:00.005-03:00

Artist: MIA
Director : Romain Gavras
Director of Photography : André Chemetoff
Producer : Mourad Belkeddar
Production company : elnino.tv
Executive Production : Gaetan Rousseau / Paradoxal
Special thanks to Lana & Melissa from The Director's Bureau

Alex Hornest e Thais Ueda apresentam: _ TENHO PENA DE VOCÊ _

2010-06-15T12:38:00.007-03:00

Lançamento do livro + noite de autógrafos + mostra dos desenhos originais.

» Dia 18 de Junho de 2010 (sexta-feira) a partir das 20hrs.
Livro por preço promocional de lançamento - R$ 45,00
Desenhos Originais a venda no local. Preços a consultar.
Discotecagem: XTO - Pipa Musical

Local: Espaço +Soma
Rua Fidalga, 98 - Vila Madalena - São Paulo - SP
Terça a Quinta-feiras das 12 as 20hrs.
Sextas e Sabados das 12 as 1hrs.

Serviço_
Título: Tenho pena de você
Autores: Alex Hornest e Thais Ueda
Páginas: 104 (capa dura)
Papel: Alta Alvura
Editora: Item72 for Collectors
Ano: 2010
Valor: R$ 60,00* (valor promocional no dia do lançamento: R$ 45,00)
Tiragem: 1.000 exemplares

Nem o concreto pode para-los.

2010-06-14T11:37:00.004-03:00

Sempre correndo pra ver quem chega primeiro.

Quando não estou nas ruas _ parte III

2010-06-01T16:54:00.005-03:00

REVISTA NOIZE #33 - Maio 2010
Distribuição Gratuita

MOMENTOS DE LAZER EM UMA PRISÃO SEM MUROS _ Museu do Trabalho - POA - RS

2010-06-01T16:47:00.002-03:00

Em exposição até 20 de Junho de 2010

Local:
Museu do Trabalho
Rua da Praia, 230 - Porto Alegre
Terça a Sábado, 13h30 às 18h30
Domingos e feriados, 14h00 às 18h30

MARP _ Museu de Arte de Ribeirão Preto

2010-06-01T16:24:00.005-03:00

Em exposição até 13 de Junho de 2010

Local:
Na Casa da Cultura / Galeria Leonello Berti
Praça Alto do São Bento, s/ n°, Ribeirão Preto - SP.
Terça a sexta-feira, das 09:00 às 18:00 horas
Sábados, domingos e feriados das 12:00 às 18:00 horas.